Quien ama la vida, ama el Cine.

Quien ama la vida, ama el Cine.
El cine es como la vida,pero vista a traves de la subjetividad de un lente.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Grandes Maestros del Cine Clásico :

Los Cuatro Magníficos.

En la Historia del Cine, siempre se han repetido sus nombres, como los que lograron "el sello maestro". Ese punto de originalidad, personalismo y altura, que sólo unos pocos consiguieron en décadas de carrera. 
De estilos característicos, abrieron nuevas modalidades en la industria y redefinieron muchos de los géneros que abordaron con periodicidad. 
Verdaderos pioneros de la profesión, Frank Capra, King Vidor, Raoul Walsh y Howard Hawks, lograron marcar un registro inolvidable de creaciones, que han pasado a ser obras maestras o películas singulares en cada género.
Cada uno, cosechó los laureles del reconocimiento internacional. A su forma, incentivaron el gusto por los recursos expresivos del arte audiovisual, con la inconformidad del artista individual, intentando abrir nuevos horizontes en el amplio paisaje del séptimo arte. Algunos incluso, se vieron en la necesidad de transformarse en "enfant terrible" dentro del negocio, para imponer sus ideas y evitar que los censurarán o les limitaran los presupuestos para rodar a gusto.
Registramos sus nombres, definimos sus carreras y marcamos la cancha para que Ustedes, desde la comodidad del DVD hogareño, les redescubran para gloria de sus nombres.

Frank Capra :
La Bondad de la Gente sobre la Maldad de unos Pocos.


Una fotografía del realizador acompañado de su mejor amiga : la cámara de cine.


Si hay algo que identifica el cine del realizador ítalo-americano Frank Capra ( 1897-1991), es su optimismo, esa sana alegría de vivir y de vencer los escollos con el positivismo fundamentado en la vieja idea, que el hombre nace puro, digno, bueno, sano y transparente.
"Sus películas son himnos a los valores de la democracia, la libertad, la justicia, la igualdad o la bondad social, pero no significa que ignore su dramática ausencia, en el siglo que con más retórica, pretendió protegerlos".
Hay en el cine de Capra, un sentido de la irrealidad cercano a la fábula, al cuento moral y al trasvasije de creencias directamente enlazadas con el "New Deal" y la proyección keynesianista.
Se trata,  por tanto, de un cine esperanzador, proclive al optimismo, a la cercanía con las personas comunes, a la idea de que la "unión hace la fuerza" si existen buenos propósitos, y al bien, como fuerza que vence cualquier circunstancia derrotista, corrupta y malversa.
Nacido en un pobre familia siciliana de campesinos, que tuvieron 14 hijos, a los seis años, Frank Rosario Capra emigra con los suyos a Los Angeles, California. Pasó por varios oficios antes de llegar al cine : fue vendedor de periódicos, camarero, guitarrista, jugador de póker. 
En 1918, se diploma de Ingeniero Químico, y durante la Gran Guerra se alista en el ejército como voluntario, se dedica a enseñar balística a los soldados, y dado de baja como Teniente Segundo, busca empleo, accediendo al mundo del cine, cuando se puso a trabajar en varios laboratorios.    
Ingresó en el cine en 1921, e hizo un poco de todo : fotógrafo, ayudante de director, actor, compaginador, "gag-man", debutando en la dirección con "El Atleta Incompleto"/ "El Hombre Cañón" ( "The Strong Man",1926 ), una divertida comedia bélica, para mayor gloria del olvidado caricato Harry Langdon. "Con el fin de potenciar las cualidades cómicas del humorista, Capra pone el lenguaje cinematográfico a su servicio. Con la frecuente utilización del plano general , el realizador logra evitar la parsimonia y lentitud del cómico y sacar partido de ello, convirtiéndolo en su mejor arma".

Capra enseñándole a Adolphe Menjou cómo debe abrazar a Barbara Stanwyck en una escena de "Amor Prohibido".

"Sucedió una noche" / "Lo que sucedió aquella noche" : Clark Gable y Claudette Colbert haciendo "autostop".
El detalle de Capra : definición de secundarios dentro de un bus, en un viaje muy accidentado.
"Las Murallas de Jericó" : el sesgo sexual arropado de candorosa moralidad.
En "Horizontes Perdidos", Ronald Colman y Frank Capra supervisando la toma de la huída en avión en exteriores.

De la mencionada película, Ronald Colman y Jane Wyatt viviendo un romance idílico en el Shangri La.
Poeta aficionado a tocar la tuba, Gary Cooper con Jean Arthur en : "El Secreto de Vivir", una de sus notables comedias.

Todo el reparto de "Vive como Quieras" con su respectivo autógrafo de recuerdo. Abajo sentado : Capra.
En el set de "Caballero sin espada" : de pie a la izquierda, Frank Capra, después James Stewart, Jean Arthur y Eugene Pallette.
Lobby-card de "Caballero sin Espada", el líder de un grupo de nos scouts que llega al Senado para enfrentar la corrupcion y los manejos turbios de la democracia.


En la citada película, Stewart pronuncia un discurso hasta quedar ronco, defendiendo los valores y principios transparentes de la Constitución.


Contratado por Harry Cohn para la "Columbia Pictures", cuando la casa productora vivía sus peores años, logró asentarse en ella, subirle su reputación y hacer estupendas películas con la rapidez de un rayo. Se dice que, escribía en dos semanas lo que rodaba y montaba en cuatro. Desde allí, habría de convertirse en uno de los mejores de la industria, especialmente preocupado de los "castings", los guiones y el montaje, la esencia según él, del buen cine.  
Hizo 35 largometrajes , entre las cuales, se destacan: "Aguilas" / "Vuelo" ( "Flight", 1929), con Jack Holt, Lila Lee y Ralph Graves, un triángulo amoroso en medio de una aventura áerea que describe la hipotética intervención de Estados Unidos en Nicaragua; "Mujeres de Lujo" / "Mujeres Ligeras" ( "Ladies of leisure", 1930), con Barbara Stanwyck, Ralph Graves y Lowell Sherman, curioso melodrama de un amor imposible, con una chica que se sacrifica frente a los prejuicios sociales que la embargan; "Dirigible" ( 1931) con Jack Holt, Ralph Graves y Fay Wray, aventuras aeronáuticas sobre el aviador Frank W"Spig", acerca de la exploración polar y las eternas pugnas entre los aviones y los dirigibles; "La Rubia Platinada" / "La Jaula de Oro" ( "Platinum blonde", 1931), con Loretta Young, Ronert Williams, Jean Harlow,  que es una de las primeras exponentes de la "screwball comedy" americana, que destaca por sus logradas actuaciones femeninas y ese aire renovador que el director manifestó con acertada ocurrencia ;  "Amor Prohibido" ( "Forbidden", 1931) con Barbara Stanwyck, Adolph Menjou y Ralph Bellamy, un conciso melodrama sobre un amor clandestino, el peregrinaje de una madre soltera y su posterior marginalidad a propósito de una hija denostada por su progenitor dedicado a la política; "El Amargo Té del General Yen" / "La Amargura del General Yen" ( "The bitter tea of general Yen", 1932), con Barbara Stanwyck, Nils Asther, Gavin Gordon, una efectiva historia de aventuras, que somete a una mujer al carácter frívolo y cruel de un general chino; "Estrictamente Confidencial" ( "Broadway Bill", 1934), con Warner Baxter, Myrna Loy, Walter Connolly, comedia romántica alrededor del mundo de la Hípica, sutil y amena, "Sucedió aquella noche" ( "It Happened one night", 1934) con Clark Gable y Claudette Colbert, un moderno "road movie" donde un reportero siguiéndole los pasos a una hijita de papá, termina enamorándose de ella, pese a las diferencias de clase y las inoportunas fugas de la muchacha a punto de casarse con un dandy; "El Secreto de Vivir" ( "Mr.Deeds goes to town", 1936) con Gary Cooper, Jean Arthur y Raymond Walburn, la ascensión de un poeta que también es músico durante la depresión, con todo lo que ello significa, la fama y la popularidad que explotan los diarios, rescatando la vida de provincias y la familia como soporte afectivo del singular personaje; "Horizontes Perdidos" ( "Lost Horizon", 1937) con Ronald Colman, John Howard, Jane Wyatt, Sam Jaffe, Margo, Thomas Mitchell y Edward E.Horton, la quintasencia de "Shangri La", el paraíso perdido en los Himalayas, en medio de una clásica aventura de situaciones entremezclada con una historia de amor, y una fantástica visión en los Himalayas, acerca de un mundo idealizado en los maravillosos escenarios construídos en los estudios de la Columbia; "¡Vive como quieras!" ( "You can"t take it with you", 1938), con James Stewart, Jean Arthur y Edward Arnold, un poderoso melodrama político con un final feliz; "Caballero sin espada" ( "Mr.Smith Goes To Washington", 1939), con James Stewart, Jean Arthur, Claude Rains y Edward Arnold, magnífico retrato de la corrupción política y la democracia, entendida a través de la era del "New Deal", que es, extrañamente, una fábula sobre el poder y su nauseabundo tufillo, cuando degrada los nobles propósitos comunitarios por la ascensión individualista y egocentrista; "Juan Nadie"/"El Adinerado" ( "Meet John Doe", 1941) con Gary Cooper, Bárbara Stanwyck, Edward Arnold y Walter Brennan, otra fábula que gira en torno a un adalid de la mayoría silenciosa, creado por la prensa y la política y que, en determinado momento, se niega a seguir en la farsa inventada para vender periódicos; "Arsenico y Encaje Antiguo" / "Arsénico por Compasión" ( "Arsenic and old lace", 1944) con Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre y Raymond Masset, una de sus comedias "modelo", acerca de un joven escritor a punto de casarse, que viaja a casa de sus ancianas tías, para descubrir que ellas son unas homicidas de ancianos vagabundos y protectores de un esmirriado deforme acusado de asesinato, todo desarrollado en tono de sorna, con mucho humor negro y remedo a Boris Karloff que interpretó la obra en el teatro; "Qué bello es vivir" ( "It"s a Wonderful Life", 1946) con James Stewart, Donna Reed, Lionel Berrymore y Thomas Mitchell, el clásico más querido por el público norteamericano que ve televisión en Navidad, que es una notable fábula acerca de un ángel protector que visita a un atribulado padre de familia, bueno, noble y caritativo a punto de perder la cabeza, sin medir las consecuencias que originaría su presumible suicidio; "El Estado de la Unión" ( "State of the Union", 1948), con Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Van Johnson y Angela Lansbury, amena y divertida comedia de tribunales que enfrenta a un matrimonio de abogados cada cual defiendiendo lo suyo, a costa de mantener una vida doméstica medianamente apacible; y "Milagro por un día" /  "Un gángster para un Milagro" ( "A pocketful of miracles", 1961), con Glenn Ford, Bette Davis, Hope Lange y Peter Falk, "una especie de cuento moderno de La Cenicienta", donde unos gángsters ayudan a una modesta vendedora de flores a que su hija se case con un prominente hombre de negocios inglés, que se constituyó en su última película.   
En los albores del sonoro, como comprobarán, el cineasta probó los terrenos del drama sentimental y del cine de aventuras utópicas, hasta decantarse en la comedia, género que más se acomodó a sus intereses y estilo.

