Séptimo 7 sello: CLASICOS DEL CINE V : KIESLOWSKI- FASSBINDER- COPPOLA.

El Cine de la Fé, la rebeldía y el clasicismo.

"La doble vida de Verónica" es una de las mayores obras del cineasta polaco Krzysztof Kieslowski. Junto a él, analizamos algunas de las obras más destacadas del cineasta alemán Rainer Werner Fassbinder y el director estadounidense Francis Ford Coppola, en una trilogía de interés cinéfilo.

El Cine de la redención.

Krzysztof Kieslowski ( 1941-1996 ). Miembro de la generación que profesó la militancia política en los radicales años sesenta, estudió Cine en la Escuela de Lodz, donde se graduó en 1969, para empuñar una cámara con el impulso de decir cuestiones trascendentales, sin anacronismos, ni sofistificaciones estilísticas. Se entrenó en el campo del documental "con los que retrató ácidamente la realidad polaca a través de 16 mediometrajes, uno de los cuales titulado "La calma" ( 1976 ), estuvo prohibido durante cuatro años por inmiscuirse en el mundo popular de la sociedad comunista polaca". Ferviente católico, se le considera un discípulo de Andrej Wajda, otro gran cineasta cristiano muy interesado en los temas contingentes. Su debut en el cine argumental fue con la película "El aficionado" ( 1979 ), la historia de un cineasta provinciano y sus esfuerzos por abrirse paso en una sociedad conformista y burocrática. Su tercera producción más destacada se fue por un camino más espiritual, a través de una mujer que ha perdido a su marido "Sin fin" ( 1984). El éxito le llega con un ambicioso proyecto desarrollado originalmente para la televisión, del cual surgieron dos filmes de distribución masiva. En 1986, inició el rodaje de su "Decálogo", una serie de diez películas hechas para la televisión, de una hora de duración cada una, sobre el tema de los diez mandamientos, con el argumento de que "millones de personas habían muerto por esos ideales". Fueron diez reflexiones maduras y sincréticas sobre las leyes sagradas. La acción de todas estas películas transcurre en el mismo bloque de pisos ,"la finca más hermosa de Varsovia". Y es que vienen a ser como parábolas , "con la inclusión de elementos como los caprichos del destino, los tabúes familiares y sociales, y la presencia recurrente de un joven que tal vez simboliza la muerte, todo ello para explorar los valores de la vida moderna de los polacos". Dos de los episodios se alargaron hasta el formato de largometraje y se estrenaron en cine. El primer capítulo conocido fue "No matarás" ( 1987 ), se convirtió en la mejor película del director hasta la fecha, y el segundo "No amarás" ( 1988), en una historia romántica con las figuras cristianas dentro de la modernidad (ver aparte ). Después vino la premiada "La doble vida de Verónica" ( 1990 ) en Cannes, que estrenó el Cine Arte de la Universidad de Talca. Y su célebre trilogía sobre los tres colores de la bandera francesa, Trois Couleurs: Rouge/Rojo; "Blue"/Azul" y "Blanc"/"Blanco", una coproducción entre Francia, Polonia y Suiza que ahondó en los temas de orden religioso que siempre le preocuparon y le dieron un sello maestro a toda su obra.

El Decálogo de Kieslowski: "No matarás" ( 1987 ): Una indagación acerca del derecho del hombre a quitar la vida de una persona, estableciendo un paralelo entre los métodos de un joven asesino, - un adolescente depresivo que asesina a un taxista- y, tras ser defendido por un joven abogado idealista, acaba siendo condenado a la horca. De esta manera, la justicia da muerte al homicida con tanta brutalidad como el anterior. Las dos escenas violentas se consideran como las más angustiosas filmadas en la historia del cine. "El director de fotografía, Slawomir Idziak, opta por una iluminación mínima y filtros verdes, como si la luz procedente de Dios hubiese abandonado a la humanidad". Se trata, por cierto, de un notable estudio sobre la violencia humana desde las raíces del victimario y de los tribunales que deciden castigarlo de la peor manera. "No amarás" ( 1988 ), narra el amor de un adolescente por una prostituta llamada "María Magdalena". "Dios nos mira como por un teleobjetivo", "La leche es sinónimo de Vida". A través de estos dos conceptos básicos que se escuchan en el relato, Kieslowski nos entrega una interesante historia que grafica el desesperado intento de un joven de 19 años, por ser amado por una mujer mayor a la que espía desde su ventana. La película tiene momentos conmovedores, especialmente por la manera de trasladar las claves cristianas como la culpa, el sacrificio y la redención, a una historia cotidiana de gran simplicidad entre un muchacho de escasos recursos y una mujer desvalida. Son dos grandes películas que nos acercan a los valores y principios humanos más sensibles en la sociedad actual.

"La doble vida de Verónica" : Singular alegoría sobre el espíritu de una mujer que resucita en el cuerpo de otra, al morir de manera inesperada, y después de sentirse unida a un alma gemela. Como ya lo demostrara en su decálogo, Kieslowski es un ferviente humanista-cristiano al que le interesa sobretodo, el sentido vital de la existencia, de ahí, su opción de elaborar un cine contemplativo, que lo grafica en esta historia en abundantes primeros planos y planos-secuencia, que le dan la ocasión real de desnudar a sus personajes desde el interior. La actriz Irene Jacob se desdobla en dos papeles alternativos con una tremenda capacidad histriónica y gran naturalidad. La sensualidad a flor de piel desde el sufrimiento y el dolor que lava el espíritu, se manifiesta en una singular escena erótica hacia el desenlace, en una original historia que nos habla sobre la duplicidad del alma femenina. Muy recomendable.

Como fue este cineasta intimista que casi siempre trabajó con el mismo equipo. Su co guionista Krzysztof Piesiewicz y su compositor musical fue Zbigniew Preisner, además estableció lazos íntimos con sus actores , por ejemplo, Grazyna Zapolowska fue protagonista de "Sin fin" y "No amarás", mientras Irene Jacob interpretó "La doble vida de Verónica" y "Rouge"/"Rojo". Y la protagonista de "Bleu"/"Azul", Juliette Binoche llegó a ser su compañera sentimental. Todos sus colaboradores aseguraron que pel se esmeraba por filmar rápido y siempre al día respecto con respecto al uso del presupuesto.

"Azul"/"Bleu" ( 1993 ) : La primera entrega de la trilogía de Kieslowski sobre los tres principios de la bandera francesa que inspiraron la Revolución ( libertad, igualdad y fraternidad). Julie ( Juliette Binoche ) pierde a su marido , un ilustre compositor amado por toda la nación, y a su hija en un accidente automovilístico. Decidida a rehacer su vida, refugiada en el anonimato más elocuente, se aparta de sus amigos, del amor, y hasta de la música, o sea, de todo aquello que constituyó su mundo y su identidad, y que ahora ya no formará más parte de su existencia. Sin embargo, un especialista en música ( Benoit Regent ) afirma públicamente que podría haber sido Julie la verdadera autora de las piezas atribuidas a su fallecido marido, y aunque ella niega el rumor, no puede evitar que los fantasmas de su vida anterior surgan como duros obstáculos en su camino.

