Quien ama la vida, ama el Cine.

Quien ama la vida, ama el Cine.
El cine es como la vida,pero vista a traves de la subjetividad de un lente.

jueves, 5 de julio de 2012

Grandes directores del Cine Actual - Cut 20 :

De Aquí a la Eternidad.

En nuestro último viaje de este primer ciclo dedicado a los Grandes Realizadores del Cine contemporáneo, hemos elegido ocho nombres primordiales, para completar 112 revisitaciones que los incentiven a descubrirlos en sus obras más trascendentales.
Prometemos más y mejor en futuras entregas. Por ahora, aquí están los últimos ocho directores para que repasen con nosotros sus carreras y sus películas que, insisto, sólo están a la vuelta de la esquina con sólo apretar el "play" del control remoto. Un viaje para disfrutar en casa.  


Carroll Ballard : 
El Cine norteamericano de la imagen ecológica.

De fotógrafo de documentales y realizador de spots comerciales, pasó a ser un destacado director de largometrajes.

Seis largometrajes y un corto, conforman la breve filmografía del director norteamericano Carroll Ballard ( nacido en 1937 ), un olvidado de las antologías del cine. Sus temas predilectos siempre han sido en relación a la naturaleza. Por eso, ha trabajado con niños y animales, un hecho prohibido en razón de las altas exigencias y requerimientos que tiene mantener en el set animales y chicos.
Desde que Francis Ford Coppola lo convidara a rodar "El Corcel negro" ( "The black stallion", 1979 ), nunca ha dejado de interesarse por los temas relativos a la ecología, la supervivencia del hombre en el medio salvaje y la relación de los niños con los animales, una temática predilecta del cine desde sus primeros tiempos. Recuerden la numerosa cantidad de películas que han abordado la temática de la infancia y su empatía con el mundo animal. Rin Tin Tin y Lassie, salvando a sus amos en situaciones límites. Azabache y Flipper haciendo lo suyo, en proezas para aplaudir de pie. La mona Cheeta acaparando las mejores partes cómicas de la saga de "Tarzán". André la foca intentando abrirse espacio en un mundo hostil, mientras Willy la ballena y Winter el delfín, se adaptan al cautiverio feliz con la ayuda de los niños.
Todos en su medida, replicando los valores de la domesticación y la nobleza humana más práctica y hogareña.
Al respecto, Carroll Ballard es un pequeño gran maestro del cine ecológico, desde que debutara con la estupenda "El Corcel Negro" ( 1979 ), adaptación de la novela de Walter Farley, que tiene un encanto y un valor estético incuestionable. 
 


"El Corcel Negro" : el debut de Ballard con la actuación de Kelly Reno, en una adaptación de la novela de Walter Farley.









"El Corcel Negro" ( 2, 3 y 4  )  : Caleb Deschanel deslumbró con su fotografía.
       
"El Corcel Negro" ( 5 ) : Mickey Rooney postuló al Oscar por este rol.
 
"El Corcel Negro"" ( 6 ) : el triunfo de la carrera donde todos se reúnen.


"El Corcel Negro" ( 7 ) : la magia de la película en la belleza del paisaje y del equino.


Como eximio director de fotografía de documentales y director de spot comerciales, el cineasta logró reflotar el gusto por el cine de aventuras, con la historia de un niño superviviente de una tragedia naútica, que hace lo imposible por sobrevivir en una isla abandonada, con un brioso corcel árabe. 
De antología toda la escena - sin diálogos -, del acercamiento paulatino que tiene el chico con el dichoso caballo. Estudio de caracteres, notablemente resuelto por el montaje funcional, la música y el uso expresivo de la fotografía del destacado Caleb Deschanel. Pero además, la película rescata el relato de época con un Mickey Rooney inolvidable en el rol del "jockey" retirado, que vuelve a la hípica, después que al niño lo reincorporan a su vida coloquial con el corcel como compañero de juerga.
Es una cinta maravillosa, porque fustiga las contrariedades de la modernidad con la sabiduría de la naturaleza.  




"Los lobos no lloran" : magnífico relato de supervivencia en el Artico.


"Los lobos no lloran" ( 2 ) : desolados paisajes articos ambientan esta notable película realista.


"Los lobos no lloran" ( 3 ) : la lucha extrema por la alimentación.




"Los lobos no lloran" ( 4 ) : la visita inesperada al improvisado campamento.


"Los lobos no lloran" ( 5 ) : el horizonte infinito de la perspectiva incierta.




"Los lobos no lloran" ( 6 ) : improvisando una pieza clásica frente al imponente paisaje agreste.




Más tarde, Ballard filmó "Los lobos no lloran" ( "Never cry wolf", 1983 ), para muchos su obra maestra. Habla de la supervivencia de un hombre estudioso de los lobos en el Artico.  Pero es además, un implacable estudio de la fragilidad humana en situaciones límites. 
Al trabajo interpretativo de Charles Martin Smith, -  que después se ha dedicado a dirigir películas  de terror y de animales como "Winter el delfín" - , el cineasta contrapone con inteligencia los manierismos de los animales en estado salvaje. La adaptación, la supervivencia, el sentido real de las cosas desconocidas, la búsqueda de la razón en un mundo hostil, son temáticas recurrentes de su filmografía. 


"Volver a Casa" : la aventura de una niña ( Anna Paquin ) por salvar unos gansos salvajes en Canadá.


"Volver a casa" ( 2 ) : preparando la travesía por los cielos.

"Volver a Casa" ( 3 ) : cuidando los polluelos como "Mamá Ganso".


"Volver a Casa" ( 4 ) : preparando las criaturas para regresar al nido.



"Volver a Casa" ( 5 ) : Nunca es tarde para aprender.


En "Volver a casa" ( "Fly away home", 1996 ), toda la cruzada de la niñita con los gansos salvajes del Canadá, presupone un estudio del comportamiento de la vida natural. Se basa en el trabajo de campo del científico Bill Lishman.
Como Kelly Reno en "El Corcel Negro", Anna Paquin replica la lucha por la vida de esas aves, para crecer dentro de una familia con valores y principios cercanos a la postguerra. Epoca de mayor progreso intelectual, y de asentamienmto de la ecología como ciencia y motor de exigencias universales.
 
"Duma" : en pleno desierto sudafricano, las aventuras del niño y la cheeta apenas comienza.
 
"Duma" ( 2 ) : la amistad con un nativo le llevará por grandes derroteros.


"Duma" ( 3 ) : la travesía en balsa por las peligrosas aguas del río.


"Duma" ( 4 ) : A la velocidad de una motocicleta, también la cheeta puede correr sin distraerse.


"Duma" ( 5 ) :  Alexander Michaeletos estelariza su única película en cine.


"Duma" ( 4  ) : eterna amistad entre el niño  y su amigo salvaje.

Su última película rodada en Sudáfrica "Duma" ( 2005 ), es la historia de un niño y una "cheeta", a propósito de la enfermedad de su padre  y de la ausencia progresiva de su madre.
 La película  es una aventura familiar y se inicia en el cautiverio del animal que escapa con el muchacho, para buscar las razones de existir que no puede hallar estando encerrado en casa.
"Duma" tiene como todas las películas de Ballard, un detallado trabajo fotográfico en exteriores, maravillosos momentos de crispante emoción y un surtido de anécdotas, que ocurren en el viaje por el desierto, las praderas y los llanos de la salvaje Sudáfrica.
Bien narradas y estructuradas, las películas de Ballard tienen un alto grado de interés como pasatiempos de raíz ecológica, que pretenden incentivar las múltiples perspectivas que tiene el relato de aventuras, enriquecidas con moralejas y valores humanos de nobles propósitos. 
Un cine saludable para  toda la familia.
 



Curtis Hanson : 
El Cine de la redención marchita.


Experto en thrillers policiales y comedias, el cineasta ha cosechado sus laureles.

