Séptimo 7 sello: El Cine de las Nostalgias Infantiles :

Todo Tiempo Pasado fue Mejor.

"La Gloria de mi padre" se construye sobre los recuerdos entrañables del cineasta Marcel Pagnol sobre su familia, y resume las constantes del cine nostálgico de mirada infantil.

Si el Cine tiene la capacidad acertiva de rememorar un pasado, con la mirada romántica del escritor autobiográfico, también es un canal idóneo para reconocer otros tiempos, con la estética de quien idealiza sus recuerdos de la infancia o adolescencia.
La nostalgia ha sido una de las constantes temáticas del cine en general, que reflota sobretodo en períodos de complejidad social, económica o política.
Este interés por el pasado, ha adoptado diversas formas en la pantalla.
Pero en realidad ¿ Qué quiere decir la nostalgia en el cine ?
Etimológicamente "nostalgia" deriva de las palabras griegas : "nostos" ( hogar ) y "algos" ( dolor) y significa, tanto el dolor por la pérdida del hogar, como el deseo de volver a él.
Referida al tiempo, expresa el anhelo de volver al pasado , la idea de que "todo tiempo pasado fue mejor".
Sin embargo, no todos los filmes ambientados en el ayer son necesariamente nostálgicos, y de una u otra forma, tampoco las obras "históricas" son fundamentalmente el "anhelo" idealizado de los viejos recuerdos que no mueren jamás.
Lo que pasa, es que existen numerosos directores que, cuando asumen su "perspectiva" de una época, tienden a mirarla con ojos afectuosos, incluyendo aquellos que integran la crítica reflexiva " en películas que, pretenden denunciar o condenar determinados aspectos negativos y que terminan sometidos a su influencia".
En el cine infantil, es una constante temática desde que, el propio Charles Chaplin impregnara de acento autobiográfico su obra "El Pibe"/"El Chico" ( "The Kid", 1921 ), añadiéndole un "aire dickensiano" a las atmósferas no desprovistas de candorosa humanidad.

En el Cine Francés.

"Juegos Prohibidos" dimensiona con emoción y lirismo el flagelo de la guerra, desde la candidez de los niños abandonados a su destino.

Clave resultan en la película, las actuaciones de los prodigios franceses Briggite Fosey y George Poujouly.

El film dirigido por René Clément, ganó el León de Oro en la Mostra de Venecia.

En el cine europeo, la nostalgia infantil también parece ser una norma vigente, aún en tiempos de avance comunicacional, y aunque en la mayoría de los casos, prima la autocrítica social, se superponen con equilibrio, cuestiones relativas a "otras épocas" contadas desde el corazón.
En el cine francés, desde "Los 400 Golpes" ( "Les Quatre cents coups", 1959) de Francois Truffaut, se abrió una veta fructífera de rememoranzas infantiles, aunque en el país se venían haciendo películas de sínodo dramático desde la Gran Guerra, y después, cuando concluyó la Segunda Guerra Mundial.
"Juegos Prohibidos" ( "Jeux Interdits", 1952 ) de René Clément, es un clásico que mantiene inalterable su dura crítica sobre la guerra, desde la perspetiva infantil de dos criaturas : la huérfana de un bombardeo ( Briggite Fosey ) y el chico campesino ( Georges Poujouly ), que la cuidará como si fuera su "hermanita".
La cinta mantiene inalterable su capacidad de emocionar, con golpes duros y realistas ( el bombardeo de los nazis desde el aire; el entierro de los animales en un improvisado cementerio armado con cruces robadas; la soledad de la niña en medio de la debacle ), y adquiere un matiz documental, por el ilustrativo paso de la orfandad de una chiquilla abandonada a su suerte, a la tuición insegura de anónimos padres que nunca conoceremos.
Ganadora del León de Oro de la Mostra de Venecia, se beneficia de la notable dirección de Clément , que mantiene atmósferas de un realismo rural escrutador, visceral, elocuente y marginal; y la magnífica música en guitarra de Narciso Yepes, que dimensiona la tragedia de la soledad, con particular sentido acústico.
Aporte significativo resulta la fotografía de Robert Juillard, porque asume los tonos dramáticos del relato, con una estética expresionista que bebe del matiz documental y del relato costumbrista vivencial.
Los niños Brigitte Fosey y Georges Pujouly están estupendos, no sólo porque se produce una "química" entre ambos difícil de olvidar, sino porque se integran con naturalidad a las diversas fases de un proceso de amistad transitoria.
Un clásico por revivir en la comodidad del DVD hogareño.

Entrañables vacaciones en el campo.

La cinta "La Gloria de mi padre" reconstruye la infancia del realizador Marcel Pagnol con grandes recursos estético- narrativos.