"Juan Nadie" , escrita con su colaborador habitual Robert Riskin, es una ambiciosa comedia acerca de los peligros del fascismo.
"Arsénico y Encaje Antiguo" / "Arsénico por Compasión " : comedia de humor negro, irreverente y mordaz, con Cary Grant y sus "tías", Josephine Hull y Jean Adair.

"Qué bello es vivir" : James Stewart y Donna Reed.
Considerada por el propio director como su mejor película, "Qué bello es vivir", se constituye en uno de los títulos navideños emblemáticos de la programación televisiva norteamericana.


Películas Fundamentales  : 

"La Rubia Platinada" / "La Jaula de Oro" ( "Platinum Blonde", 1931) con la singular Jean Harlow; "Amor Prohibido"  ( "Forbidden", 1932 ) y "El Amargo Té del General Yen" / "Las Amarguras del General Yen", 1932), ambas con la genial Barbara Stanwyck; "Estrictamente Confidencial"/ "El Muchacho de Broadway" ( "Broadway Bill", 1934 ) con Myrna Loy y Warner Baxter; "El Secreto de Vivir" ( "Mr.Deeds Goes To Town", 1936) con Gary Cooper y Jean Arthur; "Vive Como Quieras" ( "You Can"t Take it with you", 1938) con James Stewart y nuevamente Jean Arthur; "Arsénico y Encaje Antiguo" / "Arsénico por Compasión" ( "Arsenic and Old Lace", 1944) con Cary Grant y Priscilla Lane; y "Milagro por un día"/ "Un gángster para un milagro" ( "Pocketfult of Miracles", 1961). 

Obras Maestras : 

"Sucedió una noche" ( "It Happened One Night", 1934)  con Clark Glable y Claudette Colbert; ""Horizontes Perdidos" ( "Lost Horizon", 1937) con Ronald Colman y Jane Wyatt; "Caballero Sin Espada" ( "Mr.Smith goes to Washington", 1939) con James Stewart y Jean Arthur , "Qué bello es Vivir!" ("It"s a Wonderful Life!", 1946) con James Stewart y Donna Reed y "Juan Nadie" / "El Adinerado" ( "Meet John Doe",1941).



Curiosa fotografía promocional de "Arsénico y Encaje antiguo" con Cary Grant y Priscilla Lane.


"El Estado de la Unión" : un matrimonio de abogados interpretados por Spencer Tracy y Katharine Hepburn, se enfrentan en los tribunales defendiendo a sus respectivos clientes.
En la comedia , la Hepburn disecciona su rol con la intervención secundaria de una jovencísima Angela Lansbury.
En "Caballero sin Espada" , los niños son los elementos de pureza y astucia, que liman los sinsabores del bueno de Mr.Smith en Washington.
 
Características formales de su estilo: 

"La exactitud del montaje de Capra, sólo puede ser parangonada con la de Howard Hawks. En Caballero sin espada cuando un muchacho explica las partes de hemiciclo del Senado, el espectador ya no tendrá cómo volver a perderse. Esta precisión le permite , literalmente, orquestar la progresión de la historia, como si se tratase de una sinfonía y afrontar cada momento con un tempo propio. Por ejemplo, el final , donde el maratónico discurso de Smith sobrepasa los veinte minutos en el metraje, podría haberse convertido en un sufrimiento, está filmado como una apoteosis, con un ritmo galopante que enfrenta a los menguados poderes de la verdad con las fuerzas incontenibles de la corrupción. Es muy notable que su final feliz no menos imposible, culmine con una elipsis: un plano del presidente del Senado, echado hacia atrás en su sillón, sonriendo con complacencia mientras el jolgorio domina el hemiciclo". 

( Del libro "Cien Años Claves del Cine" : Ascanio Cavallo y Antonio Martinez, Editorial Planeta ).  


Frank Capra considerado en su época, el mejor director de la "Columbia Pictures".


Un Comentario : 

"Capra dictaminó con optimismo que la gente es buena, y que esa bondad siempre triunfa frente a la avaricia o corrupción de unos pocos. La habilidad y el humor con que envolvió esa simple filosofía , más el cariño por seres extravagantes pero inofensivos le conquistaron la simpatía del público, varios premios de la Academia, y el título de principal director de la empresa Columbia, a la que levantó poderosamente. En algunas entrelíneas de sus filmes, asomó también la crítica social".

( Del recordado crítico :  Homero Alsina Thevenet ).





King Vidor :
Entre la Pasión y El Pan Nuestro de Cada Día.

En su rutina diaria, revisando el celuloide.

De todos los cineastas surgidos en plena época del cine mudo, y que vivieron en carne propia la depresión económica y la transplantaron en sendas historias románticas de parangones épicos, el nombre de King Vidor ( 1894-1982) debiera estar considerado entre los fundamentales, por su autenticidad al mostrarnos la vida americana sin artificios.
Aprendió de cine, observando a los pioneros Max Linder y a los directores italianos : "Una vez vi Ben-Hur hecho en Italia, de dos rollos, veintíuna veces al día, y 147 veces durante la semana que se estuvo proyectando. Los mismos actores que la hicieron, no pudieron empaparse de ella más que yo. Durante una proyección, concentraba mi atención en la mímica de los personajes tal y como se expresaban por el movimiento de sus manos y brazos; en la siguiente, me decidía a estudiar solamente las expresiones faciales y en otra, me dedicaba exclusivamente a observar el pensamiento que salía de la actitud de los cuerpos".
Con la metodicidad de los fanáticos del cine, aprendió las técnicas básicas , escribiendo, produciendo y dirigiendo algunos cortometrajes publicitarios y noticiarios que le permitieron subsistir. 
En los años veinte, ingresa a la industria como operador de actualidades, guionista, figurante y actor secundario, debutando en el largometraje con el apoyo de un grupo de médicos afines a la secta protestante "Christian Science" en : "La vuelta del camino" ( "The Turn in the Road", 1919), una apología de sus teorías morales sobre las que asienta su amplia obra.
Diez años después, funda su propia compañía con la ayuda de su padre, y filma siete películas como : "El Honor de la Familia" ( "The Honor Family", 1920) y "La Mujer de Bronce" ( "The Woman of Bronze", 1923), estelarizadas por su mujer, Florence Vidor.
Después de trabajar de forma independiente, firmó contrato con la Metro en 1923, la casa productora donde haría el resto de su carrera cinematográfica.
Su estilo, especialmente dotado para el drama romántico, le llevó a convertirse en un refutado cineasta, especialmente desde el debut de : "El Gran Desfile" ( "The Big Parade", 1925)  que "supuso la culminación del tema de la primera guerra mundial en la producción muda americana".
Se trata de una historia con tintes autobiográficos de Lawrence Stallings, que permiten a Vidor mostrar sin artificios, la brutalidad de la guerra y la maduración sicológica experimentada por el protagonista a lo largo del conflicto.
"La principal característica del film, - escribe el crítico Luis Enrique Ruiz - , es el enfoque con que Vidor afronta el relato. Prescindiendo de la habitual idealización con que la guerra es mostrada en el cine, la película representa un ejercicio desmitificador, que es posible gracias a la perspectiva que otorgan los años transcurridos, y que permiten al director, mostrar la guerra como algo real y doloroso. Sobre esta premisa, el realizador construye uno de los poemas visuales más complejos y profundos que se han filmado". 
Vidor es frente a todo, "un cronista de gestas colectivas, a medio camino entre el cantor homérico y el patriarca bíblico. Como artista ha encarnado la mentalidad de la América agraria , patriarcal y conservadora, aunque su integridad moral le ha llevado a ofrecer algunos de los más veraces , incisivos y auténticos retratos de su país. Por eso, se nos aparece hoy como infinitamente más válida, la crónica social de : "La Multitud"/ "Y el mundo marcha" ( "The Crowd", 1928) , drama de la ambición y del fracaso de un modesto empleado , que intenta inúltilmente escapar de su clase social en la jungla capitalista de rascacielos". 
Respecto a la película, apunta el crítico e historiador de cine Román Gubern : "Crudo testimonio del "struggle for life" a las puertas del gran crack de 1929, Vidor eligió como protagonista para obtener la máxima veracidad , a un oscuro y desconocido actor ( James Murray ), de físico anodino. La movilidad de la cámara descubierta por los alemanes, permitió a Vidor un brillantísimo arranque, para extraer a su personaje de la masa anónima, a la que al final, le reintegraría". 
Por su parte, resalta Ruiz : "Con una narrativa excepcional, Vidor convierte un relato cotidiano , carente de lances espectaculares , en el más profundo y demoledor estudio del hombre llevado nunca a la pantalla. La fatalidad, la quiebra del sueño americano y el hastío conyugal, enmarcan la vida de un hombre que lucha denodadamente por destacar entre "la multitud", esa marabunta fría y deshumanizada que puebla las grandes ciudades y cuyo poder devastador , será conocido por el individuo, luego de su fracaso. En última instancia, y sumido en la más absoluta desesperación , el hombre encuentra las fuerzas suficientes para luchar , y así reintegrarse a la masa de la que siempre soñó salir".
De la etapa silente, también destaca su retrato del Hollywood de los años veinte en : "Espejismos" ( "ShowPeople", 1928), evidente vehículo para la actriz Marion Davies, es un valioso documento de época, donde desfilan estrellas del calibre de : Charles Chaplin, John Gilbert, Mae Murray, William S.Hart y Douglas Fairbanks, en su ambiente natural, y a la sazón, pioneros de un arte maravilloso.