Los primeros pasos que dió el director y productor estadounidense Curtis Hanson ( nacido en 1945 ) en el mundo del cine, fueron a través del oficio de guionista. Siempre en producciones de bajo presupuesto, logró conocer el lenguaje audiovisual y especializarse en la creación de atmósferas, la conciente delineación sicológica de los personajes de un relato y la estructuración adecuada de la acción y el suspenso.
En esta perspectiva, alternando después su carrera de realizador con la de guionista,cosechó sus mayores logros con títulos como "La mano que mece la cuna" ( 1992 ) ,  "L.A. al desnudo"( 1997 ), su obra maestra, y "La Calle de las Ilusiones" ( 2002 ).
El cine de Hanson, tiene sus referentes en el thriller, la comedia y el relato de suspenso.
Su filmografía comprende trece largometrajes, una colaboración en un filme colectivo y tres trabajos para la televisión. 
 

"La mano que mece la cuna" : Rebecca de Mornay como una niñera en busca de venganza.


"L.A. al desnudo" : la corrupción y los excesos en un thriller de notable factura.
 
"L.A. al desnudo" ( 2 ) : Kim Basinger sufrirá las consecuencias del mundillo vicioso de las estrellas.


De todas sus películas, destacamos tres producciones consideradas las más famosas de su carrera.
 "La mano que mece la cuna" ( "The hand that rocks the cradle", 1992 ), un thriller con todos los tópicos del "suspense" a lo Hitchcock. Una "baby sitter" ( Rebecca De Mornay ), que curiosamente se mueve entre la luz y las tinieblas, el sínodo de venganza sicopatológica, y la tensión alambicada en un relato complejo, algo maníqueo, esquemático, pero muy efectivo en sus objetivos primordiales de mantener al espectador al borde del asiento.
"L.A. al desnudo"( 1997 ), su obra maestra, basada en el tercer volumen de la serie de novelas de James Ellroy, acerca de crímenes históricos acontecidos en Los Angeles entre 1947 y 1960. 
Un notable relato policial de época, ambientado en el Hollywood de la era de los grandes estudios en los años cincuenta, que descubre al espectador la podredumbre humana que se esconde tras los manejos de la vida íntima de las estrellas y de los negocios ilícitos. 
Una clase magistral de buen cine, no sólo por la brillante trasplantación de la moda y los manierismos de la industria, sino porque se trata de una acabada historia policial elaborada a la manera de los clásicos.
Hay antihéroes maravillosos en su compleja sicología, una radiografía más o menos sumaria de las enrevesadas relaciones de la producción con respecto a sus estrellas, y la siempre inconmensurable bazofia de los medios de comunicación. Espectacular narrativa que se beneficia del tratamiento del color, de los decorados y de la puesta en escena.



"L.A.al desnudo" ( 3 )  : tres policías, tres caracteres, tres formas de sobrevivir en un mundo oscuro.

El farsante Jack Vincennes ( Kevin Spacey ) , el ambicioso Ed Exley (  Guy Pearce )  y el cínico  Bud White ( Russell Crowe ), es un trío de jóvenes policías que trabajan en la guarnición de Los Angeles, y que se enfrentan a una serie de actos de corrupción, intentando sostenerse en un mundo carcomido por las ambiciones de poder, la codicia, la avaricia y  la maldad.
Desde el asesinato de un homosexual hasta la muerte de un reportero, todos los hechos encadenados que se muestran , sirven como un colofón que eclipsará hasta los propios personajes, disminuídos en la compleja de red de  perversiones y negocios sucios que hay bajo cuerda.
La ética, la ambiguedad y la inagotable trama de traiciones, marcaran la historia que lleva hasta sus últimas consecuencias la idea de que, en un mundo podrido no se salva ni el más astuto y locuaz de sus integrantes. Lo interesante de Hanson , está en su magnífica puesta en escena, una excelente recreación de época que le saca partido a la pantalla ancha, apoyado en el singular trabajo de producción, que integra el vestuario, el maquillaje, los decorados, la música de Jerry Goldsmith y la maravillosa fotografía del experimentado Dante Spinotti.Su cámara filma imágenes precisas y atemporales y evita las referencias típicas del cine negro como las sombras largas.


"L.A. al desnudo" ( 4 ) : gran trabajo fotográfico de Dante Spinotti.

Como asevera el crítico Heinz-Jünger Köhler, "El argumento es complejo y difícil de seguir la primera vez, pero Hanson no le da tanta importancia a esto como a las escenas individuales que condensan la amoralidad de la ciudad en imágenes chocantes, como la de Vincennes diciendo que ya no recuerda porque se hizo policía". 
A estos logros hay que añadir la solvente narrativa que el director conduce a puerto seguro con un montaje funcional para acentuar irrupciones policiales sorpresas, tensión  preliminar, sorpresas de último minuto y vueltas de tuerca que dejan más de una triste consecuencia.
Notable es aquella secuencia, donde intercambian diálogos punzantes policías y delincuentes negros, falsamente inculpados de un crimen y que resume lo mejor del trabajo directivo al mantener el suspenso al borde de la crispación.
Cabe destacar en un apartado señero, al inolvidable elenco de actores que integran : Kevin Spacey, Russell Crowe, Guy Pierce, Kim Basinger, Danny De Vito, James Cromwell y David Strathaim.
"La Calle de las Ilusiones"( 2002 ), especie de autobiografía de Eminem, con varias basas a su favor : magnífica ambientación callejera, sutiles actuaciones, notable ritmo narrativo y una película nada de simplona, y muy referencial de la moda del hip hop, sus ramificaciones contraculturales, su alegato social, y su osada manera de manifestar la rabia  y la furia de los desplazados.



"La Calle de las Ilusiones" : El rapero  Eminem en su revelación cinematográfica.


"La Calle de las Ilusiones" ( 2 ) : todo el ambiente callejero en una intensa y lograda película.


"En sus zapatos" : la comedia divertida y pasajera de los "nuevos tiempos" del cineasta, con Cameron Díaz..

"En sus zapatos"( 2 )  : como siempre en las películas de Hanson se destaca la fotografía.
 
"Lucky you" : insiste el director en la comedia ligera con Drew Barrymore, entre otros.

Sus últimas películas vuelven a la línea más conformista del creador de comedias urbanas. En efecto, "En sus zapatos" ( "In Her Shoes" ( 2005 ) y "Lucky You"( 2007 ), pasan como simples divertimentos pasajeros, que no aportan o disminuyen en nada sus grandes logros, y por el que es recordado y admirado.



Kim Basinger inolvidable en "L.A. al desnudo".

Un comentario : " Resulta impresionante observar como el toque de elegancia y sutileza en el ambiente de L.A. al desnudo parece proceder de los actores e influír en ellos."
( "Cahiers du Cinema" ).



Stephen Daldry :
El Cine de la tolerancia y el existencialismo infantil.


Trabajando en exteriores con su mejor amiga, la cámara cinematográfica.


Comenzó su carrera con la centuria y es que, el director y productor británico Stephen Daldry ( nacido en 1961 ), ha logrado en cerca de una década, el reconocimiento internacional, gracias a una manera de narrar que tiene mucha profundidad sicológica, excelente empleo del montaje paralelo y una significación fundamentada en los temas que preocupan como :  la tolerancia, la fugacidad del amor, el paso inexorable del tiempo y sus consecuencias en el futuro, y las disonancias familiares producto de la pérdida, la muerte o la enfermedad. Todo su cine tiene un interés en el contexto de las relaciones humanas, en la practicidad del legítimo descubrimiento de las verdades que afligen, en la sumisión a los ideales nobles y perpetuos, y en fin, en las motivaciones afectivas que hacen grande el corazón de una mujer, el esfuerzo de un niño, o el ímpetuo de un hombre.
En su cine son valederos los sentimientos familiares, aunque tiende a reforzar la idea de la espiritualidad como motor de los deseos y aspiraciones.
En su película debut, "Billy Elliot" ( 2000 ), hace una escrutadora visión de la administración de Margaret Thatcher, a propósito de la historia de un niño de once años ( Jamie Bell, que resulta toda una revelación ), que en el pueblo minero de Durham, azotado por las huelgas, descubre en plena clase de boxeo su vocación artística a la danza. Los problemas que aparecen en  su camino son numerosos. Por una parte, la escasa situación económica de su familia hace imposible financiar las clases de danza. Además, su padre reacciona violentamente contra la idea de ver a su hijo como "mariquita" bailando clásicos. De ahí, la duda de la identidad sexual del hijo que en la mirada más tradicional, aparece como un chico despierto, sensible y quizás homosexual. A todo esto se suma, el clima enrarecido de las huelgas que se adivina oscuro y catastrófico.