Kieslowski fue un maestro en el descubrimiento de los sentimientos cercanos a Dios. Su mano casi siempre imperceptible, logra en esta película atmósferas y situaciones sugerentes, sensibles y casi palpables, gracias a un dominio absoluto de los recursos expresivos del cine, y a un decantamiento de los diálogos reducidos en favor de la expresividad de las imágenes. Esta constante en su estilo, es un sello arrebatador en Blue , una historia que circula en torno al dolor de la génesis del Amor y de su liberalidad después de pasar por un proceso de angustia asfixiante. Los estados límites, las renuncias, la soledad, el renacimiento del encuentro amoroso, el sin sentido de la pérdida, el rigor en la entrega, y el paralelismo entre la vida y la creación, en este caso musical, adquieren implicancias religiosas más cercanas a la Fé cristiana y al sentido de la existencia, que pasa por el dolor de lo accidental, de lo improbable e inexplicable. Kieslowski habla siempre con una cámara a la altura del rostro humano, desde la primera secuencia con la cara de la única hija de la protagonista perdiendo su vida en un accidente fortuito junto a su padre, hasta los momentos de mayor intimismo reflexivo. Es un drama intenso, emocionante y lleno de lecciones morales, para retomar el camino ancho sin perder la compostura. Ganadora del César en Cannes y del León de Oro en Venecia.

"Blanco"/"Blanc" ( 1993) : La segunda entrega se centraliza en la figura de Dominique ( Julie Delpy ), casada con Karol un atribulado peluquero polaco ( Zbigniew Zamachoswki ), al que le solicita el divorcio porque no logra consumar su amor en la cama, mientras viven en París. Después de una separación legal accidentada, donde el protagonista emigrante es ayudado por otro polaco, e introducido en su propia maleta de viajes, el hombre reconviene su situación escapando de una existencia chata y mediocre, para acceder a otra vida mejor como ejecutivo de buen pasar. Se trata de un consecuente estudio acerca de la igualdad entre los roles hombre-mujer, porque él pasa por unas situaciones límites y ella a su vez, pagará entre rejas los excesos de él, aumentado los sacrificios de la joven pareja. La impotencia sexual que aparece al principio como el problema mayor en la consumación del amor de la pareja, se solventa con el sentido de la pérdida y su reencuentro, después de demostrar ambos que tienen una fuerza interior desconocida. De esta forma, Kieslowski explica que la impotencia del hombre nace por su empequeñecimiento de su personalidad. Sin poder defenderse cuando le raptan para robarle, disminuye sus falencias y aumenta la autoestima cuando cruza la barrera de lo permitido. En este terreno, el individuo logrará robustecerse y crecer como ser humano, como hombre de negocios, como amante y como pareja. El director deja establecido que sus preocupaciones fundamentales se mueven entre la fé y la razón, la vida y la muerte, el anonimato y la popularidad, la pérdida y el olvido, y el amor y la verdad.

"Rojo"/"Rouge" ( 1994 ): Valentine ( Irene Jacob ) de 23 años, modelo publicitaria de melancólica belleza, atropella accidentalmente con su automóvil a una perra ovejera alemán , que resulta ser Joseph Kent, un juez retirado de 65 años, ( Jean-Louis Trintignant). Paulatinamente Valentine inicia una relación el abogado y descubre indignada que él se dedica a espiar las conversaciones telefónicas de sus vecinos con un sofisticado equipo electrónico. Uno de esos vecinos es Auguste, (Jean Pierre Lorit ), un joven que comparte con el maduro leguleyo , una serie de paralelismos. Valentine y Auguste no terminarán por conocerse en profundidad, pero compartirán sin saberlo, un viaje en ferry a Inglaterra que cambiará sus vidas. Rouge es el capítulo final del proceso de cambios interiores de un puñado de personajes entrañables que Kieslowski trazó sin singularidad personal. Cada uno de los personajes de esta historia como en Bleu y Blanc , pasan por un proceso de evolución hacia Dios. O mejor dicho, con la omnipresencia de Dios, Kieslowski orienta los espacios pecaminosos, no asumidos por inmadurez, pérdida, o simple banalidad, hacia una salida cristiana, consecuente con los principios y valores que profesa la Biblia. De esta manera, el director polaco ha querido darle una dimensión espiritual a su trilogía en razón de una consecuencia que es moral, ética y humana. Obras maestras.

Los valores agregados de la trilogía de los colores: En "Azul" una viuda se libera por fin del dolor que lleva dentro, para constatar que, pese a todo, la vida continúa. En "Blanco" se evidencia la igualdad entre un peluquero polaco que se queda sin mujer, sin casa y sin amigos, y un compatriota que le ayudará a rehacer su vida, y de paso, a reconstruir la vida casi desintegrada de su único amigo que no desea seguir viviendo. Y en "Rojo", la fraternidad a partir de la relación que se establece entre una joven modelo publicitaria, un juez que se dedica a espiar a sus vecinos, y uno de los vecinos espiados, que vive engañado por su novia.

El recordado cineasta en sus años de estudiante en la Universidad de Lodz.

Preguntas Fundamentales al Director : Es legendaria su fama de ser un director que filma muy rápido ¿ Cómo así ? "No sé yo encuentro que trabajo igual que todos los directores. Me demoro nueve semanas en rodar un filme de metraje normal, ¿ quién dice lo contrario ?. Todos sus colaboradores.... "Economizo el tiempo, eso sí. Yo monto el filme de noche y trabajo sábados y domingos, pero eso es porque yo acostumbro a realizar más de un filme a la vez, en este caso son tres. Entre cada película me tomo dos años, más o menos. Hay veces, eso sí, que he terminado tres películas en igual número de años; mientras filmo el segundo, monto el primero y voy preparando el tercero". Se requiere mucho método para eso, ¿ no es así ? "Basta con levantarse muy temprano a las seis de la mañana para irse a acostar a las dos de la madrugada del día siguiente". Usted se resiste a considerar un artista, pero sí un artesano, ¿ por qué ? "Artista se es o nó, yo no lo soy. Es la misma cosa que nacer bajo o alto, no hay nada que hacer. Un artesano se levanta a las seis de la mañana y no vuelve a acostarse hasta las seis. Sabe exactamente qué debe hacer mientras está despierto, sabe cómo usar la técnica como usufructuar de las luces, de la película, en fin. ¿ Ha visto usted a un artista que se levante a las seis de la mañana?.

El cine de la rebeldía y el inconformismo.

Rainer Werner Fassbinder ( 1945-1982). Resulta imposible explicar cuanta influencia dejó en le movimiento del Nuevo Cine Alemán que surgió brillante y original en la década de los años setenta. Ciertamente la crítica alude los apellidos señeros de Wenders, Herzog, Schlöndorff, Kluge y Straub, que si bien han tenido carreras dispares, no lograron provocar el impacto que trajo consigo Fassbinder y su Cine. "Cuando su primer largometraje : "El amor es más frío que la muerte"/"Liebe ist Kälter als der Tod" ( 1969), se exhibió en el Festival de Cine de Berlín en 1969, tanto los espectadores como los miembros del jurado mostraron su insensibilidad frente a la película. Al tratarse de una extraña y pretenciosa combinación de teorías políticas maoístas y escenas estáticas y silenciosas, resultaba imposible averiguar si su autor poseía un mínimo talento que lograse salir a flote una vez libre de sus influencias obsesivas, la de Godard y la de Straub. Pero también hay que reconocer que la película poseía en gran medida esa capacidad para molestar e irritar a sus destinatarios, rasgos que se convertiría en uno de los más característicos de los de Fassbinder". De todas maneras, los críticos alemanes afirmaron que aquel joven tenía una trayectoria destacada en el teatro como autor, director, actor y animador, mostrando esa faceta febril que se constituiría en el sello de marca de su paso al cine. Criado en el seno de una familia fracturada por el divorcio, por una madre que sería actriz y que aparecería con el nombre de Lilo Pempeit en varios de los casting de las películas de su hijo, Fassbinder entró al teatro a los 18 años donde conoció a otra de sus colaboradoras, la actriz Hanna Schygulla. Comenzó en el cine de manera elocuente filmando en sólo dos años ( 1969-1970), diez largometrajes. "La mayoría de ellos tenía un tono improvisado del que Fassbinder no le libró jamás, y de hecho cuando intentó lograrlo, corrió el peligro de incurrir en el extremo opuesto, la pretenciosidad". En 1971 comenzó la serie de películas que habrían de convertirle en una figura internacional de gran relevancia. Un año después también integró su trabajo a la televisión. De todos sus filmes más destacados conviene detenerse en : "El mercader de las cuatro estaciones" ( 1972 ); "Las amargas lágrimas de Petra von Kant" ( 1972); "Todos nos llamamos Ali" ( 1974), "Effi Briest" ( 1974); "La ley del más fuerte" ( 1975 ); "Amor que mata"/"Bolwieser, 1977); "El matrimonio de María Braun" ( 1979 ); "Berlin-Alexander-platz" ( 13 partes para la TV, 1980 ); "Lili Marleen" ( 1980); "Lola" ( 1982), "El deseo de Verónica Voss" ( 1982).