En "El Gran Desfile", John Gilbert ( al medio ), como soldado de la Gran Guerra en las trincheras.
James y Melissande, el encuentro definitivo después de la contienda.

"Show People" : Marion Davies en un retrato del Hollywood de los años veinte.

"La Multitud" / "...Y el mundo marcha" : extraordinaria alegoría acerca del hombre anónimo en la gran masa de la metrópolis, con James Murray y Eleanor Boardman.

Vidor dirigiendo a James Murray en una escena del film.

El director con los niños actores de "Aleluya", "spiritual" y  música negra en un gran filme de ambiente rural.

Con parte del elenco de la citada película, interpretada íntegramente por afroamericanos.

Vidor en los exteriores de "Billy The Kid".

"El Pan nuestro de cada día" / "Ganarás el pan" : la utopía del trabajo colectivo.


"Stella Dallas" : Barbara Stanwyck en una famosa obra dramática de repercusión popular.


Con el operador Rudolph Maté, dirigiendo una escena de "Stella Dallas" con la Stanwyck.

"El Campeón" : con la impagable pareja Wallace Beery y el niño prodigio Jackie Cooper.

Vidor con el pequeño Jackie Copper en el set.


"Noche Nupcial" : los enamorados, Gary Cooper y Anna Sten.


"La Ciudadela" : rodada en Inglaterra, con Robert Donat y John Gielgud.


"Hacia otros Mundos" : Spencer Tracy cruzando ríos en canoa, en una magnífica cinta de aventuras que es también un western.

"Un Sueño Americano" : grandiosa épica acerca de un emigrante interpretado por Brian Don Levy, que hace una fortuna construyendo automóviles.
"Duelo al Sol" : apoteósico western de amor y venganza, con Joseph Cotten y Jeniffer Jones.

"Uno contra todos" / "El Manantial" : un tórrido romance dentro y fuera del set, entre Gary Cooper y Patricia Neal.
"Más allá del bosque" : Bette Davis, morena y malvada, con David Brian y Minor Watson ( atrás ).

En otra escena del film, junto al denostado, Joseph Cotten.
Bette Davis es una malvada fisgona y altanera en la  magnífica obra de Vidor.


Como nunca antes, la Davis sabe ser conspiradora, sensual y atrevida en extremo.


"La Guerra y la Paz" : Henry Fonda, Mel Ferrer y Audrey Hepburn.

En la adaptación cinematográfica de la novela de Leon Tolstoi, lucen los escenarios y la reconstrucción de época.

"Salomón y la Reina de Saba" : Gina Lollobrígida tomándose un sensual baño.

Lobby-card de la citada película histórica, con Yul Brynner.


Con la irrupción del sonido, su carrera se espaciará, aunque en buena medida, intentado evitar los encasillamientos y los trabajos menos personales. 
En este período, destacan : "Aleluya" ( "Hallelujah", 1929) un imaginativo musical protagonizado únicamente por gente de color, "Billy The Kid" ( 1930), con Johnny Mack Brown, Wallace Beery  y Kay Johnson, un interesante western de principios del sonoro, sobre la figura del mítico Billy el Niño, donde "Vidor continúo las experimentaciones con el sonido en exteriores que ya había iniciado el año anterior";  "La Calle" ( "Street Scene", 1931) una novedosa adaptación de la obra teatral de Elmer Rice, "El Campeón" ( "The Champ", 1931), una candorosa historia de abnegación, sobre un boxeador retirado que vuelve al ring por amor a su único hijo; "El Pan Nuestro de Cada día" / "Ganarás el Pan" ( "Our Daily Bread", 1934), maravillosa utopía de sínodo realista que refuerza la idea del trabajo comunitario, premiado por la Sociedad de Naciones y por el Festival de Venecia ; "Noche Nupcial" ( "The Wedding Night", 1935), vigorosa comedia de enredos de pareja con Cary Grant y Anna Sten; "Stella Dallas" ( "Stella Dallas", 1937), famosísimo melodrama que repercutió por la emotiva interpretación de Barbara Stanwyck; "La Ciudadela" ( "The Citadel", 1938), la trayectoria de un abnegado médico rural británico ( Robert Donat ), enfrentado a la hostilidad de sus colegas y a la desconfianza de un pueblo de mineros escoceses, y que rodó en Inglaterra basado en la novela de A.J.Cronin; "Hacia Otros Mundos" / "Pasaje al noroeste" ( "Northwest Passage", 1940), un bellísimo western sobre los inicios de la Independencia, matizado por el estupendo uso del color y un Spencer Tracy que se las trae, vestido a la usanza de "Daniel Boone", montado en canoa; "Un Sueño Americano" ( "An American Romance", 1944), extraordinario "biopic" acerca de un emigrante ruso que hace su fortuna como un valioso fabricante de automóviles, y que llegada la guerra, comienza a hacer aviones y que tiene más de un punto de contacto para la inspirada película coppoliana de "Tucker : un hombre y su sueño";  "Duelo al Sol" ( "Duel in the Sun", 1947) , grandioso western, que es también una tremenda historia de amor que enfrenta a dos hermanos, por el amor de una mujer que es mitad blanca y mitad indígena; "Uno contra todos" / "El Manantial"( "The Fountainhead", 1949), febril y apasionado filme de amor, sobre un maduro arquitecto ( Gary Cooper ) luchando por mantener sus ideales lejos de las ambiciones de ricos inversionistas de la construcción y su atribulado romance con una decidida mujer de armas tomar ( Patricia Neal ) ; "Más allá del bosque" ( "Beyond the Forest" , 1949), estupendo melodrama, donde se luce Bette Davis como una mujer malvada, intentado asesinar a quien se interponga en su camino, con tal de abandonar la vida en el campo junto a un marido insatisfecho y a un galán de temporada; "La Furia del deseo"/"Pasión bajo la niebla" ( "Ruby Gentry", 1952), un logrado e intenso drama acerca de una mujer apasionada y ambiciosa ( Jeniffer Jones) que quiere progresar en la sociedad y que cuando se encuentra con la incomprensión y las barreras sociales, no duda en enfrentarse violentamente a ella; "La Guerra y la Paz" ( "War and Peace", 1965), anodina adaptación del libro de León Tolstoi, que sobrevive por su excelente empleo del color, sus magníficas secuencias de batallas y su extraordinario reparto, encabezado por : Henry Fonda, Audie Hepburn, Mel Ferrer, Vittorio Gassman, y John Mills; y "Salomón y la Reina de Saba" ( "Solomon and Sheba", 1958), que se beneficia de la magnífica capacidad narrativa de Vidor, su especial cuidado por los detalles históricos y su elocuente gusto esteticista, ya en los dominios plenos del "Technicolor". 
Inactivo durante casi veinte años, regresó en 1980 para dirigir un interesante documental : "Metaphor", larga entrevista con un pintor , que sirve también como reflexión de la obra vidorniana, al tiempo que constituye una cuidada reconstrucción del filme mudo que mayor éxito deparó a su autor, "El Gran Desfile".       


Afiche promocional de "La Calle" donde Vidor experimentó con el sonido.