"Billy Elliot" : la tolerancia por el estudio de una disciplina creada para mujeres.


"Billy Elliot" ( 2 ) saltando en el aire, al inicio junto a los créditos del filme.


"Billy Elliot" ( 3 ) : en el pueblo minero en medio de huelgas y movilizaciones.


"Billy Elliot" ( 4 ) : la amiga resuelta a ayudarle en medio de la crisis.


"Billy Elliot" ( 5) : la profesora le incentiva a perseverar en busca de sus ideales vocacionales.

"Billy Elliot" ( 6 ) : la confusión de los amigos respecto a su rol masculino.


"Billy Elliot" ( 7 ) : el entrenamiento formal en el incentivo a la perfección.


"Billy Elliot" ( 8 ) : las conversaciones con papá buscando su tolerancia y apoyo afectivo.


Retrato sociológico de la clase obrera inglesa, "Billy Elliot" es también una lúcida metáfora acerca de la aceptación social de un niño, que decide efectuar algo distinto, en medio de una vida agitada, restrictiva y miserable.
Daldry aprovecha a sus personajes para denostar la medianía en que se mueve una sociedad dividida por la religión, la política y las diferencias sociales.
La profesora de ballet ( Julie Walters ), insiste en colocar a Billy en la Real Academia de Londres, pese a que ella misma es una melancólica mujer, casada con un marido estricto, que escapa de su insatisfacción dedicando sus horas a la enseñanza de la danza en un gimnasio hecho para la práctica del boxeo.
El padre de Billy ( Gary Lewis ), es un tipo estricto, endurecido por las faenas mineras, machista y instintivo, que no ha superado la muerte temprana de su mujer.
El hermano mayor de Billy ( Jamie Draven ) , es un joven minero, enérgico y luchador, que cree en las presiones de la huelga y la lucha sindical, aunque sea su propio padre quien le haga convencer de lo contrario.
El mejor amigo de Billy, es un ser andrógeno, un niño con la latencia homosexual desde pequeño, y que gusta vestirse como mujer y admirar a su amigo para convencerle que opte por el camino correcto aunque tenga miles de obstáculos.
"Entre estas coordenadas oscilan el dramatismo y la picaresca de una obra, llena de situaciones bien descritas, de apuntes y aciertos en el análisis del clima familiar y social. Entre las dos tendencias posibles, intimista y crítica, la psicológica y la social, el filme se decanta muy poco a poco por los aspectos de evolución interior del adolescente , dejando más en segundo término, la proyección estrictamente social en la que ha surgido" ( Del crítico Manuel Alcalá ).
La película gana en humanismo y en rigor narrativo, logrando notable soltura y clara efectividad.

  
"Las Horas" : la mujer madre que esta en un encierro alienante.


"Las Horas"( 2 )  : Virginia Wolff en la estupenda interpretación de Nicole Kidman merecedor del Oscar.

"Las Horas" ( 3 ) : la mujer asumida en su sexualidad y el hombre enfermo terminal.


En "Las Horas" ( 2002 ), un poderoso drama notablemente estructurado, la historia gira en torno a tres mujeres conectadas por un libro : la escritora Virginia Wolff ( la bellísima Nicole Kidman maquillada para la ocasión ), una dueña de casa de los años cincuenta y su pequeño hijo ( Julianne Moore y Stephen Dillane ) y una mujer contemporánea ( Meryl Streep ), cuya amistad la liga a un hombre enfermo de VIH ( Ed Harris ).
Las tres mujeres del relato tiene algo en común : sus deseos de libertad, a partir de sus claustrofóbicas vidas, esperando que pasen las horas para evitar las rigideces morales y sociales que las embargan. Virginia Wolff lucha contra sus propios temores y ansiedades de amante de su hermana mayor, frígida y traumada en el control de sus ambiguos impulsos, por los fantasmas de la depresión y de la soledad.
La chica de los cincuenta y su hijito, en total estado de ansiedad, decide asesinar a su marido por lograr escapar de la rutina hogareña y el artificio de una vida futil, incentivada por la lectura de la novela de la Wolff.
En el presente, el niño ahora mayor, es un hombre que lucha contra el Sida y el complejo del desamor de su madre.
A la vez, la mujer independiente actual ( Meryl Streep ), corporaliza todos los supuestos literarios de los personajes femeninos idealizados de la Wolff.  Ella asume su lesbianismo como una opción de vida, aunque se remarca la idea  que nuestra sociedad se está quedando vacía, sin sentimientos reales que la fortifiquen, ni esperanzas inmediatas.
El director entrecruza los tres relatos con gran acierto y notable expresividad.


"El lector" : la relación amorosa que tendrá consecuencias graves en el futuro inmediato.


"El lector" ( 2 ) : la infidelidad matrimonial y la sumisión de la pareja.



"El lector" ( 3 ) : la pasión sexual que fustiga a la destrucción emocional.
 
En "El lector" ( 2009 ), estandariza los supuestos del drama de época, para sobrellevar una historia fina, aguda y trágica, mejor resuelta al nivel de las opciones interpretativas y arropada en el intimismo abrasador de la indulgencia, la espontaneidad y la sensualidad.
En el Berlín de la posguerra, Michael ( David Cross ), un joven quinceañero inicia un tórrido romance con una mujer ( Kate Winslet ), mayor que él. Sus relaciones causan estragos en ambos. La separación llega hasta que concluída la guerra y en una etapa de reconstrucción, el ahora flamante abogado se reencuentra con la chica de sus sueños, en el banquillo del juzgado y en lados opuestos.
Daldry insiste en darle profundidad a sus personajes, vía la emoción y el perfil sicológico.
El filme logra un intimismo crepuscular, mejor enraizado en la primera mitad del filme, porque en el juzgado las cosas se vuelven más planas y esquemáticas.
Sin ser una obra totalmente lograda, "El lector" nos demuestra el tremendo talento del director para extraer de situaciones límites, el máximo de coyuntura con el espectador. Resolviendo la trama con la inocencia del observador lejano, Daldry incorpora una fuerte capacidad para manejar los espacios cerrados y administrar con solvencia, el buen nivel interpretativo de sus actores.


"Tan fuerte y tan cerca" . la mirada infantil respecto a la pérdida del padre.

Tan fuerte y tan cerca" ( 2 ) : Thomas Horn en su papel de aventurero en la isla de Manhattan.

El amor de papá que perdió su vida el 11 S.

La relación con mamá, entre lejana y desinteresada.

La complicidad del abuelo en la búsqueda de las soluciones del enigma.


El mundo a su alrededor es amplio y diverso.

Los dobleces de un viaje por la ciudad, traen sus consecuencias en las relaciones con el abuelo.
 
Finalmente en "Tan fuerte y tan cerca" ( "Extremely loud and incredubly close", 2011 ), insiste en la correspondencia que debe haber entre la interpretación y el espectador. Basada en la novela de Jonathan Safran Foer, la película cuenta la historia de Oskar Schell ( el talento revelación Thomas Horn ), un niño que descubre una llave entre las pertenencias de su padre ( Tom Hanks ), fallecido en el ataque del 11 S, lo que origina una búsqueda por Nueva York, que lo llevará por una serie de aventuras callejeras.
La película se arma desde la cadencia pausada y silenciosa de un chiquillo que sólo desea descubrir el enigma que le dejó su padre tras su muerte. En este afán, el genio y la inventiva del muchacho, le permitirá acercarse al que cree su abuelo ( el siempre talentoso Max Von Sydow ), aunque choque con su madre ( Sandra Bullock ), producto de su decisivo esfuerzo personal.
Notablemente filmada en espacios abiertos de Manhattan y alrededores, "Tan fuerte y tan cerca" es una mirada intimista de la soledad y el abandono por causas mayores. Homenaje a los caídos de la tragedia más grande vivida por los neoyorquinos en su historia, es también una mirada detallada al universo que existe en la gran metrópolis.
Daldry se concentra en el muchacho y su brillante inventiva para transitar sin pausas por las calles de la ciudad. Sus encuentros con el mundo desconocido, le traerán más de un desaliento, aunque no sesgará ni un minuto, en lograr llegar a la meta propuesta.
Emocionante y humana, la película  se deja ver si se tolera el ritmo pausado, contemplativo e intimista. Los mejores momentos se los lleva el muchacho con su abuelo, dos personalidades que chocan para terminar encontrándose en la fragilidad de una vida aparentemente tranquila y equilibrada.