"La Gloria de mi padre" ( "La Glorie de mon pére", 1990 ) y "El miedo de mi madre" ( "Le Chateau de ma memé", 1990), es el díptico producido por los estudios Gaumont con la dirección del eximio Yves Robert, que reconstruye la infancia del realizador Marcel Pagnol ( 1895-1974).
Nostálgica comedia de costumbres, desarrollada entre Marsella y la Provenza, hurga con detenida emoción en los textos autobiográficos del célebre director de "Topaze"(1933), "Angéle" ( 1934 ) y "César" ( 1936), que obtuvieron el reconocimiento del público más amplio en su época.
"Su confesado desprecio hacia las técnicas específicamente cinematográficas, le valió durante un tiempo la hostilidad de la crítica; paradójicamente fue rehabilitado como cineasta digno de tenerse en cuenta, por los neorrealistas italianos y la "nouvelle vague" francesa".
"La Gloria de mi Padre" ( 1990 ) es una cinta perfecta, equilibrada, emocional, bella, divertida, agradable, sensible, menospreciada por su excesivo literalismo ( la voz en "off" de Jean-Pierre Darras, es un tercer protagonista que insistentemente remarca las acciones ), y llena de nostálgicas añoranzas por la vida cotidiana del 1.900. El filme se centraliza en la vida de Joseph ( Philippe Caubére ), el padre de Pagnol, un profesor rural, agnóstico, con tres niños, que después deberá ejercer en un prestigioso colegio de Marsella, adaptándose a los cambios con marcada inseguridad y latente incertidumbre.
Toda la historia, la conocemos a través del pequeño Marcel ( el expresivo niño actor Julien Ciamaca ), en sus relaciones paterno- filiales, sus compostelas lúdicas, sus desaforados encuentros con la estrictez educativa, su amor infinito a mamá, su admiración cercana a papá, sus constantes incursiones en el mundo rural, cuando se desplaza de vacaciones y se hace amigo entrañable del pequeño pastorcillo del pueblo, entre viñetas de la vida estival, la solariega e inolvidable nostalgia por aquellos tiempos, que marcaron para siempre la existencia del cineasta.
Aporte sensible es la partitura musical de Vladimir Cosma, una "soundtrack" magnífica en sus resoluciones intuitivas, relativas a los mágicos momentos del muchacho en la caza; o en la dimensión del recuerdo familiar plagado de pequeñas anécdotas gratas y esencialmente divertidas.
No se olvidan momentos especialmente sensibles al recuerdo infantil como : la creencia de que tener bebés es simplemente desabrocharse el ombligo; las cigarras en los bolsillos durante la cena campestre; la persecución tras los cazadores furtivos; la mitología de la lechuza; la desnudez tras la tormenta sorpresiva y la cena exquisita de las aves de presa.

El mito de la lechuza salvaje durante la travesía del pequeño Marcel.

Un gran despliegue de elementos para recrear el 1.900 en Marsella, caracterizan la obra de Yves Robert.

La familia de Marcel según la magia del cine francés.

Las incursiones del padre de Marcel ( Philippe Caúbere ) en la caza, adquieren un esfuerzo cómplice con el hijo por lograr las mejores presas del paseo.

El talentoso Julien Ciamaca, interpreta al pequeño Marcel en las vacaciones inolvidables de su vida.

La comida en el atardecer disfrutando del descanso palaciego.

El retrato costumbrista incluye prácticas deportivas, que son parte del patrimonio cultural del país.

"Le Chateau de ma mére" : insiste en la figura maternal con todos sus traumas y fortalezas.

Personajes secundarios singulares, integran las aventuras familiares por los campos veraniegos.

El recordado realizador Yves Robert, durante el rodaje de su interesante díptico de nostalgias infantiles.

El trofeo de caza en manos de Marcel y la gloria de su padre en medio de los acantilados montañosos.

Los lazos afectivos eternos, que se recuerdan con candorosa emoción en las dos películas.

Si "La Gloria de mi padre" ( 1990 ), es una producción fundamentalmente cuidadosa en su reconstrucción de época, con cierta tendencia al preciosismo fotográfico, muy bien narrada e interpretada por un elenco que encabezan : Philippe Caubére , Nathalie Roussel, Didier Pain, Theresé Liotard y los niños Julien Ciamaca y Victorien Delamare, su continuación inmediata "Le Chateau de ma meré"( 1990), no llega a los niveles de exactitud de su original, quizás porque parte de la premisa, está en atender un soliloquio algo endeble, relativo a los paseos al campo y concentra su atención en secundarios lineales, como la niña malcriada de un artista fugaz o los guardias de los porticos de las propiedades privadas, que circulan cerca de un canal de regadío donde transcurre la acción.
Ya no está el niño Marcel y su amigo preocupado de los cambios climáticos, o los secundarios interesantes que conforman parte del pueblo : Francois y sus peroratas acerca del juego de bolos; el señor Cura y sus aplicados encuadres tras la cámara fotográfica; el viejo amo de las mariposas que vaga de campo en campo, cazando pajarillos para subsistir, etc.
Todo se remite a una mirada más directa a la sensibilidad de su madre, que no logra empatizar del todo con el ambiente que le rodea, aunque igual emociona, por el destino que tomó cada uno de los personajes en la vida posterior.
Este interesante díptico que reconstruye la infancia del cineasta Marcel Pagnol, cuenta con la dirección del dotado Yves Robert ( 1920-2002 ), que ganó el "Grand Prix" Jean Vigo con su obra maestra infantil "La Guerra de los Botones" ( de la que ya hablamos en anteriores entradas ).
Se trata de un realizador talentoso que en sus mejores momentos, obtuvo el Oso de Oro en Berlín por "Le Grand Blond", y el César al Mejor Filme por "Nous Irons touts Au Paradis" en 1977.

Lili y Marcel : la amistad que nunca se olvida.

"Hay momentos de alegrías, ensombrecidos por tristezas inolvidables.
Eso no hay que contárselo a los niños".
( De la película "Le Chateau de ma meré" ).

En el cine nórdico.

Los recuerdos infantiles del cineasta Ingmar Bergman adaptados a la pantalla por su hijo Daniel con gran virtuosismo y exquisita estética.

El pequeño Henrik Linnros en brazos de su padre cinematográfico Thommy Berggren.