Películas Fundamentales :

Dentro de su filmografía, compuesta por 56 títulos rodados en cuarenta años de trayectoria, sobresalen todo tipo de géneros, desde la épica histórica a la comedia, desde el western al drama romántico. Cabe destacar entre éstos títulos : "ShowPeople" ( 1928); "El Campeón" ( "The Champ", 1931); "Stella Dallas" ( 1937); "La Ciudadela" ( "The Citadel", 1938); "Hacia otros Mundos"/ "Pasaje al noroeste" ( "Northwest Passage", 1940); "Un romance americano" / "Un sueño americano" ( "An American Romance", 1944); "Uno contra todos"/"El Manantial" ( "The Fountainhead", 1949); "La Furia del deseo"/ "Pasión bajo la niebla" ( "Ruby Gentry", 1952); "La Guerra y la Paz" / "Guerra y Paz" ( "War and Peace", 1956) y "Salomón y la Reina de Saba" ( "Solomon and Sheba", 1959).

Obras maestras :

"La Multitud"/ "Y el mundo marcha" ( "The Crowd", 1928); "El Pan nuestro de cada día" / "Ganarás el Pan" ( "Our Daily Bread", 1934); "Duelo al Sol" ( "Duel in the Sun", 1947)  y "Más allá del bosque" ( "Beyond the Forest", 1949).


Vidor en su ancianidad, todavía recordaba con los alumnos de cine, los viejos tiempos de Hollywood.


Características Formales de su estilo :

"La sensualidad profunda de Vidor, ofrece una opción física del romancitismo que ha dejado huella en la evolución del cine. Su importancia como cineasta de transición, es muy considerable por varios conceptos y apenas ha sido estudiada. Movido por una inspiración religiosa, toda su obra se basa en la tensión de puntos extremos. Exalta con idéntico fervor los encantos de la vida sencilla y los excesos de la pasión más violenta. La fuerza directa de las escenas pasionales de sus películas , su falta de afectación, hacen que su influencia haya sido más que considerable, en la evolución hacia una representación más realista del amor en la pantalla. Pero la pasión que Vidor siente por el hombre, sólo es comparable a la que le inspira la tierra. Por este motivo, al contrario que la mayoría de los cineastas americanos de su generación, mostró siempre un particular interés hacia los problemas que planteaba la sociedad de su tiempo, que trató de expresar a través de las posibilidades que le brindaba el melodrama".

( Del recordado crítico español José Luis Guarner ).


"Pasión bajo la niebla"("Ruby Gentry" ) : con Jeniffer Jones.


Un Comentario : 

"Como muchas películas de King Vidor, Ruby Gentry se abre con una voz en off, pero en esta ocasión, lo que la voz nos cuenta, son los atributos pasados del personaje de Ruby Gentry. Este comienzo, predispone al espectador para atender uno de esos viejos relatos confidenciales contados a media voz ante el fuego de la chimenea: la historia de una bella y poderosa mujer que acabó sus días en soledad. Pero la habilidad de Vidor consiste aquí en tender, inicialmente, la trampa de la falsa confidencia, para darnos luego una de sus películas más áridas y pesimistas, más sensuales y apasionadas que, cuando se encuentra suficientemente cargada de tensiones, concluye como Duel in the Sun, con un tiroteo mortal , aquí en un paraje cenagoso que retrotrae la magnífica persecución final de Hallelujah que, en cierta medida, constituye el primer antecedente de esta magnífica obra".

( Del crítico José María Latorre en "Dirigido por", número 100). 





Raoul Walsh :
Pionero de los Cineastas con Carácter.



Pese a haber perdido un ojo en medio de un rodaje, Walsh hizo maravillas en el cine.


Si hubo un director pionero de la individualidad creativa, a la sazón de una industria que premiaba lo contrario, éste fue Raoul Walsh ( 1887-1980), que logró mantener su independencia, haciendo de las películas por encargo, un relleno apropiado para expandir la suma y nata de sus inquietudes profesionales. 
Todo su cine, incluyendo el "alimenticio" estuvo subordinado a una mirada personalista de la camaradería masculina, de los personajes marginales, crispados, dementes y crepusculares, de las almas negras que pululan por el "thriller" policial, de los desadaptados con espíritu nacionalista en los relatos bélicos, de los errantes vaqueros y cowboys tras la búsqueda de la redención, y en fin, de los personajes volcánicos, individualistas, tremendamente seguros de sí mismos, capaces de contrariar todas las normas y que actúan como seres totalmente opuestos a su condición de ser o estar.
Walsh fue un cineasta de vida aventurera, amigo de Buffallo Bill, del escritor Jack London, del pintor Remington, y del actor John Wilkes Booth, que asesinó al presidente Lincoln y que encarnó en "El Nacimiento de una Nación" ( 1915 ) de David W.Griffith. 
Tal como lo recuerda el programa televisivo "Días de Cine", fue "un gran narrador de la épica y del intimismo". 
A su vagaje solariego, como otros pioneros del cine, Walsh fue un troglodita de la inspiración, pues bebía de los clásicos literarios, de las historias reales de personajes famosos, de la aventura crepuscular de seres decadentosos y de todo aquello que mereciera su atención, dentro de los cánones de la acción, donde las condiciones sociales enmarcan las acciones humanas.
Hijo de un irlandés dedicado al diseño de ropa y de una española, hace sus estudios secundarios en "Seton Hall", Nueva Jersey y viaja dos años por Europa, al término del cual , se pone a estudiar arte dramático con Paul Armstrong. Debuta en el teatro en 1910, dos años después lo hace en el cine, bajo la tutela del pionero David Wark Griffith. De él aprendió el oficio, como recuerda en sus memorias:
"Decía Griffith, que un buen director debía inspirar al actor que está bajo su preparación, de manera que este actor viva la escena. Hacer creer algo debe convertirse en realidad". 
Su primer trabajo para el cine, fue la olvidada "The Life of General Villa"( 1914), que hizo con William C.Cabanne para la Mutual, donde también actúa de Villa joven. Por cierto, se trata de un filme que muestra ficción y realidad sobre el revolucionario mexicano Pancho Villa, con la mayor parte de sus exteriores filmados en la "Casa de Villa en el Parral", cerca de la vieja misión de San Fernando en California.
Su carrera en la realización, comprende 110 películas que rodó en cincuenta años de trabajo. 
La mayoría de sus casi 40 películas mudas, las dirige para el productor William Fox, desde su debut oficial con : "Regeneración" ( "The Regeneration", 1915), que como recordó Walsh en sus memorias, le interesó por la amplitud que le procuraba la historia. 
"De nuevo podría poner en práctica, algo de la técnica que me había enseñado Griffith, sin nadie que me mirara por encima del hombro. Era la primera película de larga duración que jamás se hubiera realizado. Tuve a la fascinante rubia sueca Anna Q.Nilsson en el papel de estrella femenina y a Rockeliffe Fellows, recién llegado de los escenarios neoyorquinos, en el de protagonista. El argumento era muy elemental. La heroína dirige una misión en el Bowery para los necesitados de la ciudad. El héroe,  doblado de villano ( por aquel entonces se podían hacer estas cosas ), se burla de ella por dedicarse a las buenas obras. A pesar de que es un gángster , la muchacha se enamora y, a partir de aquí, es muy fácil imaginar lo que sigue. Pensé que si podía zafarme del formato estereotipado, tenía una oportunidad más... Griffith me había enseñado a economizar, a aprovechar las condiciones atmosféricas y otras, mediante una selección previa. "Rueda primero lo difícil. Las tomas fáciles pueden esperar". Después de aprender esta lección, siempre redacté personalmente el esquema de filmación en mis películas". 

El debut de Walsh en la dirección.

Actuando para Griffith como John Wilkes Booth en "El Nacimiento de una Nación".

Actuando en "La Vida de Pancho Villa" que también ayudó a supervisar para la Mutual.

Inusuales efectos visuales para su época contenía "El ladrón de Bagdad", una obra maestra del cine fantástico mudo.

Douglas Fairbanks Sr., es el héroe de la citada película muy recomendable.

"Sadie Thompson" : con la estupenda Gloria Swanson.

En "La Gran Jornada", con John Wayne, experimentó con las bondades del sonido y de la pantalla ancha.
El debut de John Wayne al lado de Marguerite Churchill, en un western con escenas espectaculares.

Dos grandes maestros del cine : Raoul Walsh y Ernst Lubistch.

"Héroes Olvidados" / "Los violentos años veinte" : James Cagney y Humphrey Bogart íconos del cine negro.

"Pasión Ciega" : Humphrey Bogart, Ann Sheridan y George Raft.
 
"El Ultimo Refugio" : la mezcla perfecta entre cine de gángsters y melodrama, con Humphrey Bogart e Ida Lupino.
En "El Ultimo Refugio" : Bogart viene de vuelta y decide asaltar para robar la caja fuerte de un hotel, con el fin de ayudar a una minusválida. Aquí acompañado de Arthur Kennedy en el momento del atraco.
"La Pelirroja" : interesante comedia romántica con James Cagney, aquí acompañado de : Jack Carson y George Tobias, que estaba ambientada en los primeros años del siglo XX.