"Las amargas lágrimas de Petra von Kant" : Adaptación fiel de una obra teatral del propio Fassbinder, que cuenta "la historia de una mimada diseñadora de modas ( Margit Carstensen), que mantiene una leve relación lesbiana , y tras una serie de acalorados encuentros con su madre; su hija, su mejor amiga y algunas de las personas mas importantes de su vida, se encuentra finalmente abandonada por todos, quedando irremediablemente sola. Fassbinder ahonda con agudeza y melodramatismo en el gradual hundimiento anímico y vital de una mujer frustrada por su propio medio y carácter. Notables actuaciones y una estética deudora del mejor cine de Douglas Sirk. Es una de sus mejores películas.

La sugerencia estética de la película está dada en la utilización de los espacios interiores, como esta toma con una vigorosa reproducción pictórica. Fassbinder cuidaba los detalles en el color, gracias al estupendo trabajo de su fotógrafo habitual Michael Ballhaus.

"Todos nos llamamos Ali" : Podría haber sido una sentimental historia de amor interracial, entre una madura mujer alemana, Emmi ( la extraordinaria Brigitte Mira) y un emigrante marroquí ( El Hedi Ben Salem), pero Fassbinder la transforma en uno de sus temas frecuentes que habla de la frialdad y la hipocresía de la sociedad urbana de la postguerra. Cuando Emmi presenta a Ali a sus hijos adultos, uno de sus hijos patea con furia el televisor, mientras los otros se muestran incómodos y lejanos. Este tono irónico se expande en la actitud de ella, cuando muestre su gran orgullo por Ali a sus amigas, insinuándoles lo musculoso y fornido que es, como si se tratara de un artista de feria, por lo que el hombre abandonará la casa en reiteradas oportunidades. Se trata de la historia de amor de dos solitarios, que se encuentran en medio de un mundo que nos les comprende y acepta. El resentimiento del que son objeto, está mezclado con unos celos encubiertos por parte de las vecinas de Emmi, y por el dolor de un hombre de ser atractivo para el sexo opuesto pero sólo para las prostitutas de un restaurant que frecuenta.

Fassbinder denuncia a la clase media y sus valores, perdidos en la ostentación y la comodidad de una vida apacible y monocorde. Todo el relato está recorrido por una gran ironía, ya en el hecho de que Emma fuese en otros tiempos miembro del partido nazi y en que, a pesar de su experiencia amorosa con Ali, se deje convencer por sus compañeras de trabajo para perseguir a un joven obrero yugoeslavo. Pero, al margen de la dureza del retrato que hace Fassbinder de los arraigados prejuicios de la clase media alemana, su condena no es nunca estridente ni su compasión hacia las víctimas blanda o sentimental". Sin duda, estamos frente a uno de los mejores filmes de su autor. Premio de la Crítica en el Festival de Cannes de 1974.

"Effi Briest" : Pequeño giro en la variación estilística de Fassbinder , que está basada en la famosa novela de finales del siglo XIX de Theodor Fontane sobre una esposa insatisfecha y una relación adúltera de fatales consecuencias. Gran utilización de la fotografía blanco y negro, para una obra donde Fassbinder muestra una mayor preocupación por las apariencias y por el estilo, lo que lo introdujo en una espiral de ostentación algo pesada. Con todo un melodrama intenso, estelarizado por la gran actriz Hanna Schygulla acompañada de : Wolfgang Schenk, Ulli Lommel, Lilo Pempeit y Karheinz Bömm.

"Amor que mata"/"Bolwieser : "Ambientada en 1930 en una villa Bávara, es un melodrama sobre la destrucción de un hombre Xavier Bolwieser, por su mujer, Hanni, basado en la novela de Oskar Maria Graf. Rodada originalmente en 16 mm con una duración de tres horas. La versión ampliada salió a raíz de la muerte de Fassbinder. El personaje femenino con sus acentos transgresores y sádicos, con su exacerbada vehemencia erótica, con su inagotable sed de abyección plantea cuestiones fundamentales que van mucho más allá de su mera figura. Al menos escapa del sicologismo melodramático que es la cáscara de la obra. Sus determinaciones, sus efectos o afectos habría que buscarlos en la representaciones primitivas que sobreviven en el inconciente y en los mitos de los pueblos de la antigüedad. Descendientes de estas diosas sexuales, condensación perversa de la mujer que no renuncia a la función legisladora y seminal, que no acepta la castración y no asume por tanto su femeneidad como sexo pasivo y receptor". Un estudio sicoanalítico de la mujer, donde lo imaginario y lo real se abrazan de la manera más desgarradora e inusual. Muy interesante.

Elizabeth Trisenaaar, Kurt Raab, Bernard Helfrich, Karl Heiss von Hassel y Volker Spengler integran el elenco de este drama de Fassbinder estrenado en 1977 y hecho originalmente para la televisión.

"Lili Marleen" : El proyecto más ambicioso de Fassbinder hasta esa fecha, es una exagerada, efectista y vital historia de amor, que se basa en la famosa canción escrita por Hans Leip en 1916, y cuya música fue compuesta por Norbert Schultze en los años treinta y cuyo argumento sigue la trayectoria de la cantante que la convirtió en un hit durante la segunda guerra mundial, y que en la película se llama Willie Bunterberg ( Hanna Schygulla). La cantante conoce cuando aun es una principiante en Zürich, a un músico suizo de origen judío, Robert Mendelssohn ( Giancarlo Giannini ), es 1938 y surge la pasión de manera incontrolable. Robert le anuncia a su padre ( Mel Ferrer ) la intención de casarse, pero hay un gran escollo, ya que Willie es una alemana "pura" y la incorporación a su familia pone en grave peligro el trabajo clandestino que consiste en sacar a los Mendelssohn de la Alemania nazi con pasaportes falsos. De esta manera, la vida de la pareja ira por carriles distintos. Mientras Willie conquista a medio mundo cantando "Lili Marleen", Robert cumplirá servicio en una organización clandestina.

El recordado crítico chileno Hvalimir Balic escribió a propósito de su estreno : "La admiración que Fassbinder siente por los maestros del cine romántico norteamericano, en especial por el director de origen danés Douglas Sirk , cuya etapa hollywoodiense ("Imitación de la vida"; "Palabras al viento"; "Sublime obsesión"), es el tramo más importante de su obra, es la principal clave para comprender la puesta en escena de "Lili Marleen". Llevando el melodrama hasta una zona expresionista en que los encuadres de la cámara organizan un relato repleto de énfasis y exageraciones visuales, Fassbinder intenta poner al día las convenciones del folletín sentimental. Toda la narración está al servicio de esta voluntad de estilo. El espectador puede, con no pocas razones, sentirse desorientado frente al enfoque dramático escogido por Fassbinder. La rápida sucesión de los acontecimientos , la forma como se van anudando los dos aspectos básicos de la cinta - la guerra y el conflicto sentimental-, y los continuos saltos en el tiempo y en el espacio construyen un relato cuyas expresivas tonalidades no se discuten, pero que terminan por recargar la atención que se les presta alas imágenes. Aún así, queda el mundo barroco de Fassbinder, su ansiedad por recrear la vieja receta de Hollywood que combina la biografía de corte musical con el sufrimiento de una heroína, que es más fuerte que la circunstancia adversa, donde se revela también el temperamento de Fassbinder. Interesante.