Seguramente "Niños del Domingo" ( "Söndagsbarn", 1992) de Daniel Bergman, asume el matiz autobiográfico directo de los recuerdos agridulces del maestro del cine sueco Ingmar Bergman.
Lo cierto es que, esta pequeña obra maestra, alcanza su exégesis en la mirada caprichosa con que disecciona ese verano en Norrland del pequeño Pu ( Ingmar ) con su atribulado padre ( Thommy Berggren ), un pastor protestante estricto, de un carácter complejo, frustrado en sus relaciones maritales, y absolutamente volcado a su profesión, a costa de impregnar de miedo una familia, y perpetrar relaciones violentas con sus retoños, y una distancia autodestructiva.
La cinta está desarrollada con la exquisitez plástica de esas pequeñas obras de cámara, que aprovechan equilibradamente sus economías en razón de sus recursos expresivos.
Nada de lo que se cuenta, se teje en razón de una verdad a medias. Más áun, pareciera que Bergman a cada momento está expurgando sus propios miedos y ansiedades, con la mirada del hijo cómplice que le dirige su propio guión. De ahí sus resultados nostálgicos, teñidos de angustia, de frustraciones equiparables al engaño matrimonial en la adultez.
La merienda de la campesina a la que el pequeño Pu desea probar sus pechos como lo hace uno de sus hijos; la diarrea neurótica del niño contenida por la furia y las constantes peleas con su hermano mayor; el choque personal con la religión producto de la excesiva dedicación de un padre que nunca adultera sus propios desaciertos conyugales con las prácticas verbales de los libros sagrados; y el insistente tufillo a hipocresía adulta que el niño protagonista "siente" y "menosprecia" con el sigilo del testigo preferencial, que observa desde las penumbras de los rincones de su casa, cómo se derrumba el amor y la confianza de su propia familia; son momentos sublimes que Daniel Bergman remarca con la pasión del narrador contenido.
Una mención especial merecen las actuaciones del elenco adulto, pero los niños son parte motora del drama y logran transmitir toda la ansiedad de los momentos más difíciles.
Sobresale el pequeño Henrik Linnros ( nacido en 1982 ), que debutó en el cine con esta magnífica película, para mantenerse en la profesión hasta el 2003.
Su carisma no sólo es escrutador para revelarnos las frustraciones de la infancia que doblegan el camino a la vida adulta, sino tremendamente impulsivo.
Sabe contenerse, pero también demostrar todo el terror que crece en su alma , a propósito de viejas leyendas rurales, castigos paternales e inquietudes dogmáticas. Sin duda, el pequeño Pu es Ingmar Bergman, en una película que sirve para confirmarnos, los verdaderos orígenes de los temas culposos, que caracterizaron la obra del célebre maestro del cine sueco.

En el cine español.

Las relaciones familiares trastocadas por la pasión de dos hermanastros que viven enamorados. Aquí el niño actor Perú Medem.

Ana ama a Otto porque le recuerda a su desaparecido padre.

El gélido paisaje nórdico juega un rol fundamental en la ambientación del conflicto dramático.

La unión familiar escaldada por la pasión adolescente.

La magnífica actriz Najwra Nimri esperando el encuentro providencial con su eterno enamorado.

Alabada por su notable capacidad expresiva, la cinta española "Los Amantes del Círculo Polar" ( 1998 ) de Julio Medem, resulta ser una experiencia, en verdad, novedosa, significativa y afortunada.
Por distintas razones, me ha tocado disfrutarla numerosas veces, ya que la tengo en DVD y es una de mis películas favoritas en lengua española.
Relato narrado de forma completamente original, nos obliga a entender el tema del destino como un golpe escrutador de belleza, soledad y pasión.
A partir del encuentro entre Ana y Otto, desde la infancia hasta la madurez, dos hermanastros que han estado toda la vida enamorados, el director explora por los límites de significación que tienen las fronteras del cariño.
Ella lo ama a él, porque cree ver en aquél , la encarnación de su fallecido padre.
El la ama a ella, porque cree ver la encarnación del amor ausente ( una mezcla extraña entre maternalismo desheredado, fobia a la soledad y desasosiego espiritual ).
Con un notable uso de los recursos expresivos audiovisuales ( intertítulos que van y vienen por las vidas de Otto y Anna ; excelente uso de las elipsis, subrayado uso de cámara subjetiva, sugerente atmósfera invernal con un estético trabajo de ambientes y atmósferas naturales ), y una magnífica labor interpretativa, desde los adultos Fele Martínez, Najwra Nimri y Nacho Novo, a los niños protagonistas, esta maravillosa película se circunscribe en las antípodas del amor idealizado, para acercarnos a un mundo donde las distancias y el misterio del encuentro, sólo pueden ser atribuíbles a la casualidad del destino, manejado por los pálpitos del corazón.
Se trata de una película de una complejísima estructura narrativa, llevada a buen puerto por Medem, que acentúa el valor de la predestinación dentro de una búsqueda constante por mantener el equilibrio espiritual de sus personajes.

En el cine hindú.

"Pather Panchali" / "El lamento del sendero" : el punto de arranque de una trilogía que hizo conocido al cine indio en todo el mundo.

Imágenes costumbristas que revelaron el estilo neorrealista del director Satyajit Ray.

Ray y Sibatra Mitra en el rodaje de "Pather Panchali".

Un travelling construído para rodar la célebre película inicial.

"Aparajito" : la segunda parte con la infancia de Apu y la separación de su madre.