De la etapa silente, también destacan en la filmografía de Walsh, sus obras : "El Ladrón de Bagdad" ( "The Thief of Bagdad", 1924), con Douglas Fairbanks, Snitz Edwards, Julanne Johnston y Anna May Wong, una maravillosa épica fantástica sobre "Las Mil y una Noches" plagada de sólidos momentos de fantasía para mayor gloria de su actor-estrella; "El Precio de la Gloria" ( "What Price Glory ? ", 1926) con Victor McLaglen, Edmund Lowe y Dolores del Río, primera adaptación de la obra teatral antibélica de Laurence Stellings y Maxwell Anderson, donde Walsh con su maestría característica, amplifica el espíritu desmitificador y realista en su deseo de mostrar la Gran Guerra en toda su monstruosidad; y "La Frágil Voluntad" ( "Sadie Thompson", 1928) con Gloria Swanson, Lionel Barrymore y Charles Lane, primera versión de una conocida obra draamática de Somerset Maugham, donde Walsh también actúa como en sus primeros días.   
Por un desafortunado accidente, pierde el ojo derecho, durante el rodaje del western sobre "Cisco Kid" : "En el Viejo Arizona" ( "In Old Arizona", 1929) con Warner Baxter, Edmund Lowe y Dorothy Burguess, que es su primera película sonora y que termina firmando Irving Cummings.
Heredero de la tradición clásica instaurada por Griffith, su extensa filmografía abunda en notables hallazgos , sobretodo en los géneros que mejor se adaptan a su sentido del ritmo y de la acción física como :  
a) El filme de aventuras, con un título imprescindible :   "El Caballero Audaz" ( Gentleman Jim", 1942 ), con Erroll Flynn, Alexis Smith, John Loder, Jack Carson y Ward Bond, uno de los siete largometrajes que hizo con Erroll Flynn para la Warner y que es una modélica historia de ambiente boxeril. Y la olvidada : "El Hidalgo de los Mares" ( "Captain Horatio Hornblower", 1951), con Gregory Peck, Virginia Mayo y Robert Beatty, una entretenida y sólida historia de aventuras naúticas acerca de un capitán inglés en el siglo XIX, en la travesía de ayudar a un enloquecido dictador en Latinoamérica, y que termina enfrentado a las fuerzas napoleónicas. 

b) El relato bélico, con películas como : "Jornada desesperada" ( "Desperate Journey", 1942); con Erroll Flynn, Arthur Kennedy, Alan Hale y Ronald Reagan   "Objetivo : Birmania" ( Objetive Burma!", 1945) con Erroll Flynn, James Brown, William Price, George Tobias, Henry Hull y Warner Anderson,  y "Más allá de las lágrimas" ( "Battle Cry", 1955), con  Van Heflin, Tab Hunter, Dorothy Malone y Raymond Massey, tres magníficos relatos donde estruja las variables del comportamiento grupal, en medio del horror y del caos de la paranoia belicista. 
c) El western donde se le considera uno de sus mayores cultores, por películas como : "La Gran Jornada" ( "The Big Trail", 1930), primera experiencia en pantalla ancha, con el debut de John Wayne como líder de una caravana de carromatos, que cruzan por territorio hostil , luchando contra los embates del clima, los asaltos sorpresivos, las enfermedades y la amenaza de los indios ; "Murieron con las botas puestas" ("They Died With Their Boots", 1941 ), con Erroll Flynn, Olivia de Havilland, Arthur Kennedy, Charles Grapewin, Gene Lockhart, Joe Sawyer y Anthony Quinn, una crítica y reflexiva visión a la figura del General Custer, que murió con sus hombres en la batalla de Little Big Horn, narrada por Walsh con sentido épico y romántico; "Río de plata" ( "Silver River", 1948 ) con Errol Flynn, Ann Sheridan y Thomas Mitchell ; un falso western que utiliza el cineasta, para lanzar una dura crítica al sistema éconómico americano en función de sus mecanismos más deleznables; "Tambores Lejanos" ( "Distant Drums", 1951 ) con Gary Cooper y Mari Adlon, excelente relato acerca de un aguerrido capitán, que al mando de un puñado de soldados, destruye a los traficantes de armas que comercializan con los indios y evita una revolución con los seminolas ; "Fiebre de Venganza" ( "Gun Fury", 1953 )con Rock Hudson, Donna Reed, Phil Carey y Lee Marvin, la lucha de un hombre por vengar a unos forajidos que le han raptado a su prometida; "Los implacables" ( "The Tall Men", 1955) con Clark Gable, Jane Russell, Robert Ryan y Cameron Mitchell, narrada con la pericia maestra de un conocedor absoluto del género, que estimula por su soberbia utilización de los ambientes exteriores, realzados por la magnificencia del color y con la insuperable sensualidad y elegancia de la Russell en su mejor etapa; y "La Brigada de los Valientes" / "Una trompeta lejana" ( "A Distant Trumpet", 1964 ) con Troy Donahue, Suzanne Pleshette, Ken Smith y Claude Atkins, donde reproduce los conflictos entre hombres de la armada contra los indios, para descubrir la esencia de la naturaleza humana, a partir  de situaciones sorprendentes y nunca rebuscadas. Este fue su último trabajo para el cine.
d) El cine negro, donde tiene obras maestras como : "Héroes Olvidados" / "Los Violentos años veinte" ( "The Roaring Twenties", 1939), con James Cagney, Humphrey Bogart, Priscilla Lane, Jeffrey Lynn y Gladys George,  que muestra el itinerario de tres amigos de la Gran Guerra durante la época de la prohibición, desarrollada con un vertiginoso ritmo, en un relato lleno de acción; "La Pasión Ciega" ( "They Drive by Night" , 1940), con George Raft, Ann Sheridan, Ida Lupino y Humphrey Bogart, una original mezcla de drama social y cine negro, desarrollada por Walsh con un aplicado sincretismo a propósito de su notable uso del montaje;  "El Ultimo Refugio" ( "High Sierra", 1941), que lanza al actor Humphrey Bogart en rol estelar, al interpretar a un  expresidiario de sínodo trágico, según un magnífico guión de John Huston y W.R.Burnett, que repitió después en clave western con el título de "Colorado Territory" ( 1949) y " Alma Negra" / "Al Rojo Vivo" ( "White Head", 1949) con James Cagney, Virginia Mayo, Margaret Wycherly, y Edmund O"Brien, "una película infernal, repleta de condenados, con una pandilla que merece un lugar de honor en el mejor museo del crimen". 
Se trata, por cierto de una obra redonda, que explora en la ruindad de la condición humana, en medio de relaciones cruzadas, sentimientos equívocos y lealtades larvadas, balaceras sorprendentes, fuegos explosivos, traiciones ocultas y la presencia evidente de la muerte. 
También son películas dignas de destacar de su filmografía : "Manpower" ( 1941), con Edward G.Robinson, Marlene Dietrich, George Raft y Alan Hale, un melodrama que no cuajó del todo porque la Dietrich sale demasiado sofisticada, pero cuenta con una excelente creación de atmósferas y una narración fluída que la hace interesante de ver; "La Pelirroja" ( "The Strawberry blonde",1941) con James Cagney, Olivia de Havilland, Rita Hayworth y Alan Hale, una comedia sentimental ambientada a principios de siglo, sobre la aparición de una antigua amante de un hombre de vida aburrida y tediosa, que tiene el encanto de estar narrada por Walsh con absoluta prodigiosidad, encanto y candor; y "Un Rey para cuatro reinas" ( The King and Four Queens, 1956) con Clark Gable, Eleanor Parker y Jo Van Fleet, en ambiente western es, sin embargo, una comedia acerca de un fugitivo que huye y encuentra refugio en una casa perdida en el desierto al amparo de cuatro hermosas mujeres, algo que le iba muy bien, publicitariamente a Gable, que por esos días, había resucitado en la taquilla gracias a películas como ésta. 

"Murieron con las botas puestas" : una visión realista del general Custer con Errol Flynn y Olivia de Havilland.
Curiosa foto en color de la citada película : Flynn defendiéndose, mientras observa Joe Sawyer.
"Jornada desesperada" : buen relato bélico con Errol Flynn, Arthur Kennedy, Alan Hale y Ronald Reagan.
"Gentleman Jim" : la historia de Jim Corbett, que de simple empleado de la banca, se transformó en campeón mundial de boxeo.
"Gentleman Jim" : es una hábil historia de costumbres de época, que mezcla los ambientes refinados de San Francisco, con los marginales del mundo pugilístico.
"Aventuras en Birmania" / "Objetivo : Birmania! : un notable filme bélico muy acabado en sus detalles formales, con Errol Flynn, destaca por su gran retrato de los soldados que participaban en la contienda.
"Río de Plata" : Errol Flynn y Ann Sheridan, en una curiosa metáfora sobre el sistema economicista americano.
En "Río de Plata" : Errol Flynn es un jugador inescrupuloso, que llega a tener gran poder y lo manipula oscuramente hasta que recapacita y vuelve por el buen camino.
"Juntos hasta la muerte" : Joel McCrea y Virginia Mayo, nueva versión en clave western de "El Ultimo Refugio".
"Alma Negra" : James Cagney arremetiendo con todo lo que se le cruce en el camino.
En el alma más oscura de James Cagney como un gángster sanguinario, existe una mujer, Virginia Mayo.
La invocación final a las puertas de la muerte y en la cima del mundo.
En el set de "El Hidalgo de los Mares", el director conversa con Gregory Peck.
La película marítima, destaca por sus logrados ambientes de época, aunque le faltó mayor vigor y ritmo.
"Tambores lejanos ": excelente western con Gary Cooper y Mari Adlon, conduciendo canoas a la largo del Mississipi.
"Los Implacables" : otro estupendo western rodado en magníficos exteriores, con Clark Gable.
"Un Rey para cuatro reinas" : Gable es el fugitivo. Y obvio el Rey.