"Lola" : Obra original levemente basada en la obra de Heinrich Mann (Professor Unrat ) de "El Angel Azul", que Fassbinder intensifica para reflejar la historia de una mujer, Lola ( Barbara Sukowa ), que se prostituye para escapar a su condición social y que ambiciona un lugar entre los detentadores del poder de esa Alemania que se reconstruye a partir de la derrota de la aventura nazi. El crítico José Román escribió en el momento de su estreno : "Fassbinder combina las circunstancias estrictamente realistas que van configurando la trama, con la estilización expresionista que caracteriza su estilo. Dos mundos colindantes , uno diurno y otro nocturno, uno respetable y otro sórdido, uno público y otro secreto, coexisten habitados por los mismos personajes que juegan su doble rol, se desenmascaran y hacen de esa especie de esquizofrenia colectiva un modus operandi. De esta manera, autoridades, funcionarios, empresarios, jóvenes contestatarios, se encuentran después de su diaria labor y cotidianos conflictos en el burdel de la señora Fink, donde canta Lola acompañada de su amigo, un militante pacifista.

Fassbinder simboliza dos mundos colindantes, paralelos que se alternan en espacios de tiempo determinados. Entre el macrocosmos de la organización social y el microcosmo del burdel, en ambos reina sin contrapeso una especie de arquetipo del poder económico surgido en la inmediata posguerra : un poderoso empresario de la construcción que manipula tanto a los funcionarios públicos encargados de fiscalizar sus operaciones, una nueva generación del rebaño corrupto y venal, como a las asiladas del burdel donde pasas sus noches. Interpretado por Mario Ardof este personaje es tratado sin maniqueísmos , sujeto ala lógica de su rol social y con capacidad para comentar con cínica lucidez las alternativas del relato y el destino de sus personajes.

Como en todo el cine de Fassbinder , aparece con especial relieve el tema del poder y la instrumentalización de las personas. Es así como el empresario constructor utiliza a alcaldes, funcionarios, prostitutas, y termina por corromper a sus antagonistas; el joven pacifista y un probo inspector jefe del Departamento de Construcciones. En esta sombría alegoría , Fassbinder reafirma que, en las formas del capitalismo avanzado , el sistema tiene la capacidad de recuperar incluso a quienes se le oponen. Como en toda la obra de su autor, no hay una dosis de optimismo, y ni la sociedad ni las relaciones interpersonales ofrecen vínculos que los del dominio y sumisión, sobornos y transacciones corruptas. Una gran película sobre el alma alemana atrapada en los tentáculos de la fatalidad.

"El deseo de Veronika Voss": Nueva recreación del alma femenina sesgada por sus deseos de poder y decadencia. José Román apunta : "La trampa que aprisiona a Petra von Kant, a Effi Briest, a María Braun, a Lili Marleen vuelve a cerrarse, esta vez en torno a una actriz en franco descenso . Veronika Voss, se incorpora a la galería de personajes femeninos de Fassbinder con la misma dolorida intensidad de esos seres atrapados por fuerzas tan malignas como omnipresentes". Ambientada en la década de los años cincuenta, apogeo del milagro alemán, cuenta la historia de una mujer que deambula a la deriva como un alma en pena. Se trata de la actriz del cine del Tercer Reich, Veronika a la que le rodea un halo de misterio, que fascina a Robert un cronista deportivo que acepta el riesgo de aventurarse en el reino de la magia y la locura. Román asevera : "Convergen en este filme la predilección de Fassbinder por el melodrama hollywoodense y por la estilización expresionista. El misterio que rodea a Veronika Voss y la obsesión de ese hombre melancólico y vulgar por ella, nos recuerda filmes tan lejanos como El retrato de Jeannie, Laura o Vértigo, en su poesía mortecina y dolorida y en esa visión romántica de la mujer como un ser inasible y casi etéreo".

La película también incluye los mecanismos propios del thriller, una sospechosa clínica siquiatrica, una verdad que se revela paulatinamente y un asesinato por resolver. El relato privilegia un lenguaje depurado, elíptico, caracterizado por la precisión y la elegancia. Nada es verdad en el cine, señala en un momento Veronika Voss, pero las películas de Fassbinder son un desmentido de tal aseveración, e ilustran con gran intensidad la decadencia de un mundo en crisis. Un notable melodrama para recapitular sobre la verdadera significación del aporte al cine del gran Fassbinder.

"El matrimonio de María Braun" : Un contundente resumen de cuarenta años de la historia alemana encarnados en la figura vagamente simbólica de una prostituta que se convierte en implacable mujer de negocios, hasta terminar con su espectacular muerte. Otra vez Fassbinder ironiza con una amarga verdad, relativa a las dos caras del mundo organizado. Tras las apariencias evolutivas de los negocios, se esconden los males y las intenciones erráticas de una sociedad que se va corrompiendo por los deseos del poder y la autosuficiencia.

La crítica señaló en su momento la disponibilidad de Fassbinder a poner el dedo en la llaga en el espejismo del exitismo económico. "A través de esta parábola sobre el Milagro Económico Alemán, Fassbinder trata de demostrar que, en aquel tiempo no había espacio para los sentimientos, que aquella sociedad estaba construída sobre la base del negocio y la ganancia. Así, la Alemania de posguerra toma forma de una mujer libre, inteligente, y poderosa, que al final, es superada en sus estrategias porque no ha sido más que una moneda de cambio entre dos hombres, una transacción más en este mundo hecho del negocio y la especulación y no para el amor. En este sentido, pocas heroínas hay en la Historia del cine tan fascinantes como María Braun, una mujer que se hace, se construye así misma, pero que acaba destruyéndose víctima de las circunstancias.

La obra de Fassbinder se presentó con gran éxito, en un montaje teatral en Santiago de Chile en Enero de este año, dirigida por el alemán Thomas Ostermeier. La opinión especializada destacó de la obra : "Ostermeier entrega un relato realista con tintes brechtianos contemporáneos y recurre a la ironía dura y a la burla contra hipocresía, falsedad y formalismos sociales. De esta manera, diluye la seriedad formal en una cita ceremoniosa o contrasta la tragedia en desarrollo con transmisión radial del partido con que Alemania obtuvo el campeonato mundial de fútbol (Suiza, 1954). La obra anteriormente conocida por la adaptación al cine dirigida por Rainer Werner Fassbinder, es intransigente en exhibir la inexistencia de sentimientos o, mejor dicho, cómo los afectos se encuentran aherrojados a los negocios y a la acumulación de riqueza".

Reflexión de Fassbinder : "El ideal es hacer unas películas tan hermosas como Estados Unidos pero con una temática propia, que nos identifique frente al mundo". Cuando Fassbinder comenzó a hacer películas, contaba no sólo con bastante experiencia, sino también con una especie de compañía estable de actores y actrices acostumbrados a su peculiar forma de trabajo, capaces de seguirle y colaborar con él para la creación de nuevas obras tanto para el teatro, el cine, o posteriormente, para la televisión. Gracias a ello fue posible que, Fassbinder realizase una obra tan prolífica que incluía rodar un filme en cuestión de días, y por eso, logró efectuar numerosas películas en un año.