Epica del cine hindú : la "Trilogía de Apu" que conforman : "El lamento del sendero" ( "Pather Panchali", 1952-55); "El Invencible" ( "Aparajito", 1956) y "El Mundo de Apu" ( "Apur Sansar", 1958) , debieran ser películas emblemáticas de colegios y universidades, pues nos permite acercarnos a la realidad de una cultura lejana, y además, nos permiten valorizar las primeras obras cinematográficas indias que abrieron sus puertas a Occidente.
"El mérito se debió a Satyajit Ray , intelectual de Calcuta, nieto de un escritor y periodista e hijo de un artista prestigioso, y producto directo del llamado "renacimiento bengalí", que recuperó para esa región de la India, con Rabindranath Tagore en el centro, el liderazgo intelectual y artístico de otras eras".
"Pather Panchali" ( 1955) es el punto de inicio de la trilogía, inicialmente desarrollada en un pueblito de Bengala hacia 1910, y que conocemos a través de la mirada del pequeño Apu Sansar ( Subir Bannerjee ), que malvive con su familia debido a la falta de dinero, la súbita muerte de su abuela y el ataque de los monzones.
La película está recorrida por una infinita poesía, que se traduce en momentos increíbles como : el paseo de Durga, la hermana de Apú por los campos de biscantus ( una planta conocida por estos lares comúnmente como"colas de zorro" ), para observar como el tren atraviesa por la floresta.
Todas las anécdotas están impregnadas de un soplo vital, que pueden ser divertidas ( el vendedor de dulces ) o dramáticas ( la súbita muerte de Durga por una pulmonía producto de una accidental mojada ).
Además, toda la experiencia del traslado familiar a Benarés, está dimensionada por el director desde la óptica religiosa, lo que le da un matiz emotivo adicional.
Ray inició su "odisea por el cine" con una cámara de 16 mm y un presupuesto inicial de 710 libras.
El niño actor, Subir Bannerjee fue descubierto por la esposa del director jugando al lado de su casa, después de efectuar fatigosos "casting" por colegios y sitios recreacionales.
En el elenco, sólo había dos actores profesionales : Revi Debi que desempeñó el rol de un rico vecino que mastica nueces y la veterana Chunibala Devi, de 80 años.
La cinta ganó el Festival de Cannes y puso en la mirada internacional al desconocido cine hindú, a la sazón, el país que produce más cine en todo el mundo. Alrededor de 800 largometrajes al año.
"Aparajito" ( 1956) que gira en torno a la separación maternal de Apú, ganó el Festival de Venecia en 1957, y mantiene el excelente nivel en los diálogos, la estupenda labor fotográfica de Subatra Mitra - el cameraman de Ray- y la originalidad en su propuesta estilística.
En "El Mundo de Apu" ( 1958) donde el protagonista se transforma en un padre con un hijo difícil, Ray se la juega a fondo con el lirismo de sus imágenes.
"Una cámara que parece querer la invisibilidad - como en el neorrealismo- registra, con perfecto y mágico sentido del tiempo y del espacio, los sentimientos que embargan a Apu, la cosmológica soledad que lo invade, la silenciosa rebeldía frente al inmutable ciclo de la desolación".
El filme obtuvo el "Sutherland Trophy Award" en el Festival de Londres de 1960.
Definitivamente, gracias a estas películas, el cine indio fue conocido en todo el mundo. Una instancia valedera para redescubrirlas en DVD.

En el cine latinoamericano.

"Machuca" : la rememoranza del pasado relativo al golpe militar y sus consecuencias sociales, desde la perspectiva infantil de una relación fracturada por las circunstancias y las diferencias de clase.

"El Faro del Sur" explorando por las relaciones de dos hermanas inseparables.

Desde la cinta chilena "Machuca" ( 2000) de Andrés Wood hasta la película argentina "El Faro del Sur" ( 1998 ), el cine de nuestro continente también ha abordado a su modo, la temática de las añoranzas o recuerdos del pasado con nostalgia infantil, pero también un áspero, y a veces, amargo sentido crítico muy vinculado a los tiempos de persecución política, control interno de la información y despropósitos ideológicos, que gatillaron divisiones y prohibiciones totalitarias.
"Machuca" ( 2000 ) en su perspectiva, reconstruye la etapa más beligerante de la historia nacional antes, durante y después del golpe militar, desde la mirada de un niño preadolescente ( Matías Quer ), que debe compartir su sala y sus experiencias vitales, con un chico de una población marginal ( Ariel Mateluna ), a propósito de un experimento de reinserción social que están llevando a cabo los sacerdotes de su colegio de barrio acomodado.
Armada con los retazos y viñetas de los momentos más característicos de la vida de este escolar, retoma la nostalgia de una época, ayudado de una serie de detalles en su puesta en escena, que recomponen un momento en la historia del país. Desde las consignas políticas rayadas en las murallas, hasta las portadas de diarios y revistas de su tiempo, las transmisiones radiales y televisivas, la música y la moda, las fiestas y los cánticos en las marchas, todo le sirve a Wood para graficar los aspectos más característicos de un momento histórico.
"El Faro del Sur" ( 1998 ) por su parte, es una crónica realista narrada por "Memé"/ Carmela ( Ingrid Rubio ), una minusválida argentina que vivió mucho tiempo en España y que, al retornar a su tierra, choca con su hermanita menor Aneta ( de niña, la estupenda Jimena Barón; de adulta, la sensual Florencia Bertotti ), en el automóvil conducido por su madre, quien muere en el accidente con su hermano pequeño.
Ambas hermanas vivirán en el transcurso de siete años, toda una reconversión vital en una búsqueda constante del amor filial, remarcadas por inseguridades emocionales, rupturas manifiestas y un cariño infranqueable a prueba de golpes.
El director argentino Eduardo Mignona elaboró este elocuente drama humano con el detallismo de un taxidermista, que disecciona su presa con la fineza del bisturí, para reverlarnos la fragilidad con que están hechas las emociones de la vida.
Rodada en Uruguay en las locaciones de Santa Lucía, Colonia, Montevideo y José Ignacio, y en Buenos Aires, la película se sigue con mucho interés por la maravillosa forma de describir los personajes.
Estupendamente interpretados, se apoyan en las magníficas actuaciones secundarias de : Norma Aleandro, Norberto Díaz, Ricardo Baron , Mariano Martínez, Roberto Vallejos e Ina Casares.
Como el mejor cine intimista europeo, "El Faro del Sur" desnuda el alma de sus personajes, en razón de una cámara siempre atenta a los detalles físicos ( gestos, miradas cómplices, movimientos corporales, paisajes bucólicos ) logrando una acertiva compenetración sicológica y una suerte de emocionalidad, que hace de Carmela, Aneta y sus amigos, entrañables componentes de la vida humana.
"Machuca" y "El Faro del Sur", son dos de los mejores ejemplos, que ha dado nuestro cine, respecto al tema de las nostalgias infantiles.
Como muchas otras cinematografías, existen innumerables ejemplos al azar, que elevan la discusión respecto al estilo de abordar el pasado.
Sin embargo, en esta ocasión, nos hemos concentrado en algunos ejemplos más peyorativos que, seguramente, te incentivaran a revisitarlos en la comodidad de tu equipo de DVD hogareño.