Películas Fundamentales : 

"El Precio de la Gloria" ( "What Price Glory", 1926); "La Gran Jornada" ( "The Big Trail", 1930); "Desperate Journey" ( 1942); "Objetivo Birmania" ( "Objetive Burma! ", 1945); "Río de plata" ( "Silver River", 1948); "Juntos hasta la muerte" ( "Colorado Territory", 1949); "Tambores lejanos" ( "A distant drums", 1951); "Fiebre de Venganza" ( "Gun Crazy", 1953); "Más allá de las lágrimas" ( "Battle Cry", 1955); "Los desnudos y los muertos" ( "The naked and the dead", 1958); "Esther y el Rey" ( "Esther and the King", 1960) y "Una Trompeta lejana" ( "A distant Trumpet", 1964).




Obras Maestras :


"El ladrón de Bagdad" ( "The Thief of Bagdad", 1924); "Héroes Olvidados" / "Los Violentos años veinte" ( "The Roarind Twenties",1939);   "El Ultimo Refugio" ( "High Sierra", 1941); "Murieron con las botas puestas" ( "They Died With Their Boots", 1941); "El Caballero Audaz" ( "Gentleman Jim", 1942); "Jornada Desesperada" ( "Desperate Journey", 1942); "Alma Negra" ( "White Head", 1949) y "El Hidalgo de los Mares" ( "Captain Horatio Hornblower", 1951).


"The True Adventures of Raoul Walsh", es el más reciente documental que rescata su vida y su obra.

Características formales de su estilo :


"Raoul Walsh es un maestro en el género de acción, que dirige sus filmes con la intención de introducir a su público dentro de la aventura, clavarlo en sus asientos. Y en la forma, The Roaring Twenties observa las convenciones gangsteriles, reintroduciéndonos en lugares y con personajes que conocimos cuando Edward G. Robinson dijo Nyahhhh y James Cagney murmuró No soy tan duro. Aquí , de nuevo - o mejor , todavía-, hay clubs y mujeres duras y secuestros y duelos intramurales. Aquí encontraremos también una visión explícita de la vida fuera de la ley de un buen hombre desposeído, un Jean Valjean ( el de Los Miserables ), que no vive lo suficiente para reformarse". 
"La película está cargada de dualismos : crimen honesto contra leyes fascistas, el gángster honorable contra el gángster canalla, lealtad contra moralidad inculcada. El Ultimo Refugio también dirigido por Walsh , es llamado algunas veces el "último" de los viejos filmes de gángsters, por su mirada sentimental de un Humphrey Bogart envejecido y por su institucionalización del intérprete en su relevo de Robinson y Cagney como el antihéroe del estudio".  


( Ethan Mordden ).
 
Raoul Walsh en su etapa de actor en el cine silente.


El cineasta con la actriz y directora Ida Lupino.

Con Humphrey Bogart en el set de "El Ultimo Refugio".
En estudio rodando sobre un vehículo, una escena de : "La Pasión Ciega" ( a la izquierda) Walsh fumando, mientras observa a : Alan Hale, Ida Lupino y George Raft.

El célebre realizador con una de sus mascotas predilectas.

Un Comentario :


"A punto de cumplir los ochenta y seis años, pensé que estaba listo a jubilarme del todo, si me sentaba en el porche, en un balancín. Por lo tanto, agarré el balancín, lo metí en el corral y volé hacia París, donde Pierre Resseant , un genio organizando festivales de cine, había dispuesto un Festival Raoul Walsh en el que proyectaban la mayor parte de mis películas de los años treinta y cuarenta. 
Más tarde se organizó otro festival en mi honor, a cargo de Robert Bookman, un joven estudiante de leyes de la Universidad de Yale". 
"Empezaba a disfrutar de estos festivales, conociendo a gente joven, respondiendo sus preguntas y contándole las tribulaciones de un director".
"Hollywood, la capital espectacular del cine, había sufrido un extraño cambio. Los estudios se vieron obligados a vender centenares de viejas películas a la televisión. Ya se habían perdido varias acres donde se solían levantar los grandes escenarios; centenares de personas no tenían trabajo. En vez de cuatrocientas películas al año, la producción se mantenía entre quince y veinte. Ahora el público americano en general, veía desnudos en la pantalla en los cines normales y los de la censura entraron de nuevo en acción, "arreglando" todas las películas.
Ya no se daban las fiestas y banquetes lujosos, ni los estrenos sensacionales en los que las estrellas llegaban al Grauman"s Chinese Theatre en coches con chofer, luciendo sus pieles caras y las últimas creaciones de París y Londres. Hasta fecha muy reciente, las jóvenes promesas llegaban con chaquetas de cuero y pantalones, y sus acompañantes con poco más que unos sujetadores y una bufanda, pero afortunadamente tales atuendos miserables han empezado a desaparecer".
"Aquella tierra llamada Hollywood , era una abstracción mítica sin fronteras geográficas. Tanto si sus escenarios eran Manhattan, una pradera del Oeste en Nuevo México , la alta sierra, París, Londres, los Alpes, o un campo de naranjas en Los Angeles".
"Vi su nacimiento, su edad de oro y sus años de decadencia. Nunca fuimos los comedores de loto de la leyenda. Llevabamos a cabo una tarea sin fin, hecha de trabajo duro bajo una luz ardiente y un sol abrasador, la nieve y la lluvia, incluso arrastrando una cámara sobre un témpano de hielo. Estoy convencido de que la decadencia de Hollywood, de su gloria, no es debida a su senilidad. Por el contrario, es una caída temporal ( confío ), en la inmadurez de la adolescencia. Naturalmente hay notables excepciones, y valiosos nuevos talentos. Pero los inadaptados por vocación pululan por la industria, minando nó el oro, sino las montañas de basura. Su producto pestilente ha decantado a millones de clientes. Según predigo, regresarán sólo cuando se les den buenos filmes". 

( El realizador Raoul Walsh ).

Howard Hawks :  
La Amistad está en Peligro.


"Tengo diez mandamientos : los primeros nueve dicen :¡ no debes aburrir!

Quizás ningún director como Howard Hawks ( 1896-1977), para traslucir el verdadero valor de la amistad masculina en el cine, esa fuerza entrañable que mueve a los hombres a relacionarse entre sí, para sortear todos los escollos del destino y salir adelante, triunfantes. Ese lazo afectivo ajeno a implicancias homosexuales, válido y fortificante, que obliga a moverse dentro de un código moral de férrea solidaridad y con un fuerte sentido de pertenencia.
Hawks fue un maestro del cine. Un pionero que se movía con igual ductibilidad en los terrenos del western, la comedia, la aventura, el relato histórico, el cine negro y el policial. "Esta insólita versatilidad le había conferido, un lugar único en Hollywood, industria a la que se adaptó con la seguridad de un orfebre capaz de convertir cualquier piedra en arte. Sin embargo, no era reconocido como tal sino por sus pares y todavía hoy puede ser un enigma para muchos espectadores".
Como apuntan los críticos Ascanio Cavallo y Antonio Martínez : "Su clasicismo es tan extremo, que no se halla en ningún relumbrón histórico pues no introdujo revoluciones técnicas, no quebró los modelos narrativos y no inventó ningún género ( aunque los llevó a todos a sus cumbres ). Hawks no filmó la historia de su nación como Ford; bien por el contrario, sus obras escrutan siempre a pequeños grupos cerrados que se prueban así mismos en retos físicos. En su cine no importan nada el pasado ni la tradición. El héroe y la heroína de Hawks pueden ser libres, individuales y sólidos; no se parecen a los padres y madres fordianos. El tono conservador y republicano del western fundacional - otra vez Ford - es sustituído por un individualismo sutilmente subversivo, en todo caso más cercano a las fuentes liberales. El mundo de Hawks , correlativo con la trasparencia con que lo filma, es desnudo y claro, de deberes y responsabilidades, de valores y transgresiones; la ambigüedad proviene de la debilidad y camina siempre hacia la comedia".
Sus inicios en el cine, vienen por su afición por la ingeniería, profesión que estudió en el Cornell College. Su familia era dueño de una fábrica de papel en el medio oeste, hasta que la delicada salud de su madre los obligó a mudarse a California. Fanático de las carreras de automóviles, fue piloto y combatió como aviador de cazas en la Gran Guerra. Después de la contienda, comenzó a construír automóviles y aviones, y a la vez, aceptó trabajar como atrezzista en los estudios Paramount, donde aprendió su profesión.
En 1924 fue guionista, montador, ayudante del director y productor, hasta que debuta como realizador de comedias de una bobina, con el filme mudo "El Espejo del Alma" ( "The Road To Glory", 1925).
Como bien señala, el recordado crítico e historiador de cine Homero Alsina Thevenet : " Si George Cukor se distinguió por dirigir actrices, Hawks debe llevar el prestigio de saber manejar personajes masculinos, envueltos en historias policiales, en la guerra, en la aviación, en la cacería, en el automovilismo, casi siempre con la disciplina de hablar lo menos posible, sobre el cumplimiento del deber, tratar a la muerte como un hecho previsible, reducir la expresión de sentimientos a tres palabras, quizás un gesto. Esa línea se ejemplificó desde 1930 con "La Escuadrilla de la Aurora" / "La Escuadrilla del Amanecer" ( "The dawn patrol",1930), hasta "El Sargento York" ( "Sargeant York", 1941). Aunque en cada uno de esos filmes, pueden marcarse convencionalismos y concesiones, debe recordarse que "Scarface" ( 1932 ), fue no sólo un documento de su época ( sobre gángsters y Al Capone ) y con el tiempo un clásico, sino además un filme de tratamiento muy original que creó para George Raft el "gag" visual de la monedita tirada al aire y diseñó en la relación entre los hermanos Paul Muni y Ann Dvorak , un sugerido amor incestuoso, que Hawks dice haber trasladado del ejemplo de César y Lucrecia Borgia. Junto a la acción Hawks desarrolló también una inclinación por la comedia dislocada, que pareció teratral y demasiado verbosa en "La Comedia de la vida" ( "Twentieh Century", 1934), más lunática y delirante en "La adorable revoltosa" / "La fiera de mi niña" ( "Bringing Up Baby", 1938). Después de 1941, Hawks seguiría alternando entre ambos géneros, en otra de las típicas carreras irregulares de Hollywood, aunque los críticos franceses lo han declarado excelso y ejemplar". 