Las pasiones cinematográficas de Fassbinder, corrían por adorar el western y el melodrama hollywoodense. Admiraba las películas de Douglas Sirk, y mostraba real entusiasmo cuando veía alguna obra de Roberto Rosellini de su etapa neorrealista. Tampoco debe sorprendernos su afición a Jean Luc Godard y a Samuel Fuller que apareció en su película "El soldado americano" ( 1970). Un año después rueda "Whity" que es un pastiche al cine del Oeste y de las apasionadas aventuras ambientadas en el Viejo Sur . Definitivamente, la cinefilia alimentaba el alma del joven artista.

En varias de sus obras, Fassbinder se reservaba papeles secundarios y aparecía en inmejorable condición expresiva.

Afiche anárquico de un ciclo de películas promocionadas por el Instituto Goethe.

Actrices fetiches.

Hanna Schygulla ( n. 1943 ): Icono del nuevo cine alemán surgido con fuerza en los años 70 y 80 del siglo pasado. Su nombre está en películas de gran interés, especialmente de directores característicos de aquel movimiento, como el propio Rainer Werner Fassbinder ( "El mercader de las cuatro estaciones"; "Lágrimas amargas de Petra von Kant" "El matrimonio de María Braun", "Lili Marleen", entre otras), y Volker Schlöndorff ("El ocaso de un pueblo") . Su carrera internacional le ha llevado a actuar en producciones de : Ettore Scola ("La noche de Varennes" ), Jean Luc Godard ( "Passion" ), Carlos Saura ("Antonieta"), Marco Ferreri ("Storia de Piera"), Margarethe von Trotta ( "Heller Wahn"), Kenneth Branagh ("Volver a morir"), Fernando Trueba ("La niña de tus ojos"), Amos Gitai ("Tierra prometida"), y otros como, Andrzej Wajda, Jaime Humberto Hermosillo y Fatih Akin.

En "Lili Marleen" que ayudó a consolidar popularmente su vasta y exitosa carrera.

La veterana actriz alemana Brigitte Mira ( 1910-2005 ), fue uno de los rostros habituales de Fassbinder, en películas de su autoría como : "Todos nos llamamos Ali" y "El viaje a la felicidad de mamá Kuster", aunque además trabajó para Werner Herzog en "El enigma de Kaspar Hauser". También trabajó para la televisión germana.

En su extraordinario papel en "Todos nos llamamos Ali". En un rol que recuerda a la actriz Giulietta Massina por su equilibrio entre el drama y la ironía.

Barbara Sukowa ( n. 1950 ). También surgió de la troupe de Fassbinder y se reveló en la serie televisiva del autor "Berlin Alexanderplatz" ( 1980). Su gran rol como "Lola" le significó granjearse la atención de directores tan importantes como su coterráneo, y gracias a películas como : "Rosa Luxemburgo", "El Siciliano", "Europa, europa", "M.Butterfly", "El viajero", "Hannah Arendt" y "Johnny Mnemonic".

En "Lola" junto a Mario Ardof.

Una conclusión del recordado comentarista Mariano Silva respecto a la figura del cineasta : "Adalid de los no-privilegiados, desconocido por vastos sectores de la crítica, Fassbinder era lúcido y comprometido para exhibir las contradicciones del hombre y la sociedad regidos por el error." Al tachársele esta visión desencantada, aseguró: "Es mi manera de ver el mundo. Aparte de los que viven en un pequeño rincón de felicidad, se vive en un sistema que no entrega a la gente la posibilidad de comunicarse. Una comunicación real entre las personas sería revolucionaria".

El cine de la innovación desde el clasicismo.

Francis Ford Coppola ( n.1939 ) : Ubiquémonos en la prehistoria del realizador . Un decenio después de haber nacido, el médico le anuncia que jamás volverá a caminar. Los datos fueron recopilados por el crítico Hans Ehrmann : "Pasa casi un en cama, sin la compañía de otros niños por el peligro de contagio que significa la poliomelitis. Tiene televisión y títeres, una proyectora de 16 mm y una grabadora ( bastante primitiva e esa época). Inventa su propia banda sonora . incluyendo la voz de Mickey Mouse, pero nunca logra sincronizar sonido e imagen como quiere. Afortunadamente, tras meses de rehabilitación, Coppola se repone con una casi imperceptible cojera como única huella. El padre de Coppola era flautista y nada menos que de la orquesta de la NBC que dirigía Toscanini; la abandona en 1951 para hacer los arreglos musicales de las famosas Rockettes en el Radio City Music Hall. Francis tampoco es ajeno a la música, pero le atrae un instrumento muy diferente a su padre. Tocar la tuba le vale una beca a la Academia Militar de Nueva York, donde obtiene ingresos bastante respetables escribiendo cartas de amor para otros cadetes a un dólar la página. Sin embargo, le desagrada el énfasis que se pone en los deportes y la forma en que los cadetes mayores abusan de los más nuevos. Al año y medio se arranca para no volver. El próximo paso: estudiar teatro en la Hofstra University ( Long Island). Funciona como maquinista, electricista, constructor de decorados, y poco tarda en dirigir él mismo comenzando con La Cuerda, obra en un acto de Eugene O"Neill. Coppola descubre que el dinero para las producciones teatrales de los alumnos proviene de fondos pagados por ellos mismos para actividades extracurriculares. Logra quitar el control de ese dinero a la facultad y así monta una obra por semana ( dirigida por él, lógicamente). Al año siguiente, la facultad dispone que ningún alumno de teatro pueda dirigir más de una obra por semestre. Simple. Cambia su matrícula al departamento de literatura y sigue tal cual. Eso no le impide interesarse por el cine en las postrimerías de su trayectoria universitaria. En verdad, ya había comenzado desde niño con su proyectora y, en el liceo, acompaña a la matiné a su hermano mayor Augusto, gran especialista en hacer la cimarra. Ahora vende su auto para comprar una cámara en 16 mm, va a los ciclos del Museo de Arte Moderno , descubre a Einsenstein, se convierte en voraz lector de libros sobre la teoría y la práctica cinematográfica y, en 1960, ingresa al Departamento de Cine de la Universidad de California en Los Angeles. Mientras estudia, amigos de su hermano le ofrecen hacer una película en que priman los desnudos. ("Con tal de filmar" se disculpará después ). Un día se sabe que Roger Corman llamó a la escuela pidiendo algún estudiante para editar y doblar un par de películas soviéticas que había comprado. Coppola postula y quedan de llamarlo de vuelta. Será una carrera contra el tiempo, ganada por un pelo. Donde Corman, Coppola puede hacer y hace de todo, se le paga en forma irrisoria, pero tiene la gran oportunidad de aprender su oficio y, eventualmente, hacer Dementia 13 , generalmente considerada su primera película. Mientras filma conoce a Eleanor Neil. Se casan ese mismo año 1963 y siguen casados. Una proeza en cualquier parte del mundo y más aún en el mundo del cine". Así la prehistoria de Coppola concluye, y viene su carrera más destacada donde priman las películas, y mejor aún, las buenas películas, que a continuación detallamos para el blog.

"El valle del arcoiris"/"The Finian"s rainbow" : Nunca bien ponderada comedia musical, con que casi se despidió de su carrera, el notable actor, cantante y bailarín Fred Astaire, acompañado de la colosal Petula Clark. Coppola aceptó la idea después de rodar "Ya eres un hombre" /"You"re a Big Boy Now, "una suerte de americanización de la estética pop de Richard Lester al servicio de una historia de aprendizaje moral". Tomo la iniciativa como un desafío y dejó muy en claro, su buen gusto para transcribir emociones a través de la belleza de sus imágenes, sin menospreciar la incomodidad de filmar en exteriores. Es por cierto, una película de aprendizaje donde Coppola redunda en los valores cromáticos y la dimensionalidad de un universo positivista.