Glosario de Películas Infantiles.

En esta ocasión, nos concentramos en seleccionar nuevos títulos para completar la videoteca de la casa. Ojo, incluímos películas para adultos protagonizadas por niños, y numerosas obras de tono familiar "para todo espectador", como una manera de ampliar la mirada que se tiene respecto a la temática infantil y adolescente que nos preocupa. Bonne apetite !!!!!


"El Campeón" ( "The Champ", 1931 ) de King Vidor : Todavía sigue siendo una película entrañable, pese a la rapidez con que fue rodada, al uso indiscriminado de extras y al apego algo folletinesco del drama lagrimógeno. Wallace Beery está impagable como el boxeador retirado, que vuelve al ring por amor a su pequeño hijo, un monísimo Jackie Cooper. Ambos logran una "química" que los volvió a reunir en otras producciones de la MGM, llegando al cenit con la versión del clásico literario de Robert L.Stevenson, "La Isla del Tesoro".

"Capitanes Intrépidos"( "Captains Courageous", 1937 ) de Victor Fleming : Aunque se trata de una de las novelas menos populares de Rudyard Kipling, sirvió de base a esta estupenda película, que habla del crecimiento interior que tiene un niño de diez años ( Freddie Bartholomew ), malcriado en las vetustas comodidades de la vida moderna, y que después de beberse seis gaseosas con helado, cae por la proa de un barco para ser rescatado por unos pescadores. Las faenas en alta mar, su amistad entrañable con un portugués ( Spencer Tracy ) y las distintas aventuras que sostendrá en la temporada de la pesca del bacalao, construyen una de las obras maestras del cine infantil. Una producción de valores profundos, muy lograda e inolvidable.

"La Pequeña Princesa" ( "The Little Princess", 1939) de Walter Lang : Recluída en un internado femenino, la pequeña Sara ( Shirley Temple ) hace lo indecible por sobrevivir, pese a la desaparición prematura de su padre, un oficial del ejército que le costeaba sus estudios. Obligada a trabajar para permanecer en el recinto, se hará amiga de una muchacha, con quien planeará la forma de escapar para ubicar a su progenitor a quien cree herido en un hospital. Un relato dramático endulzado para mayor gloria de la inigualable Shirley Temple, a estas alturas de su carrera, la niña prodigio de Hollywood. Fundamentalmente divertida, emotiva y con una cuidadosa recreación de época, que guarda alguna semejanza con "Oliver Twist" de Charles Dickens.

"Kim de la India" ( "Kim", 1950) de Victor Saville : la adaptación del clásico literario de Rudyard Kipling es trasladada al cine con gran presupuesto, está rodada en escenarios naturales y cuenta con un elenco estelar que encabezan : Errol Flynn, el niño Dean Stockwell, Paul Lukas y Thomas Gomez. La historia ambientada en 1880, cuenta las correrías de un muchacho que se hace pasar por hindú, en medio de la guerra que sostienen rebeldes locales y el ejército británico. Hay suculentas escenas de acción y suspenso, divertidas hazañas y una inolvidable factura en technicolor que se agradece.

"El limpiabotas" ( "Sciusciá", 1946) de Vittorio De Sica : la historia de dos amigos marginales ( Franco Interlenghi y Rinardo Smordoni ), que son detenidos y encarcelados, le sirven al guionista Cesare Zavattini y al director De Sica para efectuar una crónica de denuncia sobre la realidad encubierta de los presidios de menores. Desarrollada con un tono poético y simbólico, es una extraordinaria película infantil que conmueve y emociona a grados superlativos. Notables son las secuencias del incendio durante la proyección de una película y la fuga en un caballo blanco, que guardan correspondencias temáticas, con el estilo que De Sica habría de mantener, en este período de su carrera. Imperdible.