 
La revelación infantil de "Tan fuerte y tan cerca", el niño actor Thomas Horn.
 
"Tan lejos y tan cerca" ( 9 ) : el crecimiento interior de un niño respecto a la soledad , la ausencia del padre y el amor de la madre.

Un comentario : "Pasé mucho tiempo ensayando con el niño Thomas Horn, que debuta en "Tan fuerte y tan cerca". A partir de noviembre, diciembre, enero, febrero y marzo, tuvimos un largo proceso antes de empezar a rodar. Hicimos algunas escenas al comienzo para volver a rodarlas meses más tarde, porque no funcionaron. Lo genial de Stephen Daldry, es que al venir del teatro puedes ensayar y desarrollar relaciones entre los personajes que normalmente llegas a considerar. Por otra parte, me encantó que fuera la visión de un chiquillo que veía a una madre ausente. Una mujer que el no consideraba la mejor madre del planeta, ya que su dolor no le permitía asumir su rol. Todo eso hacía que este papel, fuera mucho más interesante para interpretar. Stephen me señaló, no vayas a contener a Thomas. Cuando lo veas perturbado, no intervengas. Y como ser humano era muy difícil no ir a contener este pequeño ángel. Así que fue complicado." ( La actriz Sandra Bullock ).



Danny Boyle :
El Cine de la mirada novedosa y acertiva.



El director en la India cuando rodó "Slumdog Millionaire", su exitosa y oscarizada película musical.

Nada  parece imposible para el director, productor y guionista Danny Boyle ( nacido en 1956 ), cuando se trata de abordar temas interesantes, novedosos y realistas. Si bien su manera de contar historias tiene mucho de encomiable virtud, no es menoscabo, su certera penetrabilidad en temáticas que afectan, por ejemplo, a los países tercermundistas como : la pobreza, la marginalidad, la deserción ciudadana, la drogadicción, la enajenación urbana, la sequía, la falta de alimentación, el materialismo, las ambiciones monetarias, la orfandad, el desaliento y la falta paulatina de valores humanos.
Hijo de emigrantes irlandeses y católicos, estudió en la Universidad de Gales.
Contando con una solvente carrera en el mundo de la televisión al dirigir series como "Inspector Morse" y "Mr.Wroe"s Virgins", debuta en la dirección cinematográfica con la original película : "Tumba al ras de la tierra" ( "Shadow Grave", 1994 ).
 La historia parte cuando tres amigos inseparables, deciden arrendar un departamento a un desconocido. El tipo en cuestión, aparece muerto y desnudo sobre una cama, con una maleta repleta de dólares.el valioso cargamento desencadena el conflicto : los tres aceptan mutilar y enterrar las partes del cuerpo del cadáver, y conjuntamente, eliminar toda ervidencia de su existencia. 
Lo que viene después, tiene que ver con una radiografía a la conciencia de los protagonistas. Todos aparecen como encubridores de un hecho sangriento. Y uno de ellos, se transforma en un sicópata sin vuelta. El director inglés sorprende por la manera de utilizar el lenguaje expresivo del cine. Hay tomas y saltos temporales insólitos, como el "racconto" donde se especifican al detalle las golpizas que recibe un individuo de cara a la cámara. También se acentúan las tonalidades frías y oscuras del departamentodonde se desarrolla gran parte del relato que pasa de lo puramente policial a lo terrorífico y granguiñolesco. Es un filme inquietante, antológico en su propuesta estética, y muy logrado en la creación de una atmósfera enrarecida y sugerente.

 
"Tumba al ras de la Tierra" : su debut revelación en el cine mundial.


"Transpotting" : los personajes en medio del paisaje escocés.

El éxito mundial le llegaría con el estreno de la mítica "Transpotting" ( 1996 ), una controvertida, irónica, ecléctica, repelente, iconoclasta, divertida, mordaz y aguda visión al mundo de los drogadictos marginales. Basada en el best seller de Irvine Welsh, la película es una visión caracterizada por las correrías callejeras , las escenas delirantes y el humor negro. Hay en toda esta parábola sobre los alucinógenos, la búsqueda de una identidad -reflejo acerca de los jóvenes marginales que habitan en las urbes desarrolladas. 
No es extraño entonces, el acento sicológico que Boyle plasma en sus personajes : Mark Rentor ( Ewan McGregor ), es un chico de Edimburgo, educado en las conservadoras manos de una pareja tradicional, donde todo es "yes" en la vida, por lo que decide romper su obediencia y hacer lo contrario, como una forma de escapar del modelo absolutista.
Spud ( Ewen Bremmer ), es un oligofrenético, el típico "nerd" que no le hace daño ni a las moscas, y que vive dopado y en trance por la heroína , subvertiendo su fatídica existencia con la prudencia de un burro; Sick Boy ( Johnny Lee Miller ), es un experto en películas de Sean Connery, que se solaza con sus amigos destacando su total control en el consumo de drogas ;  Tommy ( Kevin McKidd ), es un deportista que sigue las reglas de "cuerpo sano, mente sana", y que decide abandonar tanta normalidad después de perder a su novia, encerrado en su habitación con un gato que le contagia una enfermedad mortal; y Bergie ( Robert Carlyle ), un sicópata en potencia que prefiere el alcohol  a las drogas, demostrando un poder absoluto que terminará minándolo después de participar en un 
suculuento negocio. 



"Transpotting" ( 2 ) : la escena más característica del filme.
 
"Transpotting" ( 3 ) : imitando a "The Beatles" en el cruce por la avenida, de espaldas al espectador.
 
"La Playa" : el paraíso perdido arruinado por el tráfico de drogas.


El perfil de los personajes masculinos en "Transpotting",  contrasta con los femeninos, aunque el llamado a la droga es fuerte y, a veces, incontrarrestable. Boyle no somete su mirada al cuestionamiento crítico. Más bien,. se dirige a acentuar el drama de solitarios que buscan una razón en su dilapidada existencia.
En "La Playa"  ( "The Beach, 2000 ), basada en la novela del joven escritor Alex Garland, el director efectúa una nueva mirada al universo del comportamiento humano en situaciones limítrofes.
Richard ( el inconfundible Leonardo Di Caprio ), es un joven surgido de la cultura de los "malls", y el consumismo abrsador. Busca escapar de la vida cotidiana durante unas semanas de vacaciones en una isla en Tailandia. Mientras se aloja en un miserable hotelucho, su vecino antes de suicidarse, le entregará un mapa donde se supone, existe el paraíso natural más hermoso del lugatr. En su búsqueda, se unirá una chica francesa y su novio. En la playa, el paraíso perdido de los sueños, está invadido por narcotraficantes y gobernado por una autoritaria mujer. Allí conviven suecos, británicos, americanos y franceses imitando el estilo de vida naturalista heredado de los viejos "hippies" de los años sesenta del siglo pasado.
 La enajenación urbana chocará con la naturaleza. Esta idea que prorroga "La Costa Mosquito" a un nivel familiar, y "El Señor de las Moscas" a un nivel antropológico, encuentra en esta película un asidero resuelto en el convencimiento, que el hombre actual se hunde en el consumismo y sólo se puede salir de él, renegando su práctica, para florecer una vez redimido en medio de la naturaleza agreste. 
 

"Exterminio" : el relato de terror apocalíptico que enfrenta a un grupo al miedo total.