"Dos almas en pugna" /""Llueve sobre mi corazón"/"The rain people" : El primer trabajo personal de Coppola que dirige, escribe y produce, y que está rodado con muy escaso presupuesto. Es una extraña road movie que se sustenta en la figura femenina de la gran actriz Shirley Knight, como una esposa en crisis que huye del hogar buscando algo que le devuelva la seguridad que tenía antes. Es un gran drama desarrollado con todo el estilo del llamado nuevo cine americano que ganó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Necesita una urgente reivindicación en sus valores artísticos y argumentales. Gran película que co estelarizan : James Caan y Robert Duvall. Coppola en esta época, ganó además, el Oscar al Mejor guión con "Patton" que dirigió Franklin J.Schaffner.

"El Padrino"/"The godfather": Él inicio de esta gran trilogía familiar sobre una familia de mafiosos neoyorquina, que tuvo dos secuelas en 1974 y 1991, a un nivel excepcional, basado en el libro de Mario Puzo y que se constituye en una gran crónica sobre el desgarramiento, las coacciones y los miedos de la sociedad norteamericana, en una cinta antológica, considerada entre las mejores que se han efectuado en la historia del cine. La historia de la familia de los Corleone, con un Marlon Brando dominando todas las escenas ( incluso cuando está omnipresente), es también un tratado dinámico, violento y sangriento, sobre el capitalismo en su fase clandestina, reflejo de la corrupción, las sospechas y negociaciones respecto al dominio del poder y las malversaciones humanas. De la misma manera, es un contundente tratado sobre los ritos familiares, pero también cine negro en estado puro con algunas de las escenas más inolvidables gracias a la fotografía de Gordon Willis, en su soporífera manera de manifestar la muerte y la degradación de los valores tradicionales. Ganadora de tres Oscar incluyendo : Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Guión Adaptado. El reparto está encabezado por . Marlon Brando, Al Pacino, Diane Keaton, Robert Duvall, James Caan, John Cazale, Richard S.Castellano, Sterling Hayden, Talia Shire, John Marley, Al Lettieri, y Al Martino. Obra maestra.

La reciente reunión del elenco de "El Padrino" al celebrarse los 45 años de su estreno en Los Angeles. Al centro Coppola rodeado por: Diane Keaton, Robert De Niro, Robert Duvall, James Caan, Al Pacino y Talia Shire.

Robert De Niro y Al Pacino reunidos al recordar el estreno de "El Padrino". ¡ Que notables actores y películas corren por estas venas!

Para el recuerdo de los cinéfilos del mundo : una reunión con todo el, elenco de "El Padrino". Gran conversación reviviendo el rodaje de esta antológica película de Coppola.

"La Conversación" : Influenciada por la paranoia que se desencadenó con el caso Watergate, Coppola narra la historia de un operador de sonido ( Gene Hackman ), que descubre que se va a producir un asesinato, mientras espía a una pareja de amantes. El filme es un profundo estudio sicológico sobre un hombre solitario, extremadamente minucioso, escrupuloso y católico. Es un retrato de la caída en la demencia y la obsesión de un personaje casi kafkiano, con el que se consagra Gene Hackman y que le permite a Coppola obtener la Palma de Oro en Cannes. Notable suspenso con un insospechado desenlace.

"Apocalipsis ahora" : Obra modélica en su conjunción de caracteres épicos, metafóricos y mensajes políticos a propósito de la guerra de Vietnam, inspirada en "El Corazón de las Tinieblas" de Joseph Conrad, y quizás- junto a "El Padrino"-, la película más emblemática de Coppola. Detrás del desafío del realizador de rodar en exteriores con todo lo que ello significó, el filme se beneficia del aporte fotográfico de Vittorio Storaro, la edición de Walter Murch y la música de Carmine Coppola, que incluye canciones tops como de The Doors, entre otros. Es un descenso al infierno que encabeza el capitán Benjamin L.Willard ( Martin Sheen ), en la búsqueda del coronel Walter E.Kurtz ( Marlon Brando ), que se ha erigido como un dictador de un pequeño imperio en la mitad de la selva vietnamita. Se trata de un viaje remarcado por lo accidental y las sorpresas de marca mayor que van surgiendo en el camino fluvial.

Las variaciones tonales de los colores en Apocalipsis Ahora caracterizan toda la obra. Vittorio Storaro ocupó colores terracotas para las escenas pirotécnicas y azules nocturnos para las secuencias de suspenso y travesía río arriba.

Gran trabajo tuvo el montajista Walter Murch que recuerda : "La secuencia inicial de la película con sus largos encadenados y sobreimpresiones, no estaban en el guión original. A Coppola le encantaba la fuerza de un plano captado con teleobjetivo y a cámara lenta que mostraba la jungla en llamas. Eso se convirtió en un golpe de inspiración, en el plano de apertura de la película".

"Apocalipsis Ahora, Redux" ( la versión extendida del director) : Edición completa de la obra original con tres horas y 22 minutos, que confirma los valores estilísticos, narrativos, estéticos y técnicos de la película original. Considera escenas que antes habían sido eliminadas, como la visita del capitán Willard a una hacienda patronal francesa en Camboya, donde Coppola aprovecha una comida frugal para plantear la complejidad ideológica respecto a la invasión de Estados Unidos en este territorio. También incluye otra secuencia, donde los soldados intimidan con unas conejitas de Playboy, que remarca el comportamiento individual y la sicología de sus personajes. Sin F/Xs digitales, y manejando una enorme estructura de producción, Coppola efectúo una mirada acerca de la guerra, que se adelantó a otros enfoques en películas posteriores como : Pelotón, Nacido el 4 de Julio y Entre el cielo y la tierra.

Otra gran virtud de la fotografía de Vittorio Storaro para esta película es que revaloriza el formato Scope, y mediante la contraposición de colores cálidos y fríos, nos somete con certera angustia en el soporífero descenso a los infiernos de la guerra.

El elenco estelar está integrado por : Martin Sheen, Robert Duvall, Frederic Forrest, Marlon Brando, Albert Hall, Sam Bottoms, y Dennis Hopper. Este último actor, desarrolla un papel muy significativo, como un fotógrafo enfebrecido por la paranoia del capitán Kurtz y transformado en su lugarteniente más fiel. En realidad, es un fanático convencido de los demenciales objetivos de un dictador.

Marlon Brando asume su rol con gran domino escénico. Y como en El Padrino, su figura omnipresente está en casi toda la película. Además, su rostro caracterizado por una calvicie total, le permitió jugar con su postura frente a las cámaras en torno a las sombras de sus dominios y encarnizar a un maléfico demente, en plan de fomentar sus fines más personales.

"Golpe al corazón"/"One from the heart" : Grandiosa fábula sobre el amor en pareja. A partir de una historia trivial, "narrada con toda la grandilocuencia de un estilo visual que hace una epopeya de lo que toca", Coppola nos embarca en la vida de una pareja, Hank ( Frederic Forrest ) y Franny ( Teri Garr), que después de cinco años asediados por la rutina en Las Vegas, huyen el uno del otro. Coppola persuadido de la existencia de un universo que sólo puede ser alcanzado a través de las sensaciones, no esconde su voluntad de filmar un relato mental, una parábola onírica. La película está construída sobre el principio del desencuentro, tema que Coppola vigoriza en su puesta en escena brillante, colorida, espectacular.