"La Noche del Cazador" ( "The Night of the Hunter", 1955) de Charles Laughton : Obra maldita donde las halla, es una joya del terror infantil, sugerida a partir de la irrupción de un falso predicador ( Robert Mitchum ), que intenta apropiarse del dinero de un motín, persiguiendo a los hijos del ladrón ( Billy Chapin y Sally Jane Bruce ), aunque ello le lleve a practicar el homicidio de la madre de los muchachos. La metáfora del lobo que se quiere devorar a los niños, es categórica y ese tono de cuento infantil nunca deja de impresionar, porque Laughton lo desarrolla estéticamente, utilizando alto contraste y un marcado expresionismo, fruto de su colaboración con el fotógrafo Stanley Cortez. Estupendo guión del talentoso James Agee sobre una novela de David Grubb, quien bosquejó los decorados y eligió a los intérpretes. Una obra maestra absoluta.

"Chitty Chitty Bang Bang" ( 1968 ) de Ken Hughes : Curiosa producción musical británica ambientada a principios de siglo, según una novela de Ian Fleming, el autor de las aventuras del legendario agente secreto 007 James Bond. Se trata de una dulce y divertida historia del inventor de un automóvil volador, sus hijos y la chica que se enamora de él, a guisa de melodías y canciones de gratísima complicidad. Mal entendida por la crítica en su época, es una comedia de situaciones, ideal para pasar un rato agradable, muy elaborada en sus aspectos estéticos, y nada de conformista, pese a ese tono demasiado familiar que ostenta. El film parte con una energizante carrera de "autos locos", que sin duda, junto con "La Carrera del Siglo" y "Esos magníficos hombres en sus máquinas voladoras", inspirarán una conocida serie animada de televisión.

"Buenos días" ( "Good Morning" / "Ohayo", 1959) de Yazujiro Ozu : Una gran obra por descubrir del célebre maestro japonés, acerca de las ambiciones, sueños y desdichas de una familia de clase media nipona, que incorpora unos niños muy asertivos. Desarrollada con la sobriedad y la finura que caracteriza la filmografía del cineasta, asume las constancias de la vida mundana con gran realismo y honestidad.

"Zazié va en Metro" / "Zazie e el metro" ( "Zazie dans le metro", 1959) de Louis Malle : Una comedia innovadora que el director acomoda a sus deseos de renovar el género. Las correrías que vive la pequeña Zazié ( Catherine Demongeot ) en París, producto de una huelga de trabajadores en el metro, le permiten al cineasta integrar en la narración, saltos abruptos de tiempo, una estética pop característica de su momento, y situaciones alocadas como el viaje en bus, que retroalimentan los aspectos más divertidos de esta obra. Distinta, original y refrescante.

"El Silencio" ( "Tystmaden", 1963) de Ingmar Bergman : La obra cúlmine de la trilogía de su autor, acerca del "silencio de Dios", censurada en varios países y dilapidada, pese a contener todas las inquietudes artísticas del cineasta sueco. El relato se circunscribe a seguirle la huella a dos hermanas y el hijo de una de ellas ( el pequeño Jörgen Linström ), en un país desconocido donde se habla un idioma incomprensible. El curso que sigue la enfermedad de Esther ( Ingrid Thulin ), les hacen parar en un hotel lleno de personajes surrealistas, como los siete enanos españoles Eduardini. Se trata de una película con niño hecha para adultos, ya que el tema bordea la ninfomanía y el drama concentra su trasfondo en las experiencias eróticas de las mujeres. Entre las obras más controvertidas de su notable realizador.

"Cero en Conducta" ( Zéro de conduite", 1933) de Jean Vigo : El relato de fuerte carga autobiográfica nos cuenta de manera surrealista, las vicisitudes de dos niños en un internado. Los deseos de cambiar el mundo desde la testera del pupitre y desentenderse del yugo opresor, alcanzan un lirismo raramente explotado en el cine de su época. Se trata de una película transgresora, y por lo mismo, muy refrescante, poética, sugestiva y metafórica. Una pequeña joya de 45 minutos, que todavía revive en las antologías del cine, por secuencias como la guerra de almohadas en el dormitorio. Fotografiada por Boris Kaufman es una obra inusual, distinta y sublime.

"La Isla desnuda" ( "Naked Island" / "Hadaka no shima", 1960) de Kaneto Shindo : Otra valiosa obra del cine japonés por revalorizar. Se trata del mayor éxito del realizador de "Los Niños de Hiroshima", que "narra sin palabras la dura vida cotidiana de unos agricultores que deben acarrerar agua constantemente". Los niños habitantes de esa isla hermosa y a la vez, hostil, juegan un papel importante en la consumación de este verdadero poema filmado.

"El Niño Salvaje"/ "El Pequeño Salvaje" ( "L"enfant sauvage", 1970) de Francois Truffaut : Utilizando los recursos expresivos del cine mudo, el famoso director francés adapta la maravillosa historia de la reeducación de un niño salvaje, según los escritos de Jean Itard. La cinta es un brillante ejercicio de estilo, alambicado en las inusuales perspectivas del blanco y negro, los matices didácticos que tiene el tema y la estupenda actuación de él mismo, con el niño gitano Jean-Pierre Cargol. Una lección de vocación de servicio y de amor por el trabajo pedagógico, que supera toda norma.

"Los 5.000 dedos del doctor T" ( "5.000 fingers of Dr.T", 1953) de Roy Rowland : Una novedosa historia infantil según el cuento del Dr.Seuss, acerca de un niño ( Tommy Rettig ), que rechaza las clases de piano de su antipático profesor ( Peter Lind Hayes ), sumergiéndose en un mundo onírico, donde éste aparecerá convertido en un dictador de una demencial estructura, poblada de seres fantásticos y gigantescos guardias que custodian un inmenso piano. Cruce entre cine fantástico, musical y relato infantil, todavía hoy resulta una obra maestra, que usufructa de los temores y ansiedades de los niños, para graficarnos el delirio que provoca estudiar forzosamente algo que no corresponde. Una lección algo tardía de lo que debiera ser la enseñanza en los colegios de nuestro mundo.