"La Escuadrilla de la Aurora" / "La escuadrilla del Amanecer" : la espectacularidad de las batallas aéreas.
"Scarface" : la realidad delincuencial que originó todo un género, con Paul Muni yAnn Dvorak.
Poster original de la película, considerada actualmente una obra maestra.

En "¡Viva Villa ! " , Wallace Beery en el papel del revolucionario mexicano.
"Bola de Fuego" : Barbara Stanwyck y sus hermosas piernas con Gary Cooper.
"Mi adorable revoltosa" / "La Fiera de mi niña" . el paleontólogo y su turbadora prenda.
El galán, la chica, que vive en Connecticut con sus tíos y el cariñoso leopardo Baby.
"Sólo los ángeles tienen alas" : la camaradería masculina en una aventura áerea desarrollada en Barranquilla, con Richard Barthelmess, Sig Rumman , Cary Grant  y Rita Hayworth.
Los escenarios que sugieren un apartado pueblo cerca de los Andes, están reconstruídos en estudio.


"Tener y no tener" : El talentoso Humphrey Bogart y la joven debutante Lauren Bacall, amor a primera vista dentro y fuera del set.

"El Sueño Eterno" : la consagración definitiva  de la pareja en el cine negro, según la novela de Raymond Chandler.
No cabe duda que, la química entre ambos intérpretes era perfecta.

La filmografía de Hawks comprende 32 películas, desde 1925 hasta 1970. 
Su producción amplia y variada, representa los mejores momentos del cine clásico americano. Su gran maestría en la dirección y el montaje , le permitieron alcanzar una simplicidad próxima a la perfección, en todos los géneros y estilos narrativos. Considerado el más americano de los realizadores que sucedieron a David W.Griffith.
Cabe destacar, entre sus obras más interesantes : "La escuadrilla de la Aurora" / "La Escuadrilla del Amanecer" ( "The dawn patrol", 1930), con Richard Barthelmess, Douglas Fairbanks Jr.,y Neil Hamilton, una muestra clásica de su estilo viril, en el ambiente de los pilotos oficiales que esperan sus misiones de vida o muerte en Francia, durante la Gran Guerra; "Scarface" ( 1932),con Paul Muni, Ann Dvorak, George Raft, Boris Karloff, Osgood Perkins, Karen Morley y Vince Barnett,  la pieza maestra del cine negro, que vitaliza Hawks en relación a sus múltiples lecturas : Al Capone dominando el bajo mundo, la obsesión del mafioso por alcanzar la cima; la errática relación amorosa con su hermana; sus desaveniencias con su "partenaire" al casarse en secreto con la chica; sus toques de humor, y en fin, su notable uso del sonido para sugerir momentos de crispante violencia; "¡ Viva Villa!" ( Viva Villa !, 1934), con Wallace Beery, Leo Carrillo, Fray Wray y Donald Cook, aunque no está acreditada a Hawks ya que la terminó Jack Conway, tiene momentos clásicos de su cine, al impregnar de un nervio singular la figura del insurrecto Pancho Villa con la mordiente de los grandes héroes rebeldes e individualistas; "La Comedia de la Vida" ( "Twentieh Century", 1934 ) con John Barrymore, Carole Lombard, Roscoe Karns y Walter Connolly, la ascensión de una estrella de Broadway creada por un enérgico productor teatral, su fuga a Hollywood y los subterfugios de su mentor, inventándose una falsa muerte para que ella regrese, según un magnífico guión de la pareja Hecht-MacArthur, que Hawks devora, en una segunda parte a casi 120 kilómetros por hora, como era su particular estilo narrativo; "Ciudad Sin Ley" ( "Barbary Coast", 1935) con Edward G.Robinson, Miriam Hopkins, Joel McCrea y Walter Brenann, la historia de un estricto propietario de un nightclub que convierte en estrella a una mujer abandonada, en medio de la tormentosa fiebre del Oro en San Francisco, llevada a la delicia emotiva por el buen pulso narrativo de Hawks, ágil y certero; "La Fiera de mi niña" / "Mi adorable revoltosa" ( "Bringing Up Baby", 1938) con Katharine Hepburn, Cary Grant, Virginia Walker, May Robson, Charles Ruggles, Walter Clatett y Barry Fitzgerald, una modélica comedia sobre la lucha de sexos, - un tema recurrente en la obra de Hawks - , con el choque entre un palenteólogo tranquilo y ordenado y la hija de un millonario, dislocada y tremendamente volcánica; "Sólo los ángeles tienen alas" ( "Only Angels Have Wings", 1939) con Cary Grant, Jean Arthur, Richard Barthelmess, Rita Hayworth, Thomas Mitchell y Sig Rumann, magnífica película de aviación, alrededor de un puerto latinoamericano en Barranquilla, sazonado de humor, ironía, suspenso, romance y unas increíbles maquetas de aviones que simulan el vuelo entre los Andes precordilleranos, con un Barthelmess lleno de traumas y una Hayworth en los inicios de su sensualidad arrebatadora; "El Asunto del día" / "Luna Nueva" ( "His Girl Friday", 1940), con Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy y Gene Lockhart, un triángulo sentimental alrededor del mundo periodístico, que es una "remake" de "Primera Plana", ya filmada con anterioridad y repetida más adelante por Billy Wilder y Albert L.Brooks, sobre la pieza teatral de Ben Hecht  y Charles MacArthur, que Hawks lleva a los extremos de la vertiginosidad, con sus diálogos golpeados, su acción interior trepidante y sus escenas breves y resueltas con absoluta celeridad; "El Sargento York" ( "Sergeant York", 1941) con Gary Cooper, Joan Leslie, Walter Brennan, George Tobias y David Bruce, pieza insustituíble del heroismo bélico, a partir de la vida real de un campesino cuáquero pacifista que debe combatir a los alemanes con su certera puntería legada de las cacerías en el campo; "Bola de Fuego" ( "Ball of Fire", 1941) con Barbara Stanwyck, Gary Cooper, Dana Andrews, Oscar Homolka, Henry Travers, S.Z.Sakall, Richard Haydn y Tully Marshall, otra extraordinaria comedia sentimental que es "Blancanieves y lo siete enanos" en clave adulta, llena de chisporroteante hilaridad, por lo que  el "Time" dijo de ella que contenía "algunas de las expresiones más jugosas, sorprendentes y afortunadas del lenguaje popular recogidas nunca por el celuloide", incluía escenas tan divertidas como la de Sugarpuss O"Shea enseñando a bailar conga a sus anfitriones solteros ; "Tener y no tener" ( "To Have and Have Not", 1944) con Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Walter Brennan, Hoagy Carmichael y Dolores Morán, un fantástico "thriller" basado en una novela de Ernest Hemingway, donde el dueño de una embarcación pesquera en la Martinica, termina ayudando a los franceses frente a los nazis, en medio de un clima opresivo y nauseabundo y "El Sueño Eterno" ( "The Big Sleep", 1946) con Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Martha Vickers, John Ridgely, Charles Waldron y Regis Toomey, un nuevo modelo de maestría del cine negro, esta vez adaptando la famosa novela de Raymond Chadler, con el detective Philip Marlowe descifrando un rocambolesco enigma policial y que Hawks transforma en una lucha entre ambos sexos, que durante la mayor parte del tiempo, concentran brutalidad, acción, tensión y metáforas visuales muy sugerentes.   


En "Río Rojo" : el debutante  Montgomery Clifft con Harry Carey Sr., Walter Brenann y Hank Worden, entre otros.
En "Río Rojo", un envejecido John Wayne y un desdentado Walter Brenann, un rol que repitió varias veces a lo largo de su carrera.


La pareja de Wayne en el mítico western : Joanne Dru.
"Río Bravo" : con John Wayne, Dean Martin y Ricky Nelson en el set.


El cineasta conversando con sus dirigidos antes de iniciar el rodaje. Nótese el detalle de las botas de Wayne y el cigarrillo de Hawks.
"Río Lobo" : Hawks y  Wayne en su última etapa profesional.

Afiche publicitario de "Rio Lobo".



"El Dorado" : Wayne y Robert Mitchum en una divertida visión de la vejez.