"Exterminio" ( "28 Weeks later", 2002 ), exploró el campo del terror, con gran oficio. El apocalipsis, el virus letal, el vampirismo y el canibalismo, aparecen como puntos en disputa en un relato certero, agudo y demencial.
El expresivo Cilliam Murphy interpreta a un cartero que despierta en un hospital desierto, en una ciudad aparentemente abandonada y en un día post apocalíptico.  
Después de constatar que no todos los humanos han fallecido, se une a una chica de color ( la atractiva Naomí Harris ), un padre estratégico ( Christopher Ecclenston ) y su hija adolescente ( la singular Megan Burns ), para huír a otra ciudad tras los pasos de un aviso de radio, donde parece existir una cura a la enfermedad que azotó a la Humanidad.
Lo más terrorífico queda para la segunda parte del relato, cuando el cuarteto llega a su ,meta, pero se encuentra con un grupo de soldados viviendo a la deriva en una mansión, donde lo único que les preocupa es la reproducción sexual para evitar el total exterminio. 
Boyle, entonces se readecúa y pasa a mantener el suspenso en cuatro paredes, con mucho dominio y oficio.




Pequeña obra maestra de ambiente navideño. Se trata de un renovador cuento infantil moderno.



Personajes simbólicos de la Biblia hacen su aparición en el cuento.



Como un bolso lleno de dólares hace cambiar hasta la inocencia infantil.




La simbología cristiana remarca varias escenas en la película con certera expresividad.


El manejo del encuadre en relación a la perspectiva infantil, caracteriza todo el conjunto estético de la obra.


Lewis McGibbon y el pequeño Alex Etel son los hermanitos afortunados que vivirán una enorme experiencia.


"Millones" ( "Millions", 2004 ), es su cuento infantil con enseñanza, mejor estructurado y narrado, con una gran riqueza de recursos expresivos y colorísticos.  
A partir de la aventura de dos hermanos, Anthony ( Lewis McGibbon ) y el pequeño Damian ( la revelación inglesa Alex Etel ) que hallan una bolsa repleta de dólares ( como en "Tumba al ras de la tierra" ), Boyle agrega una moraleja llena de referencias bíblicas, muy acertivas y elocuentes.
Se trata de una pequeña obra maestra, que revaloriza el uso del color, el gusto por el relato para los niños, y las sutilezas de los cambios reales provocados por el Euro, como moneda común en todo el continente.
También hay una maravillosa resolución, relativa  a la donación de agua potable en países africanos de extrema pobreza.


"Millones",  resulta ser una historia novedosa, refrescante, moderna y muy afectiva en sus propósitos comunitarios, que habla desde la mirada desarrollada de la globalización acerca de las necesidades de los países en vías de desarrollo, o que sufren el flagelo del hambre y el olvido. Notable.
 Más adelante, Boyle se desarrollaría entre los visos de la comedia "Sunshine" ( 2007 ), y el drama  deportivo "127 Horas" ( 2010 ).
Entremedio, realizó una de sus mejores obras, "¿ Quien quiere ser millonario ? ( Slumdog Millionaire" ,  2008 ), archipremiada película que revela la pobreza de la India. Utilizando los esquemas del thriller de resonancias sociales, y la moda de programas de concursos estelares que se vienen desarrollando también en Chile, Boyle nos somete a mirar la realidad de un mundo distante, contrastante y disperso. Desde allí, universaliza un discurso sobre los flagelos del mundo conteporáneo : la drogadicción, el Sida, la orfandad, la falta de agua y alimentos, y la marginalidad más aplastante en un continente lleno de profundas contradicciones.
Boyle relativiza los supuestos del neorrealismo y los condiciona, para anteponer la historia de un muchacho que salió de las cloacas para ganar el concurso televisivo que lo convirtió en millonario.


"¿ Quien quiere ser millonario ? :  la historia de un joven que pasó de la pobreza  a la riqueza por un concurso en televisión.


La extrema pobreza en la India retrata la cinta en un estilo muy singular.

Las explicaciones a la policía, aún a sabiendas de quedar como mentiroso.

El director rodando en exteriores con sus niños artistas.
Un comentario : En "¿ Quien quiere ser millonario ?, me sentí virgen. Nunca había estado en Bombay y filmar allí me resultó una auténtica experiencia.Todo allí es una locura, una capital extrema donde todo se mezcla, los ricos con los pobres, momentos terriblemente violentos con otros tremendamente románticos. Es una ciudad que bulle llena de energía y vida. Una de las cosas más increíbles es que todos están ocupados, organizando y trabajando. Por supuesto que hay bastante pobreza, pero ese contraste es lo que he intentado plasmar en la película."
( El director Danny Boyle ).



Pedro Almodóvar : 
El Cine de las contrariedades familiares.


En el set dicen que es un director muy exigente y riguroso.

De todos los directores españoles que existen en el panorama actual, el manchego Pedro Almodóvar ( nacido en 1949 ), es el más universal. Debe parte de su éxito, a su aguerrida forma de encarar el cine en tiempos de la llamada "movida española", a su sincera proclamación homosexual, que tiene mucho de trágica y dramática, pero sobretodo, a su notable manera de asumir un cine para las masas,a partir de una refrescante lectura del drama clásico, de las "soap operas" televisivas, de las "extravaganzas" estéticas del mundo "gay", de las reprimidas formas del novelón rosa, y en fin, de su sensibilidad apabullante para enlazar historias originales, que tienen mucho de autobiográficas.
Nada de lo que hace Almodóvar deja de entusiasmar al cinéfilo, quizás por su aplicado lirismo a las formas y a los espac ios.Sus temáticas son recurrentes e identifican a las minorías sexuales, aunque en sus películas hay espacio para todo:  desenfreno, dolor, amor, tragedia, pasión, orgullo, codicia, soledad, locura, narcisismo, fetichismo, traición, culpa, fatalidad, celos, ironía, humor, travestismo, desgarro, esperanza, fé, utopía e intriga.
A la raíz de sus películas iniciales duras y subversivas, que pusieron en ristre los temas más controvertidos de la marginalidad sexual, Almodóvar acomoda hoy, los visos de historias mundanas, intimistas, familiares, románticas, que transitan por igual entre el drama, la comedia y el "thriller" negro.
Dicen que su genio es insoportable en el set. Detallista y meticuloso al máximo, exige de sus actores la entrega total cuando rueda, y no se contenta con la parafernalia del estrellato. 


"Mujeres al borde de un ataque de nervios" : la revelación del cineasta en el extranjero.


En la película queda claro su estética y abigarrado mundo femenino.

A medida que entra en años, Almodóvar crece y se expande en sendos retratos contemporáneos, capaces de reflexionar acerca de los problemas que afectan a las sociedades desarrolladas. 
Detras de un drama, hay una pulsación casi quirúrgica de los comportamientos filiales, conyugales y sexuales.
Por eso, no cae bien su cine a todos. En el machismo, molesta mucho su chillona coloreatura,  que exacerba los clichés de los teledramones televisivos y apabulla la figura masculina mostrando sus debilidades y obsesiones más recurrentes. En el feminismo, lo aplauden de pie, porque la figura de la mujer es tratada como una diosa, a costa de asumir los vaivenes de los conflictos emocionales y sentimentales de muchas de sus historias. En el homosexualismo, hay una admiración conciente por lo que ha logrado con el lenguaje del cine, pero también una autocrítica a la manera de exacerbar la realidad de la comunidad gay, que no es siempre como se cree ver en sus películas de corte dramático. 
Abrir un espacio de debate a los temas de las minorías sexuales en el mundo. Esa ha sido su impronta. Creemos que lo ha logrado. Por eso y sólo por eso, no cabe duda que, el cine de Almodóvar es singular, artístico y novedoso. 

 
"Kika" : Victoria  Abril en su traje futurista.


"Hable con ella" : preparándose antes de la corrida de toros.
 
"La Mala Educación" : los recuerdos traumáticos del director en la escuela.


El sexo es un tema recurrente en la filmografía del realizador manchego.