"Ana de los Milagros" / "El Milagro de Ana Sullivan" ( "The Miracle Worker", 1962 ) de Arthur Penn : Adaptación de la obra teatral de William Gibson sobre la historia real de la educación de una niña sordociega Anne Keller ( la estupenda Patty Duke ), por parte de su joven maestra ( la entrañable Anne Bancroft ), que ya había llevado anteriormente el propio director, a las tablas y a la televisión. Es una película modélica en su economía de recursos, que administra idealmente el "tempo" narrativo y logra dimensionar el pasado traumático de la maestra lleno de sentimientos de culpa. Extraordinaria actuación para una cinta que obtuvo dos Oscar de la Academia y el Premio OCIC en el Festival de San Sebastián. Conmovedora y elocuente..

"El pueblo de los malditos" ( "Village of the damned", 1960) de Wolf Rilla : Entusiasmante cinta de ciencia ficción británica, acerca de una villa golpeada por el alumbramiento de niños con poderes telequinéticos, capaces de destruír todo lo que se les cruza en su camino. Metáfora conciente de los límites del dominio comunicacional, es también una interesante película que enrostra la aparente candidez de los pequeños con la idea de la vulnerabilidad de la gente frente a la amenaza exterior. Basada en una novela de John Wyndham, cuenta con la actuación del niño prodigio inglés Martin Stephens, que volvería a resaltar en "The Innocents" ( 1961) de Jack Clayton.

"La Piel Dura" ( "L" argent de poche", 1976 ) de Francois Truffaut : Extraordinario relato coral acerca de la vida de los niños de un pueblo de provincia. Con gran soltura y naturalidad Truffaut trabaja con niños actores no profesionales, para contarnos en base a viñetas, una serie de historias de la vida real, relativas al mundo infantil. Efectúa una aguda reflexión sobre la educación pública, las relaciones paterno-filiales y la vulnerabilidad en que se encuentran los niños lejos de casa. Sobretodo si eres profesor, esta película no debes dejar de verla.

"Vidas sin destino" ( "Gummo", 1997) de Harmony Korine : Cine independiente juvenil, con el debut en la dirección del guionista de "Kids". En Xenia ( Ohio ) viven Salomon y Tummer , dos muchachos marginales. Solomon tiene 14 años y debe lidiar con su extraña madre. La suerte de su amigo no es mucho mejor, ya que tiene un padre alcohólico que nunca se sobrepuso a la muerte de su mujer. Los dos amigos pasan el día aspirando pegamento para evadirse, matando gatos para convertirlos en dinero y metiéndose en cuanto problema pueden encontrar. La cinta muy singular, posee una insólita plasticidad antiestética ; y la narración una insospechada componenda, que flirtea entre lo melancólico, lo asqueroso y lo realista. La escena del almuerzo en la tina de baño, es ejemplar, pues grafica el desorden y el caos de un mundo desesperanzado.

"El Poderoso" ( "The Mighty", 1998 ) de Peter Chelsom : la historia de amistad entre dos niños marginados : Kevin ( Kieran Culkin ), disminuído físico y que es un geniecillo para imitar los inventos de Da Vinci y Maxwell (Elden Henson ), oblondo rubicundo y gigantón, que es una masa de músculos algo atolondrado. Ambos complementándose, traban una relación que los llevará a descubrir el mundo que les rodea, imitando el alambicado universo de los relatos de caballería y las leyendas del Rey Arturo. Logrado relato dramático, que destaca por su equilibrio entre los momentos devastadores y alegres, con una entrañable actuación de dos niños prodigios insuperables, acompañados de extraordinarios secundarios como Sharon Stone, Gena Rowlands y Harry Dean Stanton. Recuerden esa divertida incursión de Culkin, imitando con unos tallarines a personajes icónicos del cine.

"Flowers & Garnet" ( 2002 ) de Keith Behrman : Un magnífico filme canadiense sobre la sicología infantil, a partir de la historia de un niño de nueve años, Garnet ( el expresivo y bucólico Colin Roberts ), criado por su hermana mayor "Flowers" ( la notable Jane McGregor ), en ausencia de su madre fallecida y un padre demasiado obstinado. Con una puesta en escena intimista, el relato nos habla del aislamiento emocional, la comprensión paternal y el trauma de la pérdida. Inolvidable toda la secuencia del niño escondido en su "corralito" , premunido de una pistola cargada. Simbólica transcripción de las vicisitudes de la existencia a escala infantil. Notables actuaciones.

"Alicia en las ciudades" ( "Alice in den städten", 1974) de Wim Wenders : Un periodista alemán ( Rüdiger Vogler ) debe hacer un reportaje en Estados Unidos. En el avión de vuelta, conoce a una mujer que le encomienda a su hija, a la que recogerá a la llegada. Al volver nadie espera a la niña ( Yella Rottländer ) y el hombre se ve obligado a cuidarla hasta que su madre aparezca de nuevo. Esta circunstancia, los enlazará como si se tratara de un padre y su hija, en un itinerario que tiene mucho de realismo, ternura y sorpresa. Antecedente previo a su obra maestra "París Texas", se ve con mucho interés por su conciente minimalismo, su urbana puesta en escena y su espontánea forma de describirnos erl mundo que le rodea ala niña.