Los críticos Ascanio Cavallo y Antonio Martínez resaltan que : "Golpe al corazón es en verdad una gran depuración del relato metonímico, dominado completamente, ya no sólo por las relaciones de continuidad de la lógica , sino por la contigüidad absoluta del espacio. Es el sueño de la infidelidad en el mundo contemporáneo, aventuras arrebatadoras, lícitas pero culposas, fascinantes e inmensamente solitarias. Hank es el sueño de Franny y Franny es el sueño de Frank, ambos son la decepción y la frustración recíprocas". La irrealidad de los ambientes con que Coppola adhiere sus imágenes y que está en las canciones de Tom Waits, logran un matiz casi surrealista que superpone la catarsis de una pareja en su soledad o con nuevas parejas hasta su feliz reencuentro. Una gran obra maestra.

"Los marginados"/"Los desalmados" "The outsiders": Abriendo la veta de las películas de rebeldes juveniles que nutrieron su mentalidad cinéfila en otros tiempos, Coppola adapta una novelita de Susan E.Hinton, por solicitud de unos estudiantes universitarios, y logró plasmar un vigoroso drama sobre unos marginales muchachos que sucumben a la violencia, para romantizar la mirada y rendir un homenaje encubierto a todo el cine de Nicholas Ray y al espíritu poético de la épica clásica "Lo que el viento se llevó". Se trata de un retrato sobre la juventud desde los extremos, pero también una modélica película para adolescentes, que tiene la virtud de revelar a algunas de las figuras más importantes del cine posterior como : C.Thomas Howell, Matt Dillon, Tom Cruise, Ralph Macchio, Emilio Estevez, Patrick Swayze, Rob Lowe y Diane Lane. Rodada en Tulsa, Oklahoma, la película no fue bien recibida pese a los esfuerzos de Coppola por mantener su exhibición, y la productora la distribuyó con un nuevo metraje.

Actualmente "Los desalmados" ha sido reivindicada en su justa medida. No sólo posee valores estéticos determinantes ( los íconos juveniles ya admirados desde James Dean ), sino un argumento contundente que radiografía con desgarradora belleza la situación de los adolescentes desarraigados familiarmente y que claman por unas gotas de amor y comprensión. Su temática está muy de actualidad y resulta un placer exhibirla entre estudiantes secundarios y universitarios.

Desde esta plataforma, Coppola nos descubre su tremenda capacidad lírica que ennoblece la mirada que existe hacia la juventud. Momentos cruciales como la muerte de un chico por otro chico frente a una pileta en una plaza de juegos, o las salidas al autocinema del pueblo, no hacen más que trasponer las diferencias perceptibles que hay en la existencia de estos rebeldes con causas.

"La ley de la calle"/"Rumble Fish" : Esta película completa el díptico de Coppola dedicado a la juventud, también sobre una novela de Susan E. Hinton. En una época de crisis financiera de su proyecto personal, la productora Zoetrope, Coppola nos propone un juego surrealista y onírico, con esta historia de amor adolescente y de desarraigados sociales que idolatran los viejos tiempos de pandillas motorizadas. Matt Dillon y Diane Lane es la parejita de enamorados, que zozobra al peso de la rutina y la fatiga sentimental, en medio de duelos entre pandilleros y arranques nocturnos a recorrer la ciudad sobre una moto. Grandioso tratado narrativo sobre el tiempo real y el onírico en la vida de cierta juventud rebelde que no acepta los reglamentos tradicionales y que está convenientemente potenciado por la extraordinaria banda sonora musical innovadora de Stewart Copeland y los magníficos efectos del montaje y de un guión muy logrado.

Matt Dillon y Mickey Rourke como los hermanos marginales de La ley de la calle, asumen su presencia en mundos desconsolados donde el sacrificio de uno de ellos, "no tendrá más destino que alimentar el mito que ya se había creado sobre su enigmática persona". Inolvidable conjunción de sensibilidad artística, innovación estética y estilística, y expresividad audiovisual. Obra maestra.

"Cotton Club" : Las relaciones entre el trompetista de jazz Dixie Dwyer ( Richard Gere ) y la amante de un ganster Vera Cicero ( Diane Lane), ambientadas en la Nueva York de la Era de la prohibición alcohólica, sirven a Coppola para efectuar una maciza reconstrucción histórica que es un cruce entre melodrama y comedia musical. Con espléndidos números artísticos y una nutrida galería de secundarios inolvidables como : el bailarín de tap Gregory Hines o el cameo de Woody Strode - otrora secundario de John Ford y Stanley Kubrick -, Coppola elabora una notable recreación de época, que es también una revisitación del cine de géneros.

Escrita por el novelista William Kennedy y el propio Coppola, tiene un elevadísimo coste de producción, y que a pesar de su éxito, no logra amortizar la inversión de Robert Evans y de la compañía , en lo que fue otro grave obstáculo en la supervivencia de la Zoetrope. Quedan para el registro, las excelentes actuaciones de Richard Gere ejecutando realmente la trompeta y Diane Lane luciendo sensual y erótica, más el frenético ritmo de entremezclar lo musical con lo delictivo. También aparecen en el reparto : Lonette McKee, Bob Hoskins, James Remar, Nicolas Cage y Allen Garfield.

"Peggy Sue, su pasado le espera"/"Peggy Sue got married" : La tesis de esta nostálgica y romántica película, es que la vuelta al pasado de Peggy, no resuelve nada de los problemas que la afectan en el presente. Ella ( Kathleen Turner ) es una típica norteamericana sonrosada , rubia y de pocas luces, que al borde sus cuarenta años se encuentra en una crisis matrimonial al borde del divorcio de Charlie ( Nicolas Cage, sobrino de Coppola), un estereotipado animador de televisión. A partir de una fiesta de curso en que se reencuentra con sus antiguos compañeros, y donde acude vestida a la usanza de la época ( de hecho su nombre proviene de una canción de los Evely Brothers), Peggy Sue se ve transportada al pasado de sus dieciocho años. El motivo de su reencuentro con su familia, sus abuelos, su casa, su colegio, su ciudad, le permite desentrañar sus propias faltas y temores, sus ansiedades y sueños. Coppola efectúa una mirada crítica a la Norteamérica de los años sesenta y su desatado romanticismo se afirma en los elementos culturales más característicos de su tiempo.

Pese a cierto esquematismo y aires revival, la película está conformada por imágenes cargadas de ideología donde hace un contundente ejercicio de estilo para rememorar los viejos tiempos, y de paso, homenajear el cine meloso de esos años. Una obra maestra que sin duda, merece repasarse en la comodidad del video hogareño. Agregen una extraordinaria partitura musical y una colorida fotografía de Jordan Cronenweth, que rescata la riqueza colorística del Technicolor.

"Jardines de piedra" /"Gardens of the stone": Un largo racconto a propósito de un funeral militar en Arlington, le sirven de pretexto a Coppola para elaborar uno de sus temas favoritos, relativos al aprendizaje y a la relación filial y sus choques con la devoción castrense. Es una película madura, intimista, emotiva, pese a su sesgo belicista, donde queda manifiesta la relación recluta- instructor destinada a ser valientes hombres a los tímidos novatos que ingresan en el ejército. A diferencia de "Apocalipsis ahora" que no recibió colaboración alguna del mundo militar, en esta producción, sí contó con todo el apoyo logístico para la creación de su obra. Una obra muy bien realizada, que "prodiga su talento en conseguir del espectador su cuota de piedad por los soldados norteamericanos caídos en Vietnam".