Desde que se iniciara en 1980 con la comedia "Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón", el cineasta español ha logrado mantener un estilo inconfundible para hablar de temas de candente actualidad, donde flota su carácter irónico. Títulos como : " ¿ Qué he hecho yo para merecer esto ? ( 1984 ), "Matador" ( 1985 ), "La ley del deseo" ( 1987 ), "Mujeres al borde de un ataque de nervios" ( 1988 ), "¡ Atame! ( 1989 ), "Tacones lejanos" ( 1991 ), "Kika" ( 1993 ), "La Flor de mi secreto" ( 1995 ), "Carne Trémula" ( 1997 ), "Todo sobre mi madre" ( 1999 ), "Hable con ella" ( 2001 ), "La Mala Educación" ( 2004 ), "Volver" ( 2006 ), "Los Abrazos Rotos" ( 2009 ), y "La Piel que habito" ( 2011 ), vienen a constituír la coherencia y solvencia artística de un cineasta, comprometido con sus obsesiones autorales. Algo que seguramente proseguirá su nueva obra "Los amantes pasajeros", cuyo estreno se prevee para el 2013.


"Todo sobre mi madre" : la expiación de todas las culpas o el drama que se recicla.


"Todo sobre mi madre" ( 2 ) : la mirada a la mujer en todas sus variantes.
 
De sus 19 películas, destacamos su obra maestra "Todo sobre mi madre"( 1999 ), la más inteligente y conmovedora de sus piezas, galardonada con el Oscar a la mejor película extranjera, siete Goyas, el premio al Mejor Director en Cannes, y más de cuarenta reconocimientos en distintos festivales alrededor del mundo.
 La historia parte en un joven ( Eloy Azorin ), que mantiene una estrecha relación con su madre ( Cecilia Roth ) y que en el día de sus cumpleaños es atropellado por un coche. Entonces, el eje dramático de la historia pasa a la madre, y Almodóvar superpone a través de una mirada irreverente, la realidad de un gay en el mundo actual. Todo lo que sucede después, incluyendo la aparición de una monja embarazada y con Sida ( la notable Penélope Cruz ), y una actriz lesbiana ( Marisa Paredes ), es una excusa para mostrar los dos lados de la moneda en la ambiguedad sexual y las relaciones filiales.
"Todo sobre mi madre" contiene escenas tan subversivas como cándidas. Esta doble cuerda le permiten efectuar una  tragicomedia delirante, melancólica, pausada y digerible.  
Acerca de la película, el realizador recuerda : " Una de las características de la película de la que me siento más orgulloso, son sus enormes saltos en el tiempo. Esas elipsis me salvaron de caer en el sentimentalismo. Así mismo, la interpretación es muy sobria. La sobriedad fue la clave del éxito de aquella película. La gente nunca sabe porque se llega a identificar tanto con los personajes y desde el principio trabajando con los actores fui conciente de ello. La idea era aplicar los mecanismos de una comedia screwball a una historia dramática. Al principio, estaba un poco asustado porque se trataba de algo que nunca había hecho antes".  




"Volver" : la angustia de la rutina hogareña transformada en thriller de suspenso.



La bellísima Paz Vega , actúa en "Hable con ella" y "Los Amantes pasajeros".


Un comentario : "El cine de Almodóvar está basado en la valorización de las mujeres y del mundo femenino a través de personajes como actrices, monjas, prostitutas, y porteras de naturaleza colorista y espontánea, y en un registro en el que se mezclan la comedia y el melodrama. Este panteísmo de la mujer, se ve reflejado en la importancia concedida a la figura de la madre, a la amistad femenina, a los diversos elementos cotidianos parodiados, como los telediarios cómicos y fatalistas, publicidad de detergente o de utensilios para las señoras, prensa del corazón, boleros, neurosis de limpieza. Se caracteriza también por la preocupación y el extremo detalle en la decoración y el vestuario, todo ello ayudado siempre por un sentido del humor que provoca la risa aún en los momentos más bajos de los personajes. Sus temas son el coraje y la lucha de la mujer, el amor pasional, el sexo, la cosmología homosexual, los tópicos y convenciones  de los españoles, mezclados con las aspiraciones de la clase media en tratamiento irónico". ( De los especialista Jesús Ramos y Joan Marimón ).




Jane Campion : 
El Cine del retrato femenino de complejidad sicológica.


Gran esteta de los espacios abiertos, la realizadora se formó en la escuela de Bellas Artes en Sydney.

 Si la sensibilidad femenina tuviera el nombre de una directora en el cine, debería ser  Jane Campion ( nacida en 1954 ), pues resume todas las virtudes de una esteta ejemplar. 
Nacida en Nueva Zelandia, estudió Bellas Artes en Sydney, Australia, donde se especializó en pintura y escultura.
En 1980 filmó su primer corto, "Tissnes" en 8 mm, después se matriculó en la "Australian Film TV and Radio School", donde en paralelo, realizó notables cortometrajes alabada por la crítica local.
Como realizadora, logró un gran éxito con su primer largometraje, "Sweetie" ( 1989 ), "una estilizada comedia social". Aunque fue su segundo trabajo "Un ángel en mi mesa" ( "An Angel at my table", 1990 ), la que le permitió despegar internacionalmente cosechando los frutos de su propio esfuerzo y dedicación.
Capaz de meterse en la piel de personajes clásicos de obras literarias de prestigio, ha logrado asumir con nobleza, las garantías de un conocimiento amplio en artes plásticas,  fotografía y cine.
Sus películas son bellas melodías que acarician y golpean hasta el más fuerte. Comienzan con la fuerza del relato vigoroso, para trascender en el espectador con imágenes de estilizada naturaleza.
Los paisajes de Australia, cobran en sus relatos espacios protagónicos casi sublimes. Nada es gratuito. Incorpora las relaciones amorosas desde el aspecto de la pasión afiebrada y viril.
Intelectual sin ser petulante, esteta sin ser pintora barroca, cronista de los tiempos románticos, admira el  efecto que se produce en la consumación de los cuerpos rendidos al amor. Si existe espiritualidad en el cine de la Campion está subliminada a la noción del tiempo, de la propia naturaleza salvaje, de la fogosidad de la posesión, incluso entre culturas distantes.
Para ella, la mujer es una ícono del quiebre de los tradicionalismos más espúreos. Sus personajes no se sonrojan, golpean, apabullan, desconciertan. Son vulnerables a su progresismo, en tiempos donde por su rigor, cualquier avance es imposible. De ahí, la amplitud de miras de sus películas de época. Se recrean en los acontecimientos del pasado, para contraponer la personalidad femenina moderna,  a los designios del progreso. Es cierto, ellas terminan en la fatalidad de la muerte, la soledad o la incomprensión del resto, pero son heroínas en la medida de sobreponer la autenticidad de su origen, por sobre los escarnios de las restricciones sociales de su tiempo.  


"Un angel en mi mesa" : el despegue al exterior.


"La lección de piano" : el amor, la tragedia y el arte musical.
 
"La lección de piano" ( 2 ) : las maravillosas playas de Kare Kare, sirvieron de ambientación para el conocido relato.
 
De entre sus películas destacamos "La lección de piano" ( "The Piano", 1993 ), "Retrato de una dama" ( "The Portrait of a Lady", 1996) y "Holy Smoke" ( 1999), cuyo guión escribió en conjunto con su hermana, Ann, demostrando lo maravillosas que son, en el retrato de complejos personajes femeninos.
"La lección de piano" ( 1993 ), debe ser con justicia, su película más conocida en el exterior. El filme rodado en los hermosos parajes de la playa de Kare Kare, es un drama de época, que magnifica las relaciones interraciales entre una mujer muda aficionada a la música y un aborigen, algo violento y brutal. Entremedio, gira una niñita, la hija del matrimonio, que es testigo del paulatino detereoramiento de las relaciones conyugales de su madre y el inicio del fogoso romance con el nativo del lugar.
Película de gran sensualidad fotográfica obra del cameraman Stuart Dryburgh, asume las constanters de la tragedia romántica con un apego encantador a las sutilezas del juego de pareja, los esbirros y habladurías del pequeño mundo civilizado que cohabita entre la raza autóctona. Notables los protagonistas desde la estupenda Holly Hunter, pasando por Harvey Keitel como el aborigen, Sam Neill como el esposo compungido y la revelación infantil de Anna Paquin, que se adjudicó el Oscar por esta su primera actuación. 