"Camino a Casa" ( 2002 ) de Jeong-Lyang Lee : Neorrealista película coreana, sobre el choque cultural entre lo rural y lo urbano, desde la perspectiva que lleva a un niño de siete años de Seúl, a vivir dos meses con su anciana abuela en el campo. Sin videogames, TV cable, radio, Internet o adelanto posible, el muchacho poco a poco aprenderá a aceptar la sencillez de la vida agraria y la sabiduría de su anciana protectora. Construída en base a silencios, planos largos y secuenciales, es una obra inteligente y sutil, que también nos habla de las diferencias generacionales y de los valores humanos de la tercera edad.

"Lazos de Sangre" ( "Winter"s Bone", 2010) de Debra Granik : En una meseta apartada de Ozark, la joven Ree Dolly ( Jeniffer Lawrence en tremenda interpretación ), de 17 años, cuida de sus dos hermanos menores debido a la indisposición de su madre discapacitada. Cuando descubre que, su padre ha utilizado el título de su casa para salir de la cárcel y que no se ha presentado al juicio que se le impugna como fabricante ilegal de toxinas, la chica inicia su búsqueda arriesgada entre los mafiosos del lugar. Realista visión sobre la vida en lugares recónditos y marginales, que grafica los esfuerzos de una joven por los derechos de su familia, desarrollada con gran intensidad y emoción.

"Angust Rush : En busca de un hogar" ( "August Rush", 2007) de Kirsten Sheridan : El gran Freddie Highmore interpreta a un niño sordo, que con sólo palpar la naturaleza siente la música en su corazón. En medio de sus limitancias en su reclusión de aparente orfandad, demuestra que, es un genio de la composición e intenta por todos los medios encontrar a sus padres a quienes no conoce. A través de un relato lleno de "flashbacks" y acentuando una travesía entre Chicago, San Francisco y Nueva York, este cuento urbano que revisita a "Oliver Twist" es además, una magnífica obra musical que nos habla del arte como experiencia vital que se origina en los sentimientos humanos más profundos.

"Kick-Ass" ( 2010) de Matthew Vaugh : Especie de parodia al mundo de los superhéroes, elaborada desde el comic creado por Mark Miller y John Romita Jr., que se cuestiona el verdadero papel de estos personajes de tinta y papel, su liderazgo, valentía y supremacía en el mundo moderno. Dave ( Aaron Johnson ) es un adolescente neoyorquino, que todos creen homosexual, y que se refugia en el espíritu de las historietas gráficas para transformarse en un superhéroe capaz de enfrentar situaciones riesgosas. Nicolás Cage interpreta a "Big Daddy" y la expresiva Chlöe Grace Moretz a la singular "Hit Girl" buena para lazar cuchillos y dar patadas de kung fu. Ambos son la antítesis del muchacho retraído, que como superhéroes de capa y antifaz, le secundarán en peligrosas misiones contra la mafia. Una matiné delirante que se disfruta con pastillas de menta.

"El Rosal de la Vida" / "El Sol sale cada mañana" ( "Our Vines Have Tender Grapes", 1945 ) de Roy Rowland : Con un estupendo guión de Dalton Trumbo, cuenta la azarosa vida campesina de una familia de descendientes nórdicos afincados en un pueblecito de Wisconsin. De tono familiar, bucólico, romántico, sus personajes respiran bondad, sacrificio, y unos deseos profundos de superación difíciles de olvidar. En elenco actúan : Edward G.Robinson, James Craig, Agnes Moorehead y los niños prodigios Margareth O"Brien y Jackie "Butch" Jenkins, con sus pecas tan enormes como lunares.

"Hijos de un mismo Dios" ( "Edges of the Lord", 2001 ) de Yurek Bugayevicz : Un niño judío ( Haley Joel Osment ) es refugiado en una familia campesina polaca durante la ocupación nazi. La única incursión de Osment en el cine europeo, es esta significativa película que logra aclimatar drama, suspenso y costumbrismo, en grados equiparables. No sólo hay una certera mirada al universo castrado de la infancia en la guerra, sino una insoslayable capacidad de sugerir sin dejar de ser crítico y elocuente. Notables las actuaciones de Osment, Willem Dafoe como un sacerdote antinazi, y los estupendos prodigios Liam Hess y Richard Banel.

"Bestias del Sur Salvaje" ( "Les béites du sud sauváge", 2012 ) de Benh Zeitlin : Recién estrenada en España y próximamente en nuestros cines locales, es una de las favoritas del Oscar. Se trata de una producción independiente que ha dado mucho que hablar por su imaginativa forma de contar una historia semifantástica con escasos medios. En una zona pantanosa del Mississippi, la pequeña Hushpuppy de seis años, frente a la ausencia de sus padres, se retrotrae a un mundo natural plagado de fantasías relativas a la fragilidad de la Naturaleza. Feroces criaturas prehistóricas se descongelan - y como adelanta el trailer - la pequeña deberá asumir con fortaleza, los cambios abruptos que sufrirá el riguroso orden ecológico de su entorno. Una fábula calificada de magistral por los especialistas. Para agendar en los próximos estrenos de importancia.

Fotos -Gentileza : Amsterdam University Press - The Hindú - Satyajit Ray Society - Julio Menem.Org- CasperWorld - ChildStarlets - Canal RGZ - Gaumont - Pathé - MGM - Warner Brothers - Universal Pictures - RKO - The New York Times - Dr.Macro- HollywoodWeb - Puré cine- Lobby-cards Archivo Personal.-