"Tucker, el hombre y su sueño" /"Tucker : The man and his dream" : El paralelismo entre el idealista Preston Tucker ( Jeff Bridges ) y el propio Coppola es evidente. Los dos con ambiciosos proyectos por desarrollar, pero que en su trayecto, sufren los embates de sus colosales ambiciones. "Su identificación con la figura de este aventurero e innovador no es sólo de orden emocional. De hecho el cineasta detecta en la epopeya protagonizada por su héroe en la industria automotriz de los años cuarenta la línea de continuidad de una inventiva empresarial y de una tradición aventurera que está en la génesis del empuje y del desarrollo norteamericano".

La película entusiasma, porque Coppola se esmeró en hacerla muy entretenida, muy vistosa visualmente hablando, y a la medida de su cariño hacia la figura del inventor protagonista. Es una película emocionalmente inspiradora, que sugiere su respeto por los innovadores que se atreven a romperla en un mundo oxigenado, optimista pero conformista. Una auténtica delicia para espíritus creativos.

"Drácula" : Adaptación de la novela de Bram Stoker, que rescata el lado trágico y romántico del personaje mítico mediante una elaboradísima puesta en escena. Su mirada es embrujadora a partir del supuesto interior que encierra la temática vampírica. El sexo como fuerza liberadora de un alma en pena condenada por su egolatría, por su renuncia a la Fé, después de un Amor frustrado por un maldito accidente, está matizado por escenas siempre envolventes, llenas de atmósferas sugerentes y casi pesadillescas. Contribuyen a llevar por buen cauce la historia, una extraordinaria edición que remite algunos efectos de los clásicos del terror, sus magnéticos decorados, su onírica puesta en escena y sus originales diseños de vestuario. Eso, sin contar sus adecuados efectos visuales y unas actuaciones modélicas partiendo por Gary Oldman, Winona Ryder y Anthony Hopkins.

Coppola rescató para Drácula viejos recursos narrativos como el uso del iris y las sobreimpresiones , para revalorizar la profundidad de campo y matizar la idea básica del texto original, logrando efectos realmente sobrecogedores, como la transmutación del vampiro y el intento de violación de la amiga de la protagonista. La fuerte escena final contiene toda la fuerza poética de la tragedia del libro, y a su vez, revela la mano de Coppola en la emocionalidad de sus personajes.

Grandes decorados y un trabajo de diseño de producción impecable, aseguran el triunfo de esta nueva versión a un clásico del terror gótico. Sin duda, es una de las mejores versiones que se ha hecho sobre el original de Stoker. Muy recomendable.

Tampoco debemos olvidar los efectos de maquillaje que permitieron avejentar al actor Gary Oldman hasta grados irreconocible. Notable trabajo.

"Jack" : La primera película para niños de Coppola, es más bien, una visión a la inversa, del fenómeno de un hombre treintón ( Robin Williams ) con la mentalidad de un niño de once años. Especie de fábula sobre el complejo de Peter Pan, más enraizado en la comedia familiar de media tarde, sin ser, una obra excepcional, guarda un espacio para sinceridad en las relaciones entre el mundo adulto e infantil ( que se han perdido con el consumismo ), y ejecuta una brillante moraleja sobre la integración y la tolerancia.

El curso de niños que acompañaron a Robin Williams en esta aventura, donde Coppola vuelve sobre los temas del espacio y el tiempo, la edad y sus implicancias futuras.

Es una película que habla sobre la discriminación en el mundo infantil, pero también sobre la tolerancia y la amistad. Una lección vital para ver en familia.

"El poder de la justicia"/"The Rainmaker" : Ambientada en Memphis, Coppola escudriña en el submundo de la corrupción y los meandros judiciales, con una considerable maestría para narrar y descubrirnos una realidad, que puede estar a la vuelta de la esquina. Rudy Bailor ( Matt Damon ) es un estudiante del tercer año de Derecho y está a punto de hacer su examen de grado. El colocarse a practicar en un bufete de mala muerte, al mando de Prince (Mickey Rourke ), un corrupto abogado, amigo de un mafioso apodado "El Pegador", le permitirá familiarizarse y hacerse amigo de un muchacho con leucemia, cuya familia interpone una querella por diez millones de dólares, al negársele el pago de un seguro con el cual podría hospitalizarse. También establece una relación amorosa con la esposa golpeada ( Claire Danes ) de un marido energúmeno y violento, y además, terminará arrendando un cuarto a una simpática anciana ( la inolvidable Teresa Wright ), cuyos hijos intentarán adularla para sacar partido de su testamento.

Basado en la novela de John Grisham, Coppola nos revela desde la experiencia social de Baylor en su comunidad, los distintos vericuetos que se esconden en el manejo del poder judicial, a partir de los propios excesos de los abogados y de las triquiñuelas que se utilizan para dejar caer el poder de la justicia. Como en sus obras más logradas, Coppola arma su historia con un puñado de personajes bien construidos, desde los cuales, se personifican los distintos conflictos internos y sus repercusiones dramáticas. Es una película ácida, crítica y reflexiva, que nos obliga a aceptar que estamos en un mundo lleno de intereses personales y ambigüedades humanas. Una gran obra para ver más de una vez y comentarla entre los amigos y familiares. Completan el elenco : Jon Voight, Virginia Madsen, Mary Kay Place, Dean Stockwell, Danny De Vito y Danny Glover. Notable.

"Youth without Youth" : Un cuento fantástico acerca de un hombre golpeado por un rayo que comienza a retroceder en su evolución genética. Tiene la virtud de dimensionar el encuentro de sus amores en un tiempo determinado por las elipsis y los flash backs, tras una complejidad aparente, que Coppola maneja con gran virtuosismo. Sin ser una película del todo lograda, quizás demasiado estéril en sus supuestos científicos, se concentra en el personaje central que busca su identidad perdida a través del tiempo y del espacio.

La novela de Mircea Eliade, le sirvió a Coppola para volver sobre una temática recurrente en sus películas : el regreso al pasado para arreglar situaciones del presente y ajustar los vaivenes - como en este caso- de la existencia para recuperar la memoria perdida. La fotografía de Mihai Malaimare Jr., la música de Osvaldo Golijov y la edición de Walter Murch contribuyen a que la historia no sea del todo forzosa y esquemática.

El elenco de actores lo integran : Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz y André Hennicke.

Una secuencia clave con Tim Roth, de la película de Coppola.

"Tetro" : Reflexiva parábola romántica rodada en Argentina, acerca de dos hermanos y una mujer que comparten un departamento en Buenos Aires. Especie de trilogía afectiva producida con escasos recursos, donde Coppola demuestra su gran oficio para pulir a través de un guión inteligente a sus personajes.

La película rodada en expresivo blanco y negro, está interpretada por : Vincent Gallo, Alden Ehrenreinch y Maribel Verdú.

Otra secuencia de la película basada en un guión de Mauricio Kartun y Francis Ford Coppola.

"Twixt" : Un escritor de novelas de terror está concentrado en resolver el crimen de una joven con la ayuda de su espíritu. Una fantasía que no calza del todo, y aunque tiene un ritmo que no decae, termina por empantanarse en algunos lugares comunes. Eso pese a las actuaciones siempre meritorias de : Val Kilmer, Bruce Dern y Elle Fanning.

Coppola en escena dirigiendo a la bellísima y talentosa Elle Fanning. Recuerda que su hija Sofía Coppola también trabajo con Elle y Val en la melancólica radiografía al mundo de una estrella en Hollywood en "Somewhere".

Finalmente , Coppola junto a la compañera de toda su vida : una cámara de cine.

Fotos -Gentileza : Universal Pictures- Warner Bros. Pictures- Paramount Pictures - Metro Goldwyn Mayer - Columbia Pictures- Cinemateca Polaca- Rainer Werner Fassbinder Legacy- Laura Film -Tango Film- Cinemateca Nacional.-