 
"Retrato de una dama" : Nicole Kidman en la adaptación de la novela de Henry James.


La pasión amorosa es tema recurrente en el cine de la Campion.

"El Retrato de una dama", es una opulenta, agraciada y valiente transcripción del universo novelístico de Henry James con una Nicole Kidman en sus mejores laureles.
"Antes de emprender el viaje de un año con Madame Merle ( Barbara Hershey ), Isabel Archer ( la Kidman ), conoce a Gilbert Osmond ( John Malkovic )y se enamora de él.
"En un principio queríamos ir a rodar a las pirámides de Egipto, - recuerda la directora- pero no disponíamos del presupuesto suficiente, de manera que concebí aquel pequeño documental de viaje. Isabel siente verdadera obsesión por Gilbert , algo que tenía que reflejar de alguna manera. Al final, decidí mostrar la pareja en un antiguo noticiero de actualidades proyectado sobre una pantalla azul. Se trataba de una versión alegre del viaje. Isabel no podía dejar de pensar en la persona que había dejado atrás.¿ No es típico eso de enamorarse de alguien justo antes de que tengas que emprender un viaje al extranjero ?  


"Holy Smoke" : los esfuerzos por desprogramar a una mujer metida en una secta hindú.

"Holy Smoke" ( 1999 ), es la historia de una mujer ( Kate Winslet ), que cae en las redes de una secta durante un viaje que emprende a la India, buscando respuestas acerca de su existencia. Su familia absolutamente preocupada contrata a un "desprogramador" profesional ( Harvey Keitel ), con la esperanza que éste podrá volverla en sí. Obviamente, la relación termina en pasión desenfrenada y algo locuaz, porque cada uno luchará por hacerle ver al otro sus convicciones más absolutas.
Respecto al filme, Jane Campion acota : "Holy Smoke muestra un momento extraordinario en la vida de una joven, en el que ella se siente endiosaday no tiene temor a nada. A esa edad eres una niña- mujer que no has experimentado verdaderamente el dolor y son en cierto modo despiadadas. Para ellas no existen límites de lo que pueden o no pueden hacer. Al aparecer el personaje de Harvey , ella se encuentra con alguien que será testigo de esta etapa suya de confusión y la acompañará a lo largo del proceso de liberación. Al final, ella le debe más respeto a él que a todas aquellas personas de la secta".
Una película intrigante, desmezurada en lo sexual, abierta, sin trabas y con escenas fuertes y desgarradoras. Notable como en todas las películas de la Campion, su fotografía y el nivel alto de actuaciones. Una clara provocación visual acerca de las relaciones humanas, encrispadas por ideas externas que sólo se recuperan, cuando se reconocen las debilidades y aprehensiones íntimas. 
Su última película conocida fue : "El Amor de mi vida" ( Bright Star", 2009 ), séptimo largometraje sobre la vida romántica del poeta John Keats, ambientada en la campiña inglesa de principios del siglo XIX.
El filme alabado por su belleza y notable estilo narrativo, cuenta con la actuación de : Abbie Cornish y Ben Whishaw.



"Bright Star" : la belleza de la fotografía y del contenido.



El romance a través del poema y la sublime relación del amor idílico.


Un comentario : "Los actores son mi voz, y siempre estoy dispuesta a darles todo aquello que esté en mis manos, pero sé que tienen que dar las notas más agudas por sí mismos. Puedo evitar que un actor fracase estrepitosamente, pero no puedo alargarles la mano cuando están en lo más alto. Se trata de algo de lo que sólo puedo ser testigo, aunque es maravilloso estar en el set, cuando un actor está haciendo algo extraordinario y tú eres la única persona que se da cuenta de ello. Acaban de descubrir oro y sólo tú lo sabes, y es algo que sucede muy a menudo" ( La directora Jane Campion ).



George Romero : 
El Cine de las metáforas urbanas.


Cuidado que tras las sombras te espera el maestro del horror gore. ¡ Que miedo !

Creador de los "muertos vivos", especie de dura metáfora al capitalismo consumista, el director, productor y guionista norteamericano George Romero ( nacido en 1940 ) , está considerado como el padre del cine de terror moderno. No sólo por su enorme influencia en el género, sino porque a su acabado uso de los recursos mínimos propios del cine B, incorporó con acierto, el simbolismo más original para hablar de los problemas que afectan a las sociedades desarrolladas.
Su tremendo talento casi marginal, le ha permitido sesgar la falta de recursos con ingenio, perseverancia y  optimismo, logrando armar una productora propia, que produce hoy algunas de las series televisivas y largometrajes más amenos y horrorosos del planeta.
Padre del "gore" y "el más personal de los creadores en el campo de un cine eficaz, barato y familiar", Romero ha logrado mancillar la destreza del realizador febril con el anarquismo del solitario genio y vehemente artista de sombras oscuras y déspotas.
Su cine resulta de una amalgama extraña donde campean , "la perturbación colectiva de "Código : Trixie" ( "The Crazies", 1973 ), y la individual de "Martin" ( 1978) , la locura cultural de "Creepshow" ( 1982 ) y la científica de "Monos diabólicos" ( "Monkey shines", 1988 ), y muy especialmente la demencia contagiosa de "Zombie el amanecer de los muertos vivientes" ( "Dawn of the dead", 1978 ) y la trilogía de la cual es el centro, el eje y la gravedad" ( De Ascanio Cavallo y Antonio Martínez ). 



"La noche de los muertos vivos" . el comienzo de la nueva veta del terror.


"Zombie, el amanecer de los muertos" : la magia del maquillaje y de los FX  propios del cine "B".
 
Desde los lejanos orígenes de la fanfarria sangrienta con la muy cult "La noche de los muertos vivos" ( 1968 ), clásico de clásicos del "camp", del B horroroso y la línea maquiavélica del terror gore, Romero ha insistido, una y otra vez, en la existencia "real" de los zombies. A través de esta parábola , se deja ver la huella crítica de un filófoso insurrecto, rebelde y anárquico, que logra consumar su mensaje en el contexto de una lujuria de sangre, muertos vivos caníbales y tensión extrema.
Para nosotros sus dos obras maestras son : "Martin" ( 1976 ), un estupendo filme de vampiros, rodado en el suburbio de Pittsburgh, donde un atormentado adolescente ( John Amplas ) adora la sangre pese a los intensos esfuerzos de su abuelo, por clavarle una estaca en el corazón y evitar más sangre derramada; y "Zombie el amanecer de los muertos" ( 1978 ), la secuela que se desarrolla en un "mall", "lugar abstracto y personal, público y común, donde podría estar cualquiera y no hay lugar para nadie".
En este corazón del consumismo más abrasador, Romero asesta el golpe para mimetizar su mensaje. En este "palacio de un estilo alienado, pueden convivir una piedad patética con una sangrienta voracidad competitiva". Se trata de una pesadillesca visión apocalíptica de la vida urbana moderna, donde se desbordan las barbaridades del comportamiento, y sólo pervive la idea de la supervivencia de la especie, casi inexistente en medio de la voracidad de la competencia.
Notable, original y acertiva parábola de los tiempos actuales.


Los muertos vivos que  practican el canibalismo dentro de un "mall" comercial. Sutil metáfora a los tiempos actuales del consumismo.

Un comentario : "Zombie, el amanecer de los muertos" es la pesadilla de un apocalipsis autoinferido.Los excesos del monetaje paralelo, los desbordes sanguinolentos, la barbarie de la historioa, tiene su plena justificación en función del penoso esfuerzo de los personajes por construír una idea de familia en un habitat conta,minado y maldito. La supervivencia dela especie es una desesperada ilusión, una pifanía en el mundo de la voracidad"
( Los críticos Ascanio Cavallo y Antonio Martinez  en su libro "Cien claves del Cine" ).