Un capítulo aparte dentro de su obra son sus "Ríos"- westerns que formulan una visión realmente original de la historia del far west.
Comenzó con la gran epopeya "Río Rojo" ( "Red River", 1948) con John Wayne, Montgomery Clift, Joanne Dru y Walter Brennan, sobre la novela de Borden Chase, donde el cineasta dibuja un entusiasmante y vigoroso western de itinerario, a partir de la idea de un arreo de ganado trasladado por un viejo ranchero y su hijo adoptivo que terminan enfrentándose, y que cuenta de manera épica, con toda la espectacularidad del paisaje y de las situaciones extremas vigorizadas por su particular estilo de montaje.
Continúo con "Río de Sangre" ( "The Big Sky", 1952) con Kirk Douglas, Dewey Martin, Arthur Hunnicut, "de espíritu documentalista, este western es un elogio a la vida errante. Unos cazadores de pieles que desean ganarse la amistad de los indios para tratar con ellos, mueven toda la mecánica interna de este film".
En su contexto, se perfilan sus preocupaciones temáticas habituales como : la amistad y el honor entre los aventureros, pero también sus choques frente a los aspectos sentimentales de la historia. 
Después rodó : "Río Bravo" ( "Rio Bravo", 1959) con John Wayne, Dean Martin, Angie Dickinson, Ricky Nelson, Walter Brenann , Ward Bond, Claude Akins y Pedro González- Gonzales, "un western paradójico, debido a la sustitución de los espacios abiertos por la atmósfera cerrada de un pueblo que, además, está en el condado de Presidio".
Modelo de economía de recursos, es también una metáfora sobre el valor y la gallardía de un sheriff venido a menos, debido a unos amigos limítrofes, un alcohólico impenitente y un anciano minusválido, en los cuales deposita la confianza y el arrojo de "la profesionalidad de su causa". 
"Río Lobo" ( "Río Lobo", 1970) con John Wayne, Jorge Rivero, Jeniffer O"Neill y Jack Elam, donde vuelve a revisionar los códigos morales de sus anteriores westerns, para contar la historia de una venganza, después de la guerra de Secesión. Fiel a sus intereses éticos, Hawks cerró su brillante carrera con este film.
Cabe agregar a estas películas : "El Dorado" ( "El Dorado", 1967) con John Wayne, Robert Mitchum, James Caan y Charlene Holt, especie de revisitación a "Río Bravo", pero con todas las preocupaciones centradas en la vejez, en una reflexión muy personal acerca de la ancianidad y la espera de la muerte, mantiene su encanto, gracias a sus estupendas actuaciones y ese sentido crepuscular, que Hawks acomoda con mucho humor y gracia.   

En "Los Caballeros las prefieren rubias" , Marilyn Monroe y Jane Russell buscan millonarios como compañía a costa de vivir desaires y enredos de línea muy humorística.
 
Los números musicales son la entrada fuerte del relato.

Charles Coburn el hombre del monóculo,. se lo pasa muy bien con la rubia y la morena de la historia.

"El deporte favorito del hombre" : las afortunadas redes de un pescador por ocasión.

Hawks dirigiendo a los extras en la épica histórica : "Tierra de Faraones".

Lobby card de la película con Joan Collins.
Jack Hawkins en una escena de la película con la hermosa Joan Collins en su juventud.

Serie de lobby cards de : "Rojo, 7000 Peligro".

Los actores del filme : James Caan, Laura Devon  y Gail Hire.

Afiche de "Hatari", cazadores en el Africa, encabezados por John Wayne.





En otro sentido, Hawks en los años 50 y 60 hizo valiosas películas para revisitar en DVD. 
El díptico con Marilyn Monroe : "Me Siento rejuvenecer" ( "Monkey Business", 1952) con Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn,Hugh Marlowe, Larry Keating y George Winslow y "Los Caballeros las prefieren rubias" ( "Gentlemen Prefer Blondes", 1953) con Jane Russell, Charles Coburn, Elliot Reed y George Winslow. La primera, acerca de los esfuerzos de un doctor por encontrar el elixir de la eterna juventud, que termina viviendo una aventura con la secretaria de su jefe, despreocupándose de su propia esposa; y la segunda, una caústica y divertida historia sobre dos amigas cantantes y bailarinas a la caza de multimillonarios en viaje en un barco desde Nueva York a París.
La sensacional "El deporte favorito del hombre" / "Su juego favorito" ( "Man"s Favorite Sport ?", 1964) con Rock Hudson, Paula Prentiss, María Perschy  y John McGiver, acerca de un novato pescador que por los gajes del destino, termina logrando éxitos como si la suerte hubiese tocado a su puerta, en medio de la temática recurrente de Hawks : los choques entre los sexos, el matriarcado, la inversión y las tribulaciones del corazón. 
La cinta histórica "Tierra de Faraones" ( "Land of Pharaons", 1955) con Joan Collins, Jack Hawkins, y Dewey Martin, su primera incursión en el formato "CinemaScope" realzada por la magistral recreación de época, sobre la construcción de la pirámide de Keops, está llena de un exotismo abrasador que no fustiga la temática recurrente de la justicia , preocupación compartida por el guionista William Faulkner, donde Hawks parece moverse a sus anchas.
La película de aventuras : "Rojo 7000, Peligro" / "Peligro...Línea 7000" ( "Red Line 7000", 1965) con James Caan, Laura Devon, Gail Hire, Charlene Holt, John Robert y Mariana Hill, es "una historia sobre corredores de autos enfrentados a pruebas limítrofes. 
La singular : "Hatari!  ( "Hatari", 1962) con John Wayne, Elsa Martinelli, Hardy Kruger y Gerard Blain, que es la quintaesencia de las películas de aventuras, que rompe los moldes clásicos de los relatos de safaris y manifiesta un divertido humor socarrón, los tintes documentalistas y el nervio de un puñado de seres humanos enfrentados al mundo salvaje.
Considerada un modelo de construcción dramática, revela los dos aspectos fundamentales de su estilo maestro : su milimétrica precisión narrativa y la energizante vitalidad de sus ambientes.


Hawks dirigiendo en "Río Rojo" a un jinete, que porta en su espalda un equipo de walkie-talkie para transmitir instrucciones durante el rodaje del arreo de cientos de cabezas de ganado.


Películas Fundamentales / Obras Maestras :

"Scarface" ( 1932); "Mi adorable revoltosa" ( "Bringing Up Baby", 1938); "Sólo los ángeles tiene alas" ( "Only Angels Have Wings", 1939); ""El Sargento York" ( "Sargeant York", 1941); ""El Sueño Eterno" ( "The Big Sleep", 1946); "Río Rojo" ( "Red River", 1948); "Los Caballeros las prefieren rubias" ( "Gentlemen prefer blondes", 1953); "Río Bravo" ( 1959) y "Rojo 7000, Peligro" / "Peligro...línea 7000" ( "Red Line 7000, 1965). 

El realizador en tono reflexivo.

Características Formales de su Estilo : 

Su precisión argumental y la vitalidad que emana de su universo. Es un cine que se adelantó a su tiempo. Como señaló en su momento Henri Langlois a propósito de "Río Bravo" : "A quien quiera quedarse con la imagen más noble y jugosa de la condición humana, captar la comprensión austera y más fraternal, debemos aconsejar ir de nuevo a ver Rio Bravo. Esta película es por sí sola, la demostración evidente del esplendor de un género que puede condensar las directrices más vigorosas de la epopeya, del divertimento adulto, de la tragedia y de la meditación moral. Su característica común es quizás esta armonía entre lo trágico y lo humorístico, que hace de la vida humana un juego a asumir con el máximo rigor posible".

"El Sueño Eterno" : la subjetividad romántica arrebatadora de un film noir.


Un Comentario :

"El Sueño Eterno ( "The Big Sleep"), carece de una trama lineal y bien definida, un rasgo quizás más acentuado en este caso que en cualquier otro clásico de Hollywood. Es legendaria la anécdota que recoge la discusión entre el director, Howard Hawks , y el protagonista, Humphrey Bogart, acerca de la muerte de uno de los personajes, del cual no estaba claro si había sido asesinado o se había suicidado. Hawks consultó a Raymond Chandler autor de la novela en que se basa el guión, quien tampoco fue capaz de llegar a una conclusión definitiva. Aunque la primera versión de El Sueño Eterno presentaba una escena que arrojaba algo de luz sobre la historia, se eliminó del montaje final porque los espectadores de los pases previos reaccionaban negativamente ante la misma. Esta decisión no sólo contribuyó a acelerar todavía más el vertiginoso ritmo narrativo que caracteriza a Hawks : también hizo que el argumento pareciera más laberíntico. La película parece negar al espectador la posibilidad de llegar a ningún conocimiento objetivo, por lo que trastoca por completo el patrón del cine negro clásico. Así, el desarrollo de la historia no viene predeterminado por la presentación y el esclarecimiento de un caso espinoso, sino por la descripción atmosférica de un universo absolutamente criminal".

( El critico alemán Jörn Hetebrügge ).    

Fotos Gentileza : Warner Bros. - Paramount Pictures - Columbia Pictures - MGM -  20 th.Century Fox- "The Sun" de Nueva York - Film Society Lincoln Center - Cine Silente Mexicano - "Los Angeles Times" - "Variety" - Dr.Macro - A Certain Cinema - "The New York Times" - Inside Out - Archivo.-



Poster de "Caballero sin espada", obra maestra de Frank Capra.

Afiche promocional de "Hacia otros mundos" de King Vidor.
"Aventuras en Birmania" / "Objetivo : Birmania", un relato bélico de gran realismo de Raoul Walsh.
"El Sargento York", pese a su tema, es una gran película antibélica de Howard Hawks.