Raúl Ruiz : 
El Cine del Tiempo recobrado.


Fue un cineasta vanguardista, experimental, inclasificable. El profesional chileno de mayor relevancia internacional.

Considerado por "Cahiers du Cinema", la prestigiosa revista francesa en los ochenta, como el cineasta más simbólico y trascendental del mundo, el chileno Raul Ruiz ( 1941-2011 ), debe estar en cualquier antología del cine, por su valiosa obra, inclasificable, original y vanguardista. 
Alterando todos los espacios del lenguaje audiovisual tradicional, Ruiz se alimentó de la literatura clásica para renovar el arte cinematográfico, con gracia intelectual y ansias telúricas de trascender en el tiempo. Conciente o nó , logró sus objetivos más personales en razón de estar constantemente experimentando con el cine, su praxis y sus significados ulteriores. Nada puede superar esta mirada refrescante y visceral. Mueren las utopías ideologicas y Ruiz está ahí para denostar el momento. Se acaban los muros divisorios y Ruiz como jerarca de otros tiempos, somete el lenguaje a transcripciones complejas y sutiles a la usanza de los narradores modernos. Aparece la globalización y la nueva era del lenguaje informático, y Ruiz desde viejas épocas, se aparta del manierismo tecnológico para hablarnos de la futilidad del tiempo. Ni Proust, ni Goethe, ni Stevenson, alcanzan momentos más sublimes que en las semánticas adaptaciones de Ruiz.
Se trata de un cine siempre joven, insurrecto, que no lo dominan ni las modas , ni los avances tecnológicos, ni las nuevas reparticiones geográficas del mundo civilizado. Por eso, su aporte es tan importante. Porque transformó en el cine, el clasicismo barroco de la literatura, en modernidad sólo recobrada cuando el tiempo quedó atrapado en una imagen del gran Ruiz.
 

"Tres Tristes Tigres" : seres que se aplastan por surgir, en la medianía de lo cotidiano.


"Palomita blanca" : el clásico del cine chileno que hoy es un retrato fiel de aquellos años.
 
La carrera de Ruiz se remonta a su joven díscola y aventurera. A los quince años hacía teatro experimental y a los veinte era autor nato de obras vanguardistas. Portomontino por origen emigró a Santiago donde estudió Derecho y Teología, para pasar después a estudiar Cine su verdadera vocación.  Su primer cortometraje inconcluso fue "La Maleta" ( 1960 ), más tarde irrumpe con el largometraje "Tres Tristes Tigres" ( 1968 ), de la que el crítico Sergio Vodanovic escribió : " Si desgarradora es la visión de los personajes y su sórdida ambientación, el tema de la película no lo es menos. Aquí, el acierto es de Alejandro Sieveking , autor de la obra de teatro en la que se inspiró el filme y en la que Ruiz profundizó despiadadamente. Todos los personajes tienen una misma motivación : trepar, aprovechar, y buscar, mediante el engaño, salir de su mediocridad. Y todos los esfuerzos son vanos, Están al acecho, como tigres famélicos, de la oportunidad para caer sobre el desprevenido provinciano que llega a Santiago, o sobre el aventurero del negocio aquel". 
La cinta no fue un éxito de taquilla en Chile, pero le permitió darse a conocer en el extranjero. Ganó el Leopardo de Oro en el Festival de Locarno, Suiza. 
Comprometido en su posición política efectúo una serie de filmes de fuerte carga emocional e ideológica, como : "La colonia penal" ( 1970 ), hasta que adapta la novela  de Enrique Lafourcade, "Palomita Blanca" ( 1973 ), una fragmentada historia acerca de la relación amorosa entre María ( Beatriz Lapido ) una muchacha que vive en un conventillo en la Calle Chiloé y Juan Carlos ( Rodrigo Ureta ), el hijo de una acaudalada familia del barrio más acomodado de Santiago.
El filme es un retrato costumbrista del Chile de aquellos tiempos, que Ruiz logra transformar en un modélico estudio de connotaciones sociológicas acerca de lo que fuímos como país, sin menospreciar el fuerte desnivel económico y las confrontaciones ideológicas de un período bullante de efervescencia política.
Pese a su disparidad y frialdad, "Palomita Blanca" es todo un documento realista de la vida chilena a principios de los setenta, que crece con el tiempo, dada ñla erscaez de material audiovisual que nos reflejase en aquellos momentos.
Exiliado en Francia desde 1974, Ruiz erigió una filmografía que podía haberse quedado en el panfleto reaccionario. Obedeciendo su fuerte inclinación por la literatura, asentó una obra inconmensurable, extremadamente difícil de seguir, que transita por todos los formatos del cine, la televisión y el teatro. 
Ruiz innovó el lenguaje y los modos narrativos del cine, traspolando muchas de sus coordenadas a un universo amplio, complejo y simbólico.
De todas esas obras, "Las tres coronas del marinero" ( "Les trois courennes du matelot" , 1983 ), "aparece con más claridad como un compendio estético, centro movedizo de un laberinto donde confluyen numerosas posibilidades". De producción francesa, ambientada en paisajes de Portugal, pero " apátrida en la intriga", es una notable película llena de referencias a la cultura y modo de vida chilenas.


"Tres coronas del marinero": la estética del "amour fou".


"Las Tres coronas del marinero" ( 2 ) : un laberinto de sensaciones simbólicas.

"El Tiempo Recobrado" : la complejidad de Marcel Proust con la estética de Ruiz.
 
"El Tiempo Recobrado" ( 2 ) . la perfecta recreación del pasado.


De sus más de doscientas producciones, Ruiz dejó para la posteridad otros títulos dignos de recordar y revisitar, como : "El Territorio" ( 1980 ) , el largo tríptico "Rompehielos" ( 1986 ), donde aporta el capítulo "Historias de Hielo" que se articula a partir de un extraordinario texto que el cineasta recita en "off";  "La Isla del Tesoro" ( 1985 ), una personal versión al clásico liteario de Robert L.Stevenson, con Martin Landau en un papel inolvidable ; y "El Tiempo Recobrado" ( 1999 ), su especial versión del texto homónimo de Marcel Proust con John Malkobvic y Catherine Deneuve.
Cabe destacar de todo el conjunto, "Genealogía de un Crimen" ( 1997 ),  que ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín, al entremezclar una historia coloquial de índole familiar, con los visos de un thriller policial y de suspenso.
Su última película, "Misterios de Lisboa"( 2011 ), es un verdadero testamento fílmico pues están todos los temas que le obsesionan, a partir de la vida de la aristocracia portuguesa, donde confluyen intrigas y pasiones enfebrecidas "de un huérfano, una condesa, un sacerdote y un expirata". 
La obra obtuvo en Francia el premio Louis Delluc entre otros galardones, y fue la despedida de un cineasta que, en vida, amó como pocos, las similitudes entre la narrativa clásica y el lenguaje cinematográfico, para desde allí, renovarlo con la sabiduría de los  grandes intelectuales del siglo XX.



"Misterios de Lisboa" : la obra cúlmine de la filmografía del cineasta portomontino.

Un comentario : "En el cine de Ruiz, las historias se contienen simultánea e infinitamente, de modo que forma y contenido no sólo se vuelven indisolubles, sino intercambiables. Esto es posible, debido a que en sus películas los referentes reales son borrados de un plumazo, para dar paso a una reinvención de la realidad basada en la mirada de la cámara, en las arbitrarias relaciones que entre los objetos establece la palabra. En esa equivalencia de puntos de vista entre la cámara y sus personajes, cualquiera supuesta omnisciencia se desvanece en pro de un nuevo cosmos, tan subjetivizado que deviene en real espacio mental" ( Revista "Enfoque" ). 


Afiche del último trabajo del recordado cineasta chileno Raúl Ruiz.


 

1 comentario:

  1. El corcel negro ha sido una de las cintas que más he disfrutado y sin duda la volvería a ver, es maravillosa. Ha ce poco la vi por Películas HBO y de verdad es una cinta que vale mucho la pena